Quels sont les principaux genres que vous connaissez ? Appliquer la peinture, les genres, les styles, les différentes techniques et les lignes droites Genres de peintures dans l'art.
Bien que la compréhension du « genre » soit apparue récemment dans la peinture, les chants des genres étaient basés sur l'ancien temps : images de créatures près des grottes de l'ère paléolithique, portraitsL'Egypte ancienneque Mésopotamie 3 if. J.-C., paysages et natures mortes dans les mosaïques et fresques hellénistiques et romaines. La formation du genre en tant que système de peinture de chevalet est apparue en Europe aux XVe et XVIe siècles. et s'est terminé principalement au XVIIe siècle, si, en subdivision de l'art figuratif en genres, le soi-disant «son» est compris. les genres "haut" et "bas" dépendent du sujet de l'image, des thèmes, de l'intrigue. Les genres historiques et mythologiques ont été ramenés au « haut » genre, le portrait, le paysage, la nature morte ont été ramenés au « bas ». Une telle gradation des genres s'est manifestée jusqu'au XIXe siècle. hoch i z vinyatki.
Il en était ainsi au 17ème siècle. En Hollande, les genres « inférieurs » (paysage, genre brouillon, nature morte) sont devenus les plus propices à la peinture, et le portrait d'apparat, qui s'inscrivait formellement dans le genre « inférieur » du portrait, ne s'est pas couché. pour que. Devenus une forme de vie, les genres de peinture pour tous la stabilité du riz endormi sont invariables, la puanteur se développe aussitôt de la vie, changeant le développement de l'art dans le monde. Les genres réels naissent ou connaissent un nouveau sens (par exemple, le genre mythologique), ils en accusent de nouveaux, ils sonnent au milieu plus tôt qu'ils ont fondés (par exemple, au milieu du genre paysage il est apparu vue régionale architecturaleі Marina). Vous devez créer quelque chose qui combine différents genres avec le vôtre (par exemple, mélanger un seul genre avec un paysage, un portrait de groupe avec un genre historique).
AUTOPORTRAIT(autoportrait français) - un portrait de soi. Sonnez au bord d'une image pittoresque; les autoportraits protégés sont aussi sculpturaux, littéraires, cinématographiques, photographiques.
Rembrandt "Autoportrait"
ALÉGORIE(Allégorie grecque - allégorie) - viraz d'idées abstraites à l'aide d'images artistiques concrètes. Fesses: "justice" - une femme avec des vagamas.
Moretto ta Brescia "Allégorie de Veri"
ANIMALISTE(Lat. animal - créature) - un genre de représentation de créatures dans la peinture, la sculpture et l'art graphique.
D. Stubbs. Kobili ce cheval près de la rivière blanche du paysage. 1763-1768 p.
BATALNY(Français bataille - bataille) - attributions à des images de la vie militaire et de la vie militaire.
Aver'yanov Oleksandr Yuriyovich. href="http://www.realartist.ru/names/averyanov/30/">Waterloo.
POBUTOVIY- descriptions à partir d'images vie courante personnes.
Mikola Dmitrovitch DMITRIEV-ORENBURSKY (1837-1898). Pozhezha près du village
GALANTNY- "poshtiviy, vvіchlivy lov'yazny, vvіchlivy, tsіkaviy" est obsolète. po'azaniya іz izobrazhennyam vishukanyh scènes lyriques dans les dames de la cour zhiztya et la cavalerie dans la créativité artistique est plus importante que le 18ème siècle.
Gérard Ter Borch le Jeune. Vaillants soldats.
HISTORIQUE- l'un des principaux genres de l'art figuratif, attributions aux podiums historiques du passé et du présent, phénomènes socialement significatifs dans l'histoire des peuples.
Pavlo Ryjenko. Aide Peresvit.
CARICATURE- Le genre de l'art figuratif, qui victorieux invente la satire et l'humour, le grotesque, la caricature, l'imagerie, dans un effet comique est créé par une manière de riz caractéristique débordante et exagérée. La caricature est vismіyuє, ce n'est pas assez ou la méchanceté du personnage, afin d'obtenir des gens de yoga et d'otochyuchih, avec la méthode de changement zmіnitsya au mieux.
MYTHOLOGIQUE- dédicaces aux podiam et aux héros, sur les mythes des yaks rozpovidayut. Dieux, démiurges, héros, démons, entités mythiques, personnages historiques et mythologiques. Au XIXe siècle, le genre mythologique sert de norme à un mysticisme élevé et sans âme.
Oleksandre Ivanov. Bellérophon viole la campagne contre Chimeri.
Nature morte- le genre de l'art figuratif, la représentation d'objets inanimés, les placements dans un véritable terrain d'entente et l'organisation en un seul groupe; une image d'images d'objets, de fleurs, de fleurs, de fruits, de gibier sauvage, de faux-filet fourchu.
Aenvanck Théodore (Aenvanck, Theodoor)
NU(nudité) - un genre artistique dans la sculpture, la peinture, la photographie et la cinématographie, qui dépeint la beauté d'un corps humain nu, plus important encore une femme.
Vénus Urbinska", Titien
Pastorale(pastorale française - berger, rural) - un genre dans la littérature, la peinture, la musique et le théâtre, des images de la vie idyllique des bergers et des bergers dans la nature.
Paysage(Paysage français, від pays - kraїна, місївії), - un genre d'attributions à l'image, que ce soit mіscevosti: rivière, gіr, arrosage, lіsіv, silskogo chi mіskogo paysage.
Href="http://solsand.com/wiki/doku.php?id=ostade&DokuWiki=7593bff333e2d137d17806744c6dbf83" >Adriana van Ostade
Portrait(portrait français, "pour créer quelque chose, le diable") - un genre d'art figuratif, attribution d'une image d'une personne ou d'un groupe de personnes; différent – autoportrait, portrait de groupe, formel, chambre, portrait costumé, portrait miniature.
Borovikovsky V. "Portrait de M. I. Lopukhina"
IMAGE PLOT-THEMATIQUE- La désignation d'un croisement unique de genres traditionnels de la peinture, qui a fusionné la création d'œuvres à grande échelle sur des œuvres socialement significatives avec une intrigue clairement exprimée, une action d'intrigue, une composition riche et figurative. - un changement de genres traditionnels dans la peinture d'un cul, historique, bataille, portrait de composition, paysage et autre.
Robert, Hubert - Vue de l'ancienne église
CARTOON ou AMI CARTOON(Charge française) - images humoristiques ou satiriques, d'une manière qui change le caractère du modèle dans les limites de la norme, avec une méthode de feu, et ne minimise pas cette image, comme il semble se battre dans les caricatures.
La sculpture et la symphonie, la peinture et l'histoire, le cinéma et le palais, la performance et la danse - tout cela crée différents types d'art.
L'art est classé selon différents critères. Art créateur d'images montrer dans les images artistiques une séduction, voir discrètement l'art d'exprimer la lumière intérieure. Art sans imagination: musique, danse et littérature, ainsi que l'architecture. Іsnuyut je mixte (synthétique) voir les arts : cinéma, théâtre, ballet, cirque, etc.
Au milieu de l'esprit dermique, le mysticisme est connu pour naître, comme on les appelle genres Vіdpovіdno à ceux que j'ob'єktіv image. Nous allons parler de cet axe avec vous aujourd'hui.
Voir l'art
Vision créatrice d'images de l'art
La peinture
C'est peut-être l'un des types d'art les plus répandus. Le meilleur art pictural peut être vu jusqu'à l'Antiquité, la puanteur se révèle sur les murs des grottes des anciens.
La peinture monumentale, qui s'est développée sous la forme de mosaïquesі fresques(peinture de plâtre gris).
Saint Nicolas. Fresque de Denys. Monastère de Ferapontov
peinture de chevalet- toutes les peintures de genres divers, écrites sur toile (carton, papier), le plus souvent avec des farbs d'olive.
Peinture de genre
La peinture moderne a les genres suivants : portrait, historique, mythologique, bataille, cul, paysage, nature morte, genre animalier.
genre de portrait reflète l'apparence extérieure et intérieure d'une personne ou d'un groupe de personnes. Ce genre s'élargit en peinture, et en sculpture, art graphique aussi. La tâche principale du genre du portrait est le transfert de la splendide ressemblance et de la révélation du monde intérieur, l'essence du caractère d'une personne.
JE. Kramskoï "Portrait de Sofia Ivanivna Kramskoï"
genre historique(Images d'arrière-plans historiques et de personnages). Évidemment, les genres de la peinture sont souvent imbriqués, car lorsqu'il représente, par exemple, comme s'il s'agissait d'une image historique, l'artiste est amené trop tôt au genre du portrait.
Genre mythologique- Illustration de mythes et de récits de différents peuples.
S. Botticelli "La Nation de Vénus"
Genre de bataille- Images de batailles, actes de guerre héroïques, action de combat, qui ont engendré des batailles, le triomphe de la victoire. Le genre de bataille peut inclure des éléments d'autres genres - cul, portrait, paysage, animal, nature morte.
V. Vasnetsov "Après la bataille d'Igor Svyatoslavich avec les Polovtsians"
Genre Pobutovy- Images de scènes de la vie quotidienne et particulière d'une personne.
A. Venetsianov "Sur le rouleau"
Vue régionale- représentation de la nature dovkilla, observations de culture rurale, localité, monuments historiques, etc.
Et Savrasov "Les tours sont arrivées"
Marina- paysage marin.
Nature morte(en traduction du fr. - "nature morte") - images d'objets en butut, pratique, créativité, quittes, fruits, morceaux de gibier, côte fourchue, comme un véritable support de fesses.
Genre animalier- Images de créatures.
Graphique
Le nom du type d'art créateur d'images ressemble au mot grec grapho - j'écris, petit.
Avant le graphisme, amenez-nous devant les plus petits et la gravure, chez certains plus petits, il est important de créer une ligne supplémentaire sur le papier arc et de couper sur un matériau solide, à partir duquel les images sont imprimées sur la feuille de papier.
Voir les graphiques
Gravure- sur une surface plane du matériau, des petits sont appliqués, qui sont ensuite recouverts de farboi et visibles sur papier. Le nombre de coupes varie en fonction du type de technique de gravure et du matériau. Les principaux matériaux de gravure sont le métal (cuivre, zinc, acier), le bois (buis, palmier, poirier, cerisier et autres), le linoléum, le carton, le plastique, le plexiglas. Le traitement de la plaque de gravure est effectué par des moyens mécaniques, des outils en acier ou une gravure à l'acide.
Estampille- Un morceau de papier d'une planche à graver (gravure, lithographie, shovkographie, monotype), qui est une création de chevalet de graphisme artistique. Estamp se fait des amis, comme la gravure par l'artiste lui-même, souvent il peut faire des beats. Alors les robots sonnent comme des signatures, complices d'auteurs, ils sont respectés par les débutants. Les estampi sont en noir et blanc et colorés.
Graphiques de livre- conception de livres, design décoratif, illustrations.
Graphique Promislova - création d'étiquettes de produits, de marques, de noms de marque, d'emballages, d'étiquettes publicitaires, d'en-têtes et d'enveloppes. Vaughn s'en tient à la publicité, entre dans le système de conception.
Ex-libris- Un signe qui pointe vers le propriétaire du livre. L'exlibris est attaché à la palette ou au revêtement intérieur de la bibliothèque. Les signets sont gravés sur bois, midi, linoléum, méthodes zincographiques ou lithographiques.
Exlibris Grety Garbo
Affiche- Image, rozrahovane pour un respect solennel, créé dans l'agitation ou à des fins primaires.
Linogravure- gravure sur linoléum.
Lithographie- Vue de la gravure : une petite empreinte sur une pierre et une couronne d'une neuve.
Gravure sur bois- gravure sur bois.
Katsushika Hokusai "Great Fluff à Kanagawa", gravure sur bois
Gravure- un type de gravure sur métal, une méthode de gravure et un batteur, un otrimany de cette méthode.
Infographie– les images sont compilées sur ordinateur, affichées en dynamique ou statique. Une fois pliés, les graphiques peuvent être façonnés, car l'image est formée à toutes les étapes, et il n'est pas nécessaire de créer une correction.
Sculpture
Ce genre de mysticisme est aussi un vignoble depuis longtemps. Il a été trouvé de nombreuses images de créatures qui ont été découpées dans de l'argile ou dans de la pierre pour transmettre avec précision leur aspect naturel. Nous avons sauvé beaucoup de statues de femmes, car elles peuvent inspirer les débuts d'une femme. Peut-être des images primitives de déesses. Les anciens sculpteurs ont dépassé leurs forces indigènes, les représentant avec des couettes serrées, et les archéologues les appellent "Vénus".
Vénus de Willendorf, proche de 23 ifs. rokiv BC e., Europe centrale
La sculpture se subdivise en un cercle, qui se place librement dans l'espace, et le relief, dans un certain volume de l'image, s'étale sur le plat.
Comme en peinture, en sculpture, chevalet et formes monumentales sont utilisées. sculpture monumentale cette place est reconnue pour la rue, un tel rappel est créé depuis longtemps, puis appelez vikonan de bronze, marmur, granit. Sculpture de Stankov- tous portraits ou petits groupes de genre, réalisés en bois, plâtre et autres matériaux.
Monument au porteur de feuilles. Nijni Novgorod
Art décoratif et laid
Les créateurs d'œuvres d'art décoratif et laid se mettent devant eux deux choses : créer de la richesse, comme c'est nécessaire à la vie de tous les jours, mais toute la richesse est à la fois coupable de la mère du chant de l'art. Les objets de tous les jours sont censés servir pratiquement les gens et embellir la vie, ravir l'œil par la perfection des formes et du tissu.
De toute évidence, en même temps, de nombreuses créations d'art décoratif et d'ouzhitkovo peuvent être principalement esthétiques, mais ne commencez pas comme ça.
Les principaux types d'art décoratif et uzhitkovy
Batik– peint à la main sur tissu
Travail dans la technique du batik chaud (avec de la cire par procuration)
Perlage
Vyshivannya
V'yazannya
Merezhivopletinnya
kilimarstvo
Tapisserie
Quilling- l'art de réaliser des compositions plates ou volumineuses avec des spirales torsadées de coques de papier longues et étroites.
Technique de quilling
Céramique
Mosaïque
L'art de la joaillerie
Vernis miniature
Miniature en laque Palekh
Peinture d'art sur bois
Peinture d'art sur métal
Les pidnos de Jostovo
Sculpture artistique
Oeuvre de shkiri
Peinture d'art à partir de céramique
Art du métal
pyrogravure(vipalyuvannya sur bois, shkir, tissu aussi)
Robot zі sklom
Moitié supérieure de la fenêtre de la Cathédrale de Canterbury, Royaume-Uni
Origami
Photomystère
L'art de la photographie artistique. Le genre est plus important que celui de la peinture.
graphite
Images sur les murs et autres surfaces. Avant les graffitis, on peut voir s'il existe une sorte de mur fabriqué dans la rue, sur lequel on peut tout savoir : des simples mots écrits aux petits mots aigus.
graphite
Des bandes dessinées
Histoires de Malovanie, roses en images. Les bandes dessinées continueront à dessiner de tels types d'art, comme la littérature et l'art créateur d'images.
Artiste Winsor McKay "Little Semmі Chhai"
Voir l'art sans imagination
architecture
architecture- L'art de concevoir et de vivre. Arkhіtekturnі sporudi peut snuvati comme des ensembles okremіh budіvel chi vilyadі. Seuls, différents ensembles se forment historiquement: de budinkov, zbudovanih à l'heure, s'installant en un seul ensemble. Butt de la place Chervona de Moscou.
L'architecture permet de juger de la portée technique et des styles artistiques des différentes époques. Jusqu'à notre époque, les pyramides égyptiennes ont été préservées, construites il y a près de 5 000 ans, les temples de la Grèce antique et de Rome. Soyez comme un lieu dans soyez comme un pays en présence de ses disputes architecturales.
Place du Palais près de Saint-Pétersbourg
Littérature
Au sens large du terme: le sukupnіst de tous les textes écrits.
Voir la littérature: fiction, prose documentaire, mémoires, science et science populaire, dovіdkova, primaire, technique.
Genre de littérature
La télévision littéraire peut être protégée jusqu'à ce rang du genre pour différents critères : pour la forme (nouvelle, ode, opus, dessin, récit, poème, description, roman, sketch, épique, épique, ese), pour le splendide ( comédie, farce, vaudeville, intermède, sketch, parodie, position de comédie, comédie de personnages, tragédie, drame), derrière les rideaux.
Epichny Rid Mots clés : conte, bilina, ballade, mythe, nouvelle, récit, épopée, roman, roman épique, conte de fées, épopée.
Débarras lyrique: ode, feuille, stansi, élégie, épigramme.
Liro-epichny débarrassé: ballade, poème.
Débarras dramatique: drame, comédie, tragédie.
musique
musique- Tse mystechstvo, par voie d'incorporation d'images artistiques pour ce qui est son et silence, surtout organisé en heures. Mais il est impossible de donner une compréhension complètement précise de la compréhension de la « musique ». Il s'agit d'un type particulier d'activité créative, y compris l'artisanat, la profession.
Superbe vue et expansion stylistique de la musique.
Classique (sinon sérieux)- les musiciens professionnels, les gens de culture européenne sont plus importants qu'à l'Heure Nouvelle (cordon des XVIe-XVIIe siècles) et au moyen-âge ;
populaire- surtout les genres de musique de chanson et de danse.
Poza-européen (non européen)- Musique des peuples (Skhodu), dont la culture est née dans la culture de la civilisation de l'Europe occidentale.
Ethnique (folklorique)- des créations musicales folkloriques de différents peuples, qui calomnient l'autosuffisance de l'ethnie, de la nation, de la tribu.
Estradna (facile)- Musique à caractère respectueux, reconnue pour la récupération.
le jazz– réinterprétation par les Européens des traditions victoriennes des Noirs américains, basée sur la synthèse d'éléments musicaux africains et européens.
Rock- la musique de petits groupes vocaux et instrumentaux de jeunes, qui résonne avec le langage des percussions et des instruments de musique électriques, comme les guitares.
Avant-garde (expérimental)- directement dans la créativité du compositeur professionnel au XXe siècle.
Alternative– de nouvelles créations musicales et vicons (manifestations sonores, « performance »), fondamentalement dissemblables à toutes les musiques d'aujourd'hui.
Vous voyez, la musique peut être affectée à cette fonction, car elle est victorieuse : militaire, religieuse, religieuse, théâtrale, dansante, musique de film uniquement.
Abo pour le personnage de vikonanna : vocal, instrumental, chambre, vocal-instrumental, chœur, solo, électronique, piano et autres.
Le type de peau de la musique a ses propres genres. Perspective pour les fesses Genre de musique instrumentale.
Musique instrumentale- toute la musique, comme victorieuse sur les instruments, sans la participation de la voix humaine. La musique instrumentale est à la fois symphonique et de chambre.
Musique de chambre- Créer, reconnu pour vikonannya dans de petites pièces, pour la maison, de la musique "de chambre". La musique de chambre a une grande capacité à transmettre les émotions lyriques et les états spirituels subtils d'une personne. Les genres suivants de musique de chambre peuvent être vus: sonati, quatuors, p'esi, quintettes et autres.
Sonate- l'un des principaux genres de la musique de chambre instrumentale. Le son est composé de 3 (4) parties.
Étude- Chant musical, reconnu pour sa parfaite technicité dans le jeu des instruments.
Nocturne(français "nuit") - un genre d'une petite chanson lyrique en une partie pour pianoforte.
Prélude(Lat. "Introduction") - une petite pièce instrumentale. Entrée d'improvisation au p'esi principal. Mais vous pouvez être une création indépendante.
Quatuor – télévision musicale pour 4 vikonavtsiv.
Le milieu de l'aspect dermique de la musique remonte au développement de styles aquatiques et de lignes directes, qui se caractérisent par des signes structurels et esthétiques forts et caractéristiques : classicisme, romantisme, impressionnisme, expressionnisme, néoclassicisme, sérialité, avant-garde et d'autres.
chorégraphie
La chorégraphie est la magie de la danse.
Les espèces (zmіshanі ou synthétiques) voient l'art
Théâtre
Vue spectaculaire de l'art, qui est une synthèse de divers arts : littérature, musique, chorégraphie, chant, art de l'image et autres.
Théâtre Lyalkovy
Voir les théâtres: dramatique, opéra, ballet, lyalkovy, pantomime et autre théâtre. L'art du théâtre est connu depuis longtemps: le théâtre est né des saints rituels les plus anciens, qui, sous une forme allégorique, ont créé les phénomènes de la nature ou les processus de travail.
Opéra
Une sorte d'art, dans la même colère en un tout poésie et art dramatique, musique vocale et instrumentale, mime, danse, peinture, décors et costumes.
Théâtre de la Scala (Milan)
Estrada
Le type d'art des petites formes est plus important que la ligne droite populaire-rozvazhny. La scène comprend directement: chansons, danses, cirque sur scène, illusionnisme, genre rozmovny, clown.
Le cirque
Une sorte d'art visuel, derrière les lois duquel il y aura une manifestation rugissante. Avant les représentations du cirque quotidien, il y a des démonstrations de tours, de pantomimes, de clownerie, de reprise, des démonstrations de vinyatkovyh zdibnost, souvent associées au risque (force physique, acrobaties, équilibristes,), habillage de créatures.
Cinématographie
Un type d'art visuel, qui est aussi une synthèse de l'art : littérature, théâtre, danse, art de l'image (décoration) et autres.
Ballet
Type d'art scénique; une performance, au lieu de laquelle on est entraîné dans des images musicales et chorégraphiques. Une performance de ballet classique est basée sur une intrigue de chanson, une idée dramatique. Au XXe siècle. Vinik est un ballet sans intrigue, dont la dramaturgie est basée sur le développement imposé par la musique.
Le nombre de styles est directement important, sinon il est inépuisable. Le signe clé, par lequel vous pouvez créer des groupes de styles, est le seul principe de la pensée artistique. Le changement de certaines méthodes de création artistique par d'autres (dessiner les types de compositions, adopter des motifs spacieux, des particularités de couleur) n'est pas vipadkov. Historiquement minlive et notre adoption de l'art.
Système de styles Vibudovuyuchi dans l'ordre ієrarchіchnomu, dorimuvatimemos єuropotsentristskoї ї tradіtsії. Le plus grand dans l'histoire de l'art est la compréhension de l'époque. L'époque de la peau est caractérisée par «l'image du monde», qui est formée d'idées philosophiques, religieuses, politiques, de phénomènes scientifiques, de caractéristiques psychologiques de la perception de la lumière, de normes éthiques et morales, de critères esthétiques de la vie, pour lesquels on dépend d'un ère. Telle est la Première Epoque, l'époque de l'Ancien Monde, l'Antiquité, le Moyen Age, la Renaissance, l'Heure Nouvelle.
Les styles dans l'art ne font pas de frontières claires, puent la transition en douceur d'un à l'autre et passent d'un développement, d'un mélange et d'un contraste sans interruption. Dans le cadre d'un style artistique historique, un nouveau naîtra toujours, et l'autre passera à l'offensive. Beaucoup de styles sont créés à la fois, et il n'y a pas de "styles purs" en vue.
À cette époque très historique, une pincée de styles peut être engendrée. Par exemple, le classicisme, l'académisme et le baroque au XVIIe siècle, le rococo et le néoclassicisme - au XVIIIe, le romantisme et l'académisme - au XIXe. De tels styles, comme par exemple le classicisme et le baroque sont appelés grands styles, des puanteurs se répandent dans toutes sortes d'art : architecture, peinture, arts décoratifs, littérature, musique.
La différence suivante: les styles artistiques, les lignes droites, les courants, les écoles et les particularités des styles individuels des autres maîtres. Aux frontières d'un style, il peut y avoir un saupoudrage de lignes artistiques. L'art est directement formé comme un signe typique de cette époque, et de ses propres modes de pensée artistique. Le style Art nouveau, par exemple, comprend une ligne basse directe du siècle : et le post-impressionnisme, et le symbolisme, et le fovisme aussi. De l'autre côté, comprendre le symbolisme, comme artistique directement, il est bien désintégré dans la littérature, tout comme dans la peinture, il est plus largement reconnu et partagé par les artistes, le revêtement de sol de style différent, qui est souvent interprété comme moins comme un regardeur de lumière .
Plus bas sera la désignation des époques, des styles et directement, comme ils auraient autrement été imaginés par la fabrication d'images modernes et l'art décoratif et laid.
| - style artistique, qui s'est formé dans les terres d'Europe occidentale et centrale aux XIIe-XVe siècles. En devenant le résultat d'un riche art bourgeois révolutionnaire, son étape la plus importante et en même temps la première dans l'histoire du style artistique mondial européen et international. Dans ohopiv nous voyons l'art - architecture, sculpture, peinture, vitrail, conception de livres, art décoratif. La base du style gothique était l'architecture, caractérisée par des arcs en forme de flèche tout droit vers le haut, des vitraux colorés, une dématérialisation visuelle de la forme. Des éléments d'art gothique peuvent souvent être vus dans des intérieurs décorés de façon moderne, des zokrema, des peintures murales ou des peintures de chevalet. Depuis la fin du siècle dernier, il existe une sous-culture gothique qui s'est clairement manifestée dans la musique, la poésie et les vêtements de design. |
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| (Renaissance) - (Renaissance française, Rinascimento italien) L'ère dans le développement culturel et idéologique des pays bas d'Europe occidentale et centrale, ainsi que ceux des autres régions d'Europe du Nord. Les principales influences de la culture de la Renaissance: caractère laïc, svetoglyad humaniste, déclin culturel précoce à ancien, une sorte de renaissance du yoga (étoile et nom). La culture de la Renaissance peut avoir des caractéristiques spécifiques de l'ère de transition du milieu à la nouvelle heure, dans le même ancien et le nouveau, entrelacés, établissant le leur, comme un nouvel alliage. Résumons les informations sur la période chronologique inter-naissance (en Italie - 14-16 siècles, dans d'autres pays - 15-16 siècles), son expansion territoriale et ses caractéristiques nationales. Des éléments de ce style dans l'art d'aujourd'hui se retrouvent souvent dans les peintures murales, semblables à la peinture de chevalet. | |
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- (De l'italien maniera - une astuce, une manière) à l'art européen du XVIe siècle. Les représentants du maniérisme ressemblaient à l'harmonie du monde de la Renaissance, au concept humaniste du peuple en tant que création complète de la nature. Violemment sprynyattya zhittya podnuvalis programm pragnennya non pas pour suivre la nature, mais pour exprimer "l'idée intérieure" subjective de l'image artistique, qui naît dans l'âme de l'artiste. Plus manifeste en Italie. Pour le maniérisme italien des années 1520. (Pontormo, Parmigiano, Giulio Romano) caractéristique criarde dramatique des images, tragédie de la perception de la lumière, complexité et expression altérée des poses et des motifs de mouvement, proportions modérées des figures, dissonance coloristique et lumineuse. Dans le reste de l'heure, devenir vicaire des sciences mystiques pour la reconnaissance des phénomènes de la mystique moderne, liés à la transformation des styles historiques. |
| - Style artistique historique, une sorte d'épaule élargie en Italie au milieu. XVI-XVII siècles, puis en France, en Espagne, en Flandre et en Allemagne XVII-XVIII siècles. Le terme plus large est choisi pour désigner les tendances en constante évolution, la lumière agitée et romantique, pensée sous des formes expressives et dynamiques. Nareshti, à l'heure de la peau, mayzha dans le style artistique historique de la peau, vous pouvez montrer votre «période baroque» comme une scène de la manifestation la plus créative, la tension des émotions, le dynamisme des formes. | |
| - style artistique de l'art d'Europe occidentale XVII - part. XIX siècle et en russe XVIII - poste. XIX, qui tourna à la récession antique comme à l'idéal de succession. Il apparaît dans l'architecture, la sculpture, la peinture, l'art décoratif et uzhitkovy. Les artistes classiques ont respecté l'antiquité à leur plus grande portée et l'ont écrasée avec leur niveau d'art, dont ils ont méprisé d'hériter. Des années plus tard, je renaît dans l'académisme. | |
| - En plein dans l'art européen et russe des années 1820-1830, qui bouleverse le classicisme. Les romantiques s'accrochaient au premier plan de l'individualité, opposant la beauté idéale des classiques à la réalité « incomplète ». Les artistes ont ajouté des phénomènes brillants, rares et surnaturels et ont instillé des images d'un caractère fantastique. Dans l'art du romantisme, un grand rôle est joué par la plus grande acceptation individuelle de cette expérience. Le romantisme a fait évoluer l'art sous la forme de dogmes classiques abstraits et l'a transformé en histoire nationale et en images du folklore. | |
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- (Vid lativ. sentiment - un peu) - directement l'art zahіdnoy de l'autre moitié du XVIII. S. votera un peu, en insistant sur la pensée, la simplicité de la vie forte des "petits gens". J. J. Rousseau est l'idéologue de S.. |
| - Directement au mysticisme, qui est la plus grande vérité et authenticité, il semble comme une forme égale, ainsi est l'essence des phénomènes et des discours. En tant que méthode créative, il est courant pour soi d'avoir des dessins individuels et typiques lors de la création d'une image. Heure après heure trouvé une base directe qui se développe en premier lieu à ce jour. | |
| - Directement à la culture artistique européenne des XIX-XX siècles. Viniclia en réaction à panuvannya dans la sphère humaniste des normes de la "raisonnabilité" bourgeoise (dans la philosophie, l'esthétique - positivisme, dans les mystiques - naturalisme), le symbolisme a pris forme dans la littérature française des années 1860-70, Autriche, Norvège, Russie . Les principes esthétiques du symbolisme étaient riches de ce qu'ils attaquaient aux idées du romantisme, et apportaient à certaines doctrines de la philosophie idéaliste de A. Schopenhauer, Ege. Hartmann, souvent F. Nietzsche, à la créativité et à la théorisation du compositeur allemand R. Wagner. Symbolisme d'action animé s'opposant au monde de la vision et des rêves. Un outil universel pour comprendre le mystère du buttya et des informations individuelles, entrant dans le symbole, des générations d'idées poétiques et d'expressions de potoybіchny, des pièces jointes sous la forme d'informations quotidiennes sur des phénomènes sensuels. L'artiste-créateur, ressemblant à un intermédiaire entre le réel et le suprasensible, qu'il pouvait à peine connaître les "signes" de l'harmonie du monde, qu'il prophétisait les signes de l'avenir comme dans les manifestations actuelles, et dans les nuances du passé. | |
| - (sous la forme de fr. impression - vrazhennya) directement au mystekstva du dernier tiers du XIX - l'oreille du XX siècle, qui se trouve en France. Le nom de la bula a été introduit par le critique d'art L. Leroy, qui remarquait avec dédain l'exposition des artistes en 1874, et au milieu de la bula un tableau de C. Monet « Le départ du soleil. Vrazhennya. L'impressionnisme a affirmé la beauté du monde réel, accentuant la fraîcheur de l'émotion première, le calme du lointain. Le respect de l'exécution des têtes purement malovnichesky est plus important que l'annonce traditionnelle sur les petits comme sur le chef de l'entrepôt faisant partie de la création du mysticisme. L'impressionnisme a eu un fort impact sur l'art des pays européens et des États-Unis, suscitant l'intérêt pour les histoires de la vie réelle. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley et autres) | |
| - Les techniques de la peinture (synonyme de divisionnisme), qui se sont développées dans le cadre du néoimpressionnisme. Les vignes néo-impressionnistes en France en 1885 étaient aussi de plus en plus larges en Belgique et en Italie. Les néo-impressionnistes ont essayé de stagner au mysticisme de la nouveauté à la galerie de l'optique, derrière certains points de division vikonana des couleurs principales, la peinture au sprynyatti zonal donne les couleurs zlittya et tout le vacarme de la peinture. (J. Sirka, P. Signyak, K. Pizarro). | |
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Post-impressionnisme- umovna sbirna nommant les grandes directions de la peinture française au XIX - 1er quart. XX Art. L'art du post-impressionnisme revendiqué comme une réaction à l'impressionnisme, fixant le respect du transfert de mémoire, du pittoresque visuel et inculquant l'intérêt pour la forme des objets. Parmi les post-impressionnistes - P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh et autres. |
| - Style dans l'art européen et américain au tournant des XIX-XX siècles. L'Art nouveau a réinterprété et stylisé les dessins de l'art de diverses scènes, et a privé le pouvoir des méthodes artistiques, basées sur les principes d'intégration. L'objet de stylisation de la modernité est aussi les formes naturelles. Це об'яття не тільки інтеpець до пpоізведеньx модеpна, пpоізведеніяx модеpна, нp і cама ЇХ композиційна й плаcтічеська cтpыктиpа - обіліе кpиволінейниx очеpтани, оpливающіx, неpовниx пpоpовниx контиpуx, фopовнyx пoвoлeнiйx пoтyпypы. Étroitement lié à la modernité - le symbolisme, qui a jeté les bases esthétiques et philosophiques de la modernité, en spirale vers la modernité en tant que plate-forme pour la réalisation de ses idées. L'Art Nouveau dans différents pays est appelé différent, car il est essentiellement synonyme: Art Nouveau - en France, Sécession - en Autriche, Jugendstil - à Nimechchina, Liberty - en Italie. |
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- (moderne français - moderne) est un nom commun pour l'art de la première moitié du XXe siècle, pour certaines formes traditionnelles retranscrites de manière caractéristique et l'esthétique du passé. Le modernisme est proche de l'avant-gardisme et s'oppose à l'académisme. |
| - un nom qui va dans le sens de l'art, élargi dans les années 1905-1930. (fauvisme, cubisme, futurisme, expressionnisme, dadaïsme, surréalisme). Tous les qi suivent directement la pratique de l'art moderne, repensent cette tâche, gagnent en liberté d'expression artistique. | |
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- juste au mystetstvі à XIX - n. XXe siècle, fondé sur les leçons créatives de l'artiste français Paul Cézanne, qui a apporté les formes habituelles de l'image aux formes géométriques les plus simples, et la coloration aux invites contrastées de tons chauds et froids. Le sézanisme a été l'un des points principaux du cubisme. Par le grand monde, le sésanisme a aussi plongé dans l'école de peinture réaliste vitchiznienne. |
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- (type fauve - sauvage) tendance avant-gardiste de l'art français. XX Art. Le nom "sauvage" a été donné par les critiques modernes à un groupe d'artistes qui se sont produits en 1905. le Salon parisien a un caractère indépendant et peu ironique. Le groupe comprenait A. Matiss, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, K. van Dongen et d'autres. , chercher des impulsions dans la créativité primitive, l'art bourgeois et tout de suite. |
| - Simplification Navmisne des outils de création d'images, héritage des étapes primitives du développement de l'art. Ce terme signifie soi-disant. art naїvne des artistes, yakі zdobuli spetsії osvіti, prote zaluchenih au processus artistique zagalnogo vers XIX - poch. XXe siècle. Aux œuvres de ces artistes - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov et autres. puérilité dominatrice et originale dans l'interprétation de la nature, forme subtilement aggravée et littéralité dans les détails. Le primitivisme se forme zovsіm sur le signe du primitivnіst zmіstu. Vient souvent servir de dzherel pour les professionnels, yakі zapozichili du folk, en fait, l'art primitif de la forme, de l'image, de la méthode. M. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matiss se sont inspirés du primitivisme. | |
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- Directement de l'art, qui s'est formé sur la base des canons pré-trimanniens de l'Antiquité et de l'ère de la Renaissance. Commencé dans les riches écoles d'art européennes du XVIe au XIXe siècles. L'académisme, ayant transformé les traditions classiques en un système de règles et d'ordres "éternels", qui enchaînait les blagues créatives, essayant de contrecarrer le caractère vivant incomplet de l'amélioration "temporelle", a porté à la plénitude les formes de beauté nationales et horaires. Akademіzm se caractérise par la prédominance de parcelles mythologie antique, des thèmes bibliques ou historiques d'intrigues de la vie d'un artiste contemporain. |
| - (Cubisme français, Cube - cube) directement dans l'art du premier quart du XXe siècle. Le langage plastique du cubisme est fondé sur la déformation et le placement des objets sur un plan géométrique, la destruction plastique de la forme. Les gens du cubisme vivent dans le rock de 1907-1908 - avant le premier jour du premier monde. Ce publiciste G. Apollinaire chante le leader inaperçu dont, directement devenir. Cette tendance a été l'une des premières à inspirer les tendances dominantes du développement ultérieur de l'art du XXe siècle. L'une de ces tendances était la prédominance du concept sur la valeur artistique de l'image. J. Braque et P. Picasso sont encouragés par le cubisme en tant que pères. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris et al. | |
| - les courants littéraires, picturaux et cinématographiques, introduits en 1924 en France. Avec une paix significative, il a pris le moulage du témoin d'une personne moderne. Chefs d'esprits sauvages - André Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Louis Buñuel, Juan Miro et bien d'autres artistes dans le monde entier. Surréalisme vislovlyuvav idée іsnuvannya posture de rôle réel, particulièrement important ici absurde, invisible, rêve, rêve. L'une des méthodes caractéristiques de l'artiste surréaliste est l'utilisation d'une créativité reconnue, pour travailler avec un instrument, de diverses manières à des images chimériques de ponts visionnaires, pour argumenter avec des hallucinations. Le surréalisme a survécu à la crise du sprat, a survécu à un ami la guerre sainte et pas à pas, en colère contre la culture de masse, se mêlant à la transavant-garde, se déplaçant comme une pièce d'entrepôt dans le postmodernisme. | |
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- (Du lat. futurum - futur) courants littéraires et artistiques dans l'art des années 1910. Donnant à Cheba la parole du prototype de l'art du futur, le futirisme comme programme principal a vu l'idée de permettre les stéréotypes culturels et a proposé de faire l'apologie de la technologie et de l'irbanisme Devenir une idée artistique au bord de la route pour le fiturisme, devenir un virazu plastique de ruée vers les strimkosti comme signe principal du rythme de la vie moderne. La version russe du futurisme s'appelait le cubo-tourisme et était basée sur les mêmes principes plastiques que le physique cubain français et européen. |
gothique(de l'italien gotico - non primaire, barbare) - une période de développement des arts moyens qui, après avoir envahi toutes les salles de la culture, a développé la vie de Zakhidnoy, Central et une partie de Schidnoy Europe du XIIe au XVe siècle . Le gothique acheva le développement de l'art bourgeois européen, le rejetant sur les acquis de la culture romaine, et l'ère du renouveau de l'art bourgeois fut considérée comme « barbare ». L'art gothique était culte pour la reconnaissance et religieux pour le thème. Il s'est tourné vers de plus grands pouvoirs divins, l'éternité, le regardeur de lumière chrétien. Le gothique dans le développement est subdivisé en gothique primitif, période de développement, gothique primitif.
Les célèbres cathédrales européennes sont devenues des chefs-d'œuvre du style gothique, car les touristes aiment prendre en photo les détails les plus importants. Dans la conception des intérieurs des cathédrales gothiques, les solutions de couleur ont joué un rôle important. Il y a beaucoup de dorures, un intérieur lumineux, un ajour des murs, une cristallisation de l'espace. La matière était débarrassée de sa grandeur et de son impénétrabilité, elle était en quelque sorte spiritualisée.
Les surfaces majestueuses des fenêtres étaient remplies de vitraux avec des compositions, qui confirmaient les légendes historiques, les épopées apocryphes, les histoires religieuses, images de scènes bututovyh de la vie des paysans ordinaires et remіsnikіv, yakі étaient une encyclopédie unique de la vie à l'époque du Moyen Âge. Les bêtes de cheval étaient remplies jusqu'au fond de compositions bouclées, comme si elles étaient placées dans des médaillons. L'essor de la lumière et de la couleur en épi à la peinture dans la technique du vitrail a donné une impulsion aux compositions artistiques. Vykna a remporté la victoire dans différentes couleurs: rouge épais, feu, rouge, couleurs grenade, vert, jaune, bleu foncé, noir, outremer, virizan le long du contour du petit ... Vikna a été grillée comme des pierres précieuses chères, percée d'un lumière inquiétante, sur l'air dans l'air.
De nouvelles valeurs esthétiques sont nées au crâne de couleur gothique, et les furbies ont acquis la plus grande sonorité de la couleur vive. La couleur pure a donné naissance à l'atmosphère d'un milieu de volaille, farci de différentes nuances de zeste et de lumière sur des colonnes, des sous-vêtements, des vitraux. Kolіr s'est transformé en dzherelo svіtla, ce qui a assombri la perspective. Tovste sklo, souvent de manière inégale, ressemblait à des ampoules bulbeuses pas si pointues, qui exagéraient l'effet artistique du vitrail. La lumière, traversant le tovshu skla inégal, a été écrasée et a commencé à se développer.
Les meilleures images des vitraux gothiques droits regardent dans les cathédrales de Chartres, Bourges et Paris (par exemple, "Le Bogomatir de Nemovlyam"). Il est rempli non moins d'écriture, mais aussi des "Flaming Wheels" et des "Molyuchy Glitters" de la cathédrale de Chartres.
À partir du milieu du 1er siècle, les couleurs pliées ont commencé à être introduites dans le barista din, comme si elles étaient emportées pour un bronzage supplémentaire. Ces vitraux anodins de style gothique ont été conservés à la Sainte-Chapelle (1250). Les contours ont été appliqués le long de la pente avec un farboi en émail brun, et les formes, avec cela, avaient un petit caractère plat.
L'ère gothique est devenue l'heure de la découverte de l'art des livres miniatures et du développement des miniatures artistiques. La force des tendances mondaines dans la culture n'a fait que renforcer leur développement. Illustrations compositions de personnages riches Les sujets religieux comprenaient divers détails réalistes: images d'oiseaux, d'animaux, de blizzards, d'ornements de motifs en croissance, de scènes de fesses. Le charme poétique particulier de l'œuvre du miniaturiste français Jean Pussel.
Au développement des miniatures gothiques françaises des 13-14 siècles, la place fut occupée par l'école parisienne. Psautier de St. Ludovіk ryasnіє compositions riches en figuration, encadrées par un motif architecture gothique, pourquoi la chaîne rozpovіd nabuvaє nadzvychaynoї (Louvre, Paris, 1270). les figures de femmes et les visages sont gracieux, leurs formes sont imprégnées de lignes de struma, créant une illusion de mouvement. La richesse et la densité du farb, ainsi que l'architecture décorative du petit, transforment ces miniatures en œuvres d'art uniques et en embellissement coûteux des côtés.
Le style du livre gothique est rehaussé par des formes aiguisées, la non-accroche, la non-accroche, le filigrane d'un vizerunk ajouré et la fragilité des lignes sinueuses. Varto signifie qu'aux XIVe-XVe siècles, les manuscrits Svitsky étaient également illustrés. Livres d'heures, traités scientifiques, recueils de chansons d'amour et chroniques regorgent de miniatures miraculeuses. Dans la miniature, illustrée par les œuvres de la littérature courtoise, l'idéal du kokhanny d'une personne a été inculqué, ainsi que des scènes d'une vie magnifique. Un vitvir similaire est le manuscrit de Manes (1320).
Au fil du temps, le gothique est devenu plus opposé. Les « Grandes Chroniques françaises » du XIVe siècle montrent la capacité de l'artiste à pénétrer la sensation qu'il dépeint. Ces livres étaient chargés d'un éclatement décoratif du voilé de vignettes voilées et d'encadrements de formes chimériques.
La miniature gothique s'est déjà ancrée dans le tableau et a apporté une vivacité à l'art du Moyen Âge. Le gothique est devenu non seulement un style, mais un lien important dans le développement culturel sauvage de l'âme. Les maîtres du style avec une précision de dénomination pourraient créer l'image de leur partenaire dans l'environnement objectif et naturel. Les grandes créations gothiques spirituelles sont affinées par une aura de charme esthétique unique. Le gothique a donné naissance à une nouvelle synthèse du mysticisme, et ces conquêtes réalistes ont préparé le terrain pour le passage à l'époque de l'art de la Renaissance.
La peinture est l'un des arts anciens, car un siècle riche est passé par l'évolution des peintures murales paléolithiques, aux nouvelles tendances du XX et du XXI siècle. Tse mystetstvo est né pratiquement de l'apparition de l'humanité. Les peuples anciens, n'ayant pas reconnu le véritable être humain, ont réalisé la nécessité de représenter la lumière à la surface. La puanteur a peint tout ce dont ils rêvaient: créatures, nature, scènes myslivsky. Pour la peinture, la puanteur était victorieuse, semblable au farbi, fabriqué à partir de matériaux naturels. Tse buli terriens farby, village vugіllya, suie noire. Les penzliks ont volé les créatures poilues, ou ils ont simplement peint avec leurs doigts.
Dans la foulée du changement, les nouveaux genres de peinture sont mis en cause. Derrière la période ancienne, la période de l'antiquité. Viniklo est le travail d'artistes et d'artistes jusqu'à la création d'une vraie vie, telle que les gens courent partout. La précision de transmission de Pragnennya a rappelé l'origine des fondements de la perspective, les fondements des motifs légers de diverses images et dont l'achèvement par des artistes. Et la puanteur nous tissa devant eux, comme si l'on pouvait représenter une vaste étendue sur le mur plat, près de la fresque. Deyakі vytvori mystekstva, donc comme une vaste étendue, svetlotinі a commencé vikoristovuvat pour embellir l'endroit, le centre de la religion et de la pohovannya.
Commençons une période importante dans la peinture passée et le Moyen Age. Dans le même temps, la peinture est plus de nature religieuse, et la pensée a commencé à grandir sur l'art. La créativité des artistes était basée sur l'iconographie et d'autres mélodies de la religion. Les principaux moments importants, dont l'artiste est responsable, n'étaient pas aussi précis dans la représentation de la réalité, car le transfert de spiritualité est inculqué dans les peintures les plus manipulatrices. Les toiles des maîtres de l'époque s'opposaient par la vivacité des contours, la beauté et le barvisty. La peinture de la bourgeoisie nous est donnée à plat. Tous les personnages des artistes à cette heure-là rachètent en une seule ligne. Et donc beaucoup de créations nous sont données par des stylisations bon marché.
La période du Moyen Âge gris a changé la période la plus brillante de la Renaissance. L'époque de la Renaissance a apporté un nouveau tournant dans le développement historique de cet art. Les nouvelles humeurs de l'âme, le nouveau svetoglyad ont commencé à dicter à l'artiste: ce sont les aspects de la peinture qui sont de plus en plus clairs. Les genres de peinture, comme le portrait et le paysage, deviennent des styles indépendants. Les artistes expriment les émotions des gens et leur monde intérieur à travers de nouvelles façons de peindre. Aux XVIIe et XVIIIe siècles, l'essor de la peinture est plus sérieux. Pendant cette période, l'Église catholique perd de son importance et les artistes, dans leurs créations, dépeignent de plus en plus souvent la juste vision des gens, de la nature et de la vie quotidienne. Dans le même temps, de tels genres se forment, tels que le baroque, le rococo, le classicisme, le maniérisme. Blâmez le romantisme, qui sera remplacé à l'avenir par un style efficace - l'impressionnisme.
Au début du 20ème siècle, la peinture change radicalement et il y a un nouvel art moderne direct - la peinture abstraite. L'idée de ce qui est directement dans le fait que vous pouvez transmettre l'année entre les gens et le mysticisme, créer une harmonie entre les lignes et les vibrations colorées. Cet art n'a pas d'objectivité. Elle ne répète pas la transmission exacte de l'image réelle, mais à la place, elle transmet ces émotions que l'âme de l'artiste a. Un rôle important pour tout type d'art est de former cette couleur. L'essence de ceci est de transmettre d'une nouvelle manière des objets précédemment connus. Ici, les mits espèrent une totale liberté de leurs fantasmes. Cela a donné naissance au développement de tendances modernes, telles que l'avant-garde, l'underground, l'abstractionnisme. De la fin du 20e siècle et jusqu'à nos jours, la peinture est en constante évolution. Mais, malgré le nouvel accès et les technologies modernes, les artistes s'appuient toujours sur l'art classique - la peinture à l'huile et à l'aquarelle, pour créer leurs chefs-d'œuvre à l'aide de farb et de toiles.
Natalia Martinenko
Histoire de l'art figuratif
L'histoire de la peinture est une lancette intarissable, née des premiers tableaux brisés. Le style du cuir se développe à partir des styles, comme des bules devant lui. Kozhen est un grand artiste atteignant la portée des premiers artistes et embrassant les derniers artistes.
Nous pouvons apprécier la peinture pour sa beauté. Les lignes, les formes, les couleurs et l'entrepôt Yogo (toiture des pièces) peuvent être comme nos sentiments et s'attarder dans nos esprits. Ale est satisfait de la croissance du mysticisme, si nous le savons, si et pourquoi et comment il a été créé.
Beaucoup de facteurs se sont ajoutés à l'histoire de la peinture. Géographie, religion, particularités nationales, arrière-plans historiques, développement de nouveaux matériaux - tout contribue à façonner l'image de l'artiste. En étirant le courant de l'histoire, la peinture a mis en lumière le monde subtil et nos affirmations à son sujet. De leurs propres mains, les artistes ont donné l'un des meilleurs enregistrements sur le développement de la civilisation, parfois rozkrivayuchi plus que le mot écrit inférieur.
Peinture préhistorique
Les habitants de Pecherni étaient les premiers artistes. Des petites créatures colorées, datées de 30 000 à 10 000 ans avant notre ère, ont été retrouvées sur les parois de grottes en France et en Espagne. Bagato z tsikh malyunkіv complètement bien conservé, à ce que les fours aient été scellés au siècle bagatioh. Les premiers gens ont peint des créatures sauvages, de telles puanteurs faisaient rage dovkol. Même des positions humaines grossières, brisées dans des positions de vie, étaient connues en Afrique et dans le Skhodі Іspanії.
Les artistes du four ont rempli les murs du four avec des petits aux couleurs riches et lumineuses. Les enfants des plus beaux tableaux sont rachetés au poêle d'Altamira, en Espagne. Un détail montre un buffle blessé, qui ne vaut plus la peine d'être debout - imovirno, un sacrifice de la pensée. Vіn zabarvleniy a une couleur brun rougeâtre et les baptêmes sont simples, ale gracieusement, noirs. Les pigments, comme le vicor, ont été peints par des artistes boulangers - ocre (oxyde de soleil, qui soigne la couleur du jaune clair à l'orange foncé) et manganèse (métal foncé). La puanteur était teintée sur une poudre fine, mélangée à de l'huile (peut-être avec de l'huile grasse) et appliquée sur la surface comme un pinceau. Parfois, les pigments étaient fourrés en forme de bâtonnets, à la manière du crade. La graisse, mélangée à des pigments en poudre, a volé la patrie du lacofarb et des particules de pigment ont été collées ensemble. Les habitants du four fabriquaient des boucliers à partir des créatures de cheveux et de roslin, et les outils gostrі en silex (pour peindre cette podryapine).
Depuis plus de 30 000 ans, les hommes ont trouvé les principaux outils et matériaux pour peindre. Les méthodes et les matériaux ont été profondément améliorés au siècle à venir. Les aloès du sac de four sont les principaux pour la peinture.
Peinture égyptienne et mésopotamienne (3400–332 avant JC)
L'une des premières civilisations est apparue en Égypte. Des archives écrites de ce mysticisme, privé par les Égyptiens, il y a beaucoup de choses sur leur vie. Les puants respectaient le fait que le corps pouvait être sauvé, afin que l'âme puisse vivre après la mort. Les Grandes Pyramides étaient des tombes pliantes des riches et puissants dirigeants égyptiens. Beaucoup d'art égyptien a été créé pour les pyramides et les tombes des rois et d'autres personnes importantes. Afin d'être absolument inspirés, que l'âme soit maintenue en vie, les artistes ont créé des images d'un mort en pierre. La puanteur a également créé des scènes de la vie des gens sur les peintures murales près des chambres funéraires.
Les techniques égyptiennes de l'art figuratif ont été privées de l'inévitable prolongement du siècle. D'une certaine manière, l'aquarelle farba a été appliquée sur des surfaces d'argile ou de vape. Dans un autre procédé, les contours étaient visibles sur les murs de pierre et remplis d'aquarelles. Matériel, titres de gomme arabique, ymovirno, vikoristovvsya pour coller farbi à la surface. Heureusement, le climat sec et les tombes scellées ont fait place à de telles aquarelles s'effondrant dans l'eau. De nombreuses scènes myslivsky des murs des tombes près de Thèbes, datées de près de 1450 avant JC, ont été bien conservées. La puanteur montrera comment les sages suivent les oiseaux abo riba. Ces parcelles sont encore identifiables aujourd'hui, car la puanteur a été soigneusement et résolument préparée.
La civilisation mésopotamienne, comme Trival de 3200 à 332 av. J.-C., s'est implantée dans la vallée entre les fleuves Tigre et Euphrate sur la Descente Proche. Les Budinki en Mésopotamie étaient principalement en argile. Les éclats d'argile aident la planche, leurs sillages tombaient en pilule, ressemblaient à de vraies peintures, comme, peut-être, ressembleraient plus à des cicavim. Ce qui a été épargné, les céramiques ont été embellies (sablées et ébouillantées) et les mosaïques barvy. Bien que les mosaïques ne puissent pas être vues comme une peinture, la puanteur y est souvent injectée.
Civilisation égéenne (3000-1100 avant JC)
La troisième grande culture primitive était la civilisation Yegei. Les Égyptiens vivaient sur les îles le long de la côte de la Grèce et sur les îles d'Asie Mineure à peu près à la même heure que les anciens Égyptiens et Mésopotamiens.
En 1900, les archéologues ont commencé à déterrer le palais du roi Minos à Knossos sur l'île de Crète. Les fouilles ont mis au jour des œuvres d'art, écrites vers 1500 av. dans un style exagérément vil et gracieux de cette heure. Évidemment, les Crétois étaient des gens non turbulents, aimant la nature. Au milieu de leurs sujets de prédilection, l'art de la vie marine, les créatures, les vies, les jeux sportifs, les processus de masse. À Knossos et dans d'autres palais égéens, des peintures ont été peintes sur des murs de gypse humides avec des farbs de rechovins minéraux et de l'ocre de terre. Farba s'est infiltrée à travers le plâtre aqueux et est devenue une partie permanente du mur. Ces peintures furent plus tard appelées fresques (du mot italien "frais" ou "nouveau"). Les Crétois étaient comme des nuances jaunes, rouges, bleues et vertes.
Peinture classique grecque Tarim (1100 avant JC - 400 après JC)
Les anciens Grecs décoraient les murs des temples et des palais de fresques. De vieux dzherel littéraire et de copies romaines Art grec on peut dire que les Grecs peignaient de petits tableaux et fabriquaient des mosaïques. On se souvient des noms des maîtres grecs et de trois choses de leur vie et de leur œuvre, même si peu de peinture grecque a survécu au siècle et à l'héritage de la guerre. Les Grecs n'écrivaient pas bien sur les tombes, alors leurs robots ont été volés.
Pofarbovani vazi - tout ce qui a été conservé dans la peinture grecque d'aujourd'hui. La préparation de la céramique connut un grand succès en Grèce, notamment à Athènes. Les conteneurs étaient une excellente boisson, ils étaient exportés, tout comme l'huile et le miel, et à des fins butovyh. La plus grande peinture de vase ancienne représentant des vicons dans des figures géométriques et des ornements (1100-700 av. J.-C.). Les vases étaient décorés de figures humaines en glaçure brune sur argile claire. Jusqu'au VIe siècle, les peintres de vases peignaient souvent des positions humaines noires sur de l'argile rouge naturelle. Les détails ont été réalisés sur de l'argile avec un outil de gostry. Tse a permis au chervonomu d'apparaître dans les vallons du relief.
Le style à figures rouges a été remplacé par du noir. C'est-à-dire navpaki: les chiffres sont rouges et le noir est devenu de la cendre. L'avantage de ce style résidait dans le fait que l'artiste pouvait gagner instantanément un stylo pour créer des contours. Le bouclier donne une ligne libre, un instrument métallique inférieur qui l'emporte sur les vases bouclés noirs.
Les peintures murales romaines étaient connues comme le rang principal des villas (zamіsky budinkas) à Pompéi et à Herculanum. Dans 79 régions de notre pays, deux lieux ont été principalement inspirés par les éruptions du volcan Vésuve. Les archéologues, qui ont fouillé cette zone, ont pu en apprendre beaucoup sur l'ancienne vie romaine dans ces lieux. Il y avait des peintures sur les murs du stand de la peau dans la villa de Pompéi. Les peintres romains ont soigneusement préparé la surface du mur, en appliquant du sumish à partir d'une scie à marmur et du plâtre. La puanteur a poli la surface jusqu'à en faire un revêtement de marmur. Beaucoup de peintures - copies de peintures grecques du 4ème siècle avant JC. Les poses amincies des personnages peints sur les murs de la Volonté des Mystères près de Pompéi étouffaient les artistes au XVIIIe siècle, si le lieu était déterré.
Les Grecs et les Romains ont également peint des portraits. Un petit nombre d'entre eux, surtout des portraits de momies, brodés à la grecque par des artistes égyptiens, ont été sauvés près d'Oleksandria, pivnich d'Egypte. Fondée au 4ème siècle avant JC par Oleksandre le Grand de Grèce, Oleksandriya est devenue un centre majeur de la culture grecque et romaine. Les portraits ont été peints dans la technique de l'encaustique sur bois et ont été installés à la vue d'une momie après la mort d'une personne. Les peintures à l'encaustique, fabriquées à partir de farb, mélangées à de la cire de bjoline fondue, sont conservées longtemps. C'est vrai, ces portraits ont encore l'air frais, même si la puanteur s'est estompée dans un autre siècle avant notre ère.
Peinture paléochrétienne et byzantine (R. 300–1300)
L'Empire romain est entré en déclin au 4ème siècle après JC. A cette heure même, le christianisme gagnait en force. En 313, l'empereur romain Kostyantyn reconnut officiellement la religion et adopta lui-même le christianisme.
Christianisme Viniknennya fortement vpliniv mystetstvo. Les artistes ont été chargés de décorer les murs de l'église avec des fresques et des mosaïques. Les puants volaient les panneaux des chapelles des églises, illustraient et embellissaient les livres d'église. Sous l'afflux de l'Église, les artistes se sont rendus coupables de pouvoir parler plus clairement du développement du christianisme.
Les premiers chrétiens et les artistes byzantins ont continué la technique des mosaïques, et les Grecs connaissaient la puanteur. De petits aplats de pierres colorées ont été installés sur de l'eau, du ciment et du plâtre. D'autres matériaux durs ont également triomphé, comme les morceaux d'argile cuite ou shkaralupi. Dans la mosaïque italienne, les couleurs sont particulièrement profondes et spovneni. Des artistes italiens ont volé le fond avec des morceaux de revêtement doré. La puanteur représentait des positions humaines dans des couleurs riches sur des pucerons d'or brillant. L'effet flashy est plat, décoratif et irréaliste.
Les mosaïques d'artistes byzantins étaient souvent moins réalistes et plus décoratives, moins de motifs des premiers chrétiens. "Vizantiiske" - le nom donné au style d'art, tel qu'il s'est développé avant l'ancienne ville de Byzance (neuf Istanbul, Turechchina). La technique de la mosaïque correspondait parfaitement au goût byzantin pour la décoration des églises. Les fameuses mosaïques de Théodore et Justinien, préparées vers 547 r. n.e., démontrer l'enthousiasme de la richesse. Les tissus de bijoux brillent sur les personnages et les tissus colorés des courtisans vibrent sur les pucerons d'or scintillant. Les artistes byzantins ont également remporté l'or sur des fresques et des panneaux. L'or et d'autres matériaux coûteux étaient victorieux au Moyen Âge, pour justifier les objets spirituels du monde quotidien.
Peinture du milieu (500–1400 roubles)
La première partie du Moyen Âge, approximativement du VIe au XIe siècle de notre ère, est dite sombre. Dans le même temps, le mysticisme était pris de manière très importante par les monastères. Au 5ème siècle après JC Les tribus varranes de Pivnichnoy et d'Europe centrale parcouraient le continent. La mise à niveau de centaines de puanteurs rocheuses dominait l'Europe occidentale. Tsі people zrobili mystetstvo, pour un élément de tête є vіzerunok. La puanteur s'étouffait particulièrement sur les structures des dragons et des oiseaux.
Le meilleur de l'art celtique et saxon se trouve dans les manuscrits des VIIe et VIIIe siècles. L'illustration de livres, l'enluminure et la peinture miniature, pratiquées depuis l'heure romaine tardive, se sont élargies au Moyen Âge. Illumination - embellissement du texte, grandes lettres et arrosage. Les couleurs or, argent et jascar ont été victorieuses. Une miniature est une petite image, souvent un portrait. Ce terme était inscrit au verso pour la description du bloc décoratif au verso des lettres cob du manuscrit.
Charlemagne, couronné empereur du Saint Empire romain germanique au début du IXe siècle, a tenté de faire revivre le mysticisme classique de la fin de l'époque romaine et du début du christianisme. Sous l'heure du 19e règne, les artistes de miniatures héritèrent de l'art classique, mais la puanteur véhiculait aussi à travers leurs objets des sentiments particuliers.
Même une petite peinture des murs a été sauvée du milieu. Dans les églises qui se sont réveillées sous l'heure de l'époque romane (11-13 siècles), il y avait quelques grandes fresques, mais d'autres sont apparues. Les églises de la période gothique (XII-XVI siècles) avaient suffisamment d'espace pour les peintures murales. L'illustration du livre était l'œuvre de tête de l'artiste gothique.
Parmi les meilleurs manuscrits illustratifs figuraient des livres d'anniversaires - des recueils de calendriers, de prières et de psaumes. Le côté du manuscrit italien montre les initiales minutieusement conçues et la scène marginale finement détaillée de Saint-Georges terrassant le dragon. Les couleurs sont brillantes et ressemblent à une pierre chère, comme un vitrail, et l'or scintille sur le côté. Des feuilles plus fines et des motifs floraux se mêlent au texte. Artistes, ymovіrno, vikoristovuvali zbіshuvalne sklo pour vykonannya un tel travail détaillé pliable.
Italie : Cimabue ta Giotto
Les artistes italiens, comme au XIIIe siècle, pratiquaient encore le style byzantin. Les poteaux humains étaient constitués de poteaux plats et décoratifs. Les individus avaient rarement du viraz. Les corps n'étaient pas vagomimi, ils semblaient flotter, mais ne se tenaient pas au sol. A Florence, l'artiste Cimabue (1240-1302) tenta de moderniser les actes issus des anciennes méthodes byzantines. Les anges de la "Madone sur le trône" sont actifs, le son est plus bas dans les images de cette heure. Ces gestes et ces apparences montrent plus que des sentiments humains. Cimabue a ajouté à ses peintures un nouveau sens de la monumentalité et de l'écriture. Cependant, il a continué à suivre les riches traditions byzantines, telles que l'or est en cendres et la décoration vizerunkove d'objets et de personnages.
Tse bov le grand artiste florentin Giotto (1267-1337), qui a en fait rompu avec la tradition byzantine. La série de fresques de la chapelle d'Areni à Padoue éclipse loin derrière l'art byzantin. Dans ces scènes de la vie de Marie et du Christ, il y a des émotions justes, de la tension et du naturalisme. Des moustaches de chaleur humaine et de sympathie sont présentes. Les gens n'abandonnent pas absolument irréaliste ou céleste. Giotto ombrant les contours des personnages et plaçant des ombres profondes sur les plis de la robe, afin de donner une impression de rondeur et de volume.
Pour ses petits panneaux, Giotto a créé une détrempe pure orge, une moyenne, qui a été perfectionnée par les Florentins au XIVe siècle. La clarté et la luminosité des couleurs yogo étaient petites fortement collées aux gens, comme elles retentissaient aux couleurs sombres des panneaux byzantins. Peintures à la détrempe pour célébrer la défaite, cette douce lumière tombe sur la scène. La puanteur peut être plate, sur le brillant vіdminu vіd peinture à l'huile. La détrempe à l'œuf était recouverte de la tête farboi, les quais du mayzhe à l'huile ne l'ont pas non plus remplacé au XVIe siècle.
Piznіy srednyovіchny peignant sur les Alpes pіvnіch vіd
Au début du XVe siècle, les artistes de Pivnichniy Europe pratiquaient un style similaire au style moderne de la peinture italienne. Les artistes de Pivnіchnі ont atteint le réalisme, ajoutant à leurs peintures des détails indistincts. Tous les cheveux ont été éclaircis et le détail de la peau de la draperie, ou des sous-couches, a été inséré avec précision. Vinahid de la peinture à l'huile d'olive a été simplifiée par le détail des détails.
L'artiste flamand Jan van Eyck (1370-1414) a apporté sa grande contribution au développement de la peinture à l'huile. Si la détrempe est victorieuse, il est nécessaire d'appliquer des couleurs à la couleur. La puanteur ne peut pas bien s'ombrer une à une, à ce que le farba soit sec sec. Avec l'huile, comme si elle était suffisamment sèche, l'artiste peut atteindre des effets de pliage. Portraits Yogo 1466-1530 boules vikonanі à la technologie pétrolière flamande. Tous les détails et les images miroir sont clairs et précis. La couleur est mimique et peut être une surface dure semblable à de l'émail. Le panneau de bois broyé a été préparé de la même manière, comme Giotto préparant ses panneaux pour la détrempe. Van Eyck a créé l'image avec des boules de couleur fines appelées glaçure. Tempera, imovirno, a été victorieux dans la plaque originale et pour les sons.
Renaissance italienne
A cette heure, si van Eyck travaillait à Pivnochi, les Italiens passaient dans l'or du siècle d'art et de littérature. Cette période s'appelle la Renaissance, ce qui signifie renaissance. Les artistes italiens se sont inspirés de la sculpture des anciens Grecs et Romains. Les Italiens voulaient faire revivre l'esprit de l'art classique, qui glorifie l'indépendance humaine et la noblesse. Les mitsvoth de l'époque de la Renaissance ont continué à peindre des scènes religieuses. Mais les puants ont également soutenu la vie de la terre et la portée des gens.
Florence
La réalisation de Giotto sur l'épi du 14ème siècle a commencé la Renaissance. Les artistes italiens du XVIIe siècle ont continué le yoga. Masaccio (1401-1428) était l'un des chefs de file de la première génération d'artistes de l'ère de la Renaissance. Vin est vivant près de Florence, une riche place commerciale, où l'époque de la Renaissance a commencé. Jusqu'au yogo de la mort, par exemple, vingt destins de vins, ayant révolutionné la peinture. Lors de sa célèbre fresque "The Tribute Money", il devrait mettre de solides figures sculpturales dans le paysage, qui, dit-il, va loin dans le lointain. Masaccio, peut-être, a appris les perspectives de l'architecte et sculpteur florentin Brunelleschi (1377-1414).
La technique de la fresque est devenue plus populaire à l'époque de la Renaissance. Vaughn était particulièrement adapté aux grandes peintures, car les couleurs des fresques sont sèches et parfaitement plates. L'image peut être regardée sous le capot, sans bonheur ni vodbitkiv. De plus, des fresques peuvent être accessibles. Appelez les artistes du Mali kіlka pomіchnіv. Les robots ont été battus en morceaux, auxquels il a fallu les finir, alors que le plâtre était encore humide.
Le nouveau style "trivi-world" de Masaccio était typique de la nouvelle ligne droite progressive du XVe siècle. Le style de Fra Angelico (1400-1455) est une approche traditionnelle, conquise par les artistes du début de la Renaissance. Vіn buv moins de perspective de turbovaniya que plus de tsіkavivsya peu décoratif. Yogo "Couronnement de la Mère de Dieu" - crosse de détrempe pour le plus beau vikonan. Couleurs gaies et riches sur les pucerons d'or et accentuées d'or. L'image ressemble à une miniature agrandie. Dovgі vuzkі figure mаut peu endormi de Masaccio. La composition est organisée en larges lignes de mouvement, qui tournent autour des figures centrales du Christ et de Marie.
Un autre Florentin, qui pratiquait le style traditionnel, était Sandro Botticelli (1444-1515). Des lignes rythmiques coulantes descendent les rangs de "Spring" de Botticelli. La figure du printemps, portée par le vent froid, est portée par la main droite. Trois grâces dansent sur le bûcher, les plis de leur tissu, qui grandissent, et l'amincissement des mains de leurs mains tournent le rythme de la danse.
Léonard de Vinci (1452-1519) a commencé à peindre à Florence. Vіdomy avec ses réalisations scientifiques et ses vignobles, ainsi qu'avec ses peintures. Beaucoup d'images ont été épargnées, souvent parce qu'elles expérimentaient souvent différentes façons de fabriquer Farbi, et non avec une variété de méthodes tordues et fiables. "The Last Supper" (écrit entre 1495 et 1498) a été écrasé dans de l'huile, mais, malheureusement, Leonardo, après avoir écrit її sur le mur d'eau, s'est fendu à travers le yaku farba. Ale navit dans un camp sale (avant restauration) l'image est un petit bâtiment zbudzhuvat émotions chez tous ceux qui applaudissent.
L'un des dessins les plus célèbres dans le style de Leonardo yogo, la méthode de représentation des feux et des ténèbres. Les Italiens l'appelaient "sfumato", ce qui signifie des parties sombres ou brumeuses. Les personnages de la "Vierge du Skel" sont voilés dans une atmosphère sfumato. Їхні forme ta riz doucement ombragé. Léonard a obtenu ces effets, par procuration même des dégradés subtils de tons clairs et sombres.
Rome
L'apogée de la peinture de la Renaissance a eu lieu au XVIe siècle. Dans le même temps, le centre d'art et de culture s'est déplacé de Florence à Rome. Sous le pape Sixte IV et son intercesseur Jules II, la place de Rome était glorieuse et richement embellie par les artistes de la Renaissance. Les actes des projets les plus importants de cette période ont été identifiés pendant les heures de la papauté de Jules II. Jules confia au grand sculpteur et peintre Michel-Ange (1475-1564) la peinture de la stèle de la chapelle Sixtine et la réalisation d'une sculpture pour le tombeau de Papi. Julius a également demandé au peintre Raphaël (1483-1520) d'aider à décorer le Vatican. Les assistants de Raphaël ont peint les chotiri des appartements de Papi près du palais du Vatican.
Michel-Ange, le peuple florentin, ayant développé le style monumental de la peinture. Les figures dans les peintures de Yogo sont sur le sol de la mitzna et du volume, dont la puanteur ressemble à une sculpture. La stèle Sixtine, qui a pris 4 rochers à Michel-Ange, est composée de centaines de figures humaines de l'Ancien Testament. Schob vykonat tsyu fresque grandiose, Michel-Ange a eu la chance de s'allonger sur le dos sur le tableau. Habillage pensif de Jérémie parmi les prophètes, comme une stèle, les diacres d'experts respectent l'autoportrait de Michel-Ange.
Raphaël est venu à Florence d'Urbino en tant que jeune homme. Aux vins de Florence, ayant repris les idées de Léonard et de Michel-Ange. A cette heure, si Raphaël était parti à Rome pour travailler au Vatican, son style devenait l'un des plus grands pour la beauté de vikonann. Vin affectionne particulièrement ses beaux portraits de la Madone du Silence. La puanteur a été créée par milliers, vous pouvez la boire partout. Yogo "Madonna del Granduca" est réussi dans sa simplicité. Cette pureté est intemporelle dans sa quiétude, elle nous est tellement familière, comme aux Italiens de l'époque de Raphaël.
Venise
Venise était le principal pub italien de l'époque de la Renaissance. Il a été vu par des artistes de Flandre et d'autres régions, car ils connaissaient les expériences flamandes avec l'olive farboa. Cela a stimulé le développement précoce de la technologie de l'olive dans la ville italienne. Les Vénitiens ont appris à peindre des tableaux sur une toile épaisse et non sur des panneaux de bois, comme le son du vicoriste à Florence.
Giovanni Bellini (1430-1515) était le plus grand artiste vénitien du XVe siècle. Vin est aussi l'un des premiers artistes italiens à avoir remporté la peinture sur toile. Giorgione (1478-1151) et Titien (1488-1515), qui était le plus familier de tous les autres artistes vénitiens, fut le professeur de Maître Bellini.
Maître de la technique de l'huile, Titien a peint des toiles majestueuses dans des couleurs chaudes et riches. Dans ses peintures matures, il sacrifie les détails pour créer des effets subtils, par exemple, comme dans Madonna Pesaro. Gagner de superbes pinceaux, pour travailler de superbes coups. Yogo colori est particulièrement riche, pour ceux qui sont plus tolérants lors de la création d'émaux de couleurs contrastées. Les émaux Zvichay ont été appliqués sur une surface brun foncé, ce qui a donné à l'image un ton unique.
Le Tintoret (1518-1594) est un autre grand artiste vénitien du XVIe siècle. Aux yeux de Titien, les vins étaient travaillés sans milieu sur la toile sans esquisses ni contours de devant. Vіn spotovoryuvav souvent sa forme (torsadée) pour des raisons de composition et d'intrigue dramatique. Cette technique, qui comprend de larges traits et des contrastes dramatiques de lumière et d'obscurité, est créée encore aujourd'hui.
L'artiste Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) est né sous le nom d'El Greco ("Greetskaya"). Nation sur l'île de Crète, l'occupation de l'armée vénitienne, El Greco a été formé par des artistes italiens. Étant un garçon, virushiv vchitisya à Venise. L'union du mysticisme byzantin, comme un célibataire vinicole lui-même en Crète, ce mysticisme italien de l'époque de la Renaissance, a rendu l'œuvre d'El Greco bénie.
Dans ses toiles, il évoque des formes naturelles et victorieuses, des couleurs plus merveilleuses, plus surnaturelles, un Tintoret inférieur, comme un vin étouffé. Plus tard, El Greco, ayant déménagé en Espagne, la morosité de l'art espagnol s'est répandue sur son travail. Dans cette ville dramatique de Tolède, une tempête fait rage sur l'immobilité mortelle de l'endroit. Les bleus froids, les verts et les couleurs bleu-blanc répandent le froid sur la campagne.
Renaissance en Flandre et Nimechchina
Les siècles d'or de la peinture près de la Flandre (une partie de la Belgique et de la France française) furent le XVe siècle, l'heure de van Eyck. Au XVIe siècle, de nombreux artistes flamands ont été remplacés par des artistes italiens de la Renaissance. Les protégés des Flamands perpétuent la tradition flamande du réalisme. De cette façon, la peinture de genre s'est élargie - des scènes de la vie quotidienne, comme certaines charmantes et d'autres fantastiques. ІєRONім Bosch (1450-1515), qui a exagéré les artistes de genre, est surnaturellement brillamment éveillé. Vіn vygadav sіlyakih merveilleux, grotesque pour La Tentation de Saint. Antoine". Pieter Brueghel l'Ancien (1525-1569) a également pratiqué la tradition flamande, ajoutant à ses scènes de genre la perspective et d'autres caractéristiques de la Renaissance.
Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein le Jeune (1497-1543) et Lucas Cranach l'Ancien (1472-1553) sont trois des artistes allemands les plus importants du XVIe siècle. La puanteur a été beaucoup soufflée pour aider à étouffer le réalisme sombre de la peinture allemande primitive. Dürer visitera à nouveau l'Italie, destiné à être captivé par les peintures de Giovanni Bellina et d'autres brasseurs italiens. Zavdyaki à cette connaissance des vins, ayant attaché à la peinture allemande la connaissance de la perspective, la couleur de cette lumière et la nouvelle composition sensible. Holbein a acquis encore plus de produits italiens. Yogo, un petit bébé sensible, ce bâtiment, ne choisir que les détails les plus importants, a fait de Yogo un maître-portraitiste.
peinture baroque
Le XVIIe siècle a vu l'art comme une période du baroque. En Italie, les artistes Caravaggio (1571-1610) et Anibale Carracci (1560-1609) représentaient deux points de vue opposés. Le Caravage (en référence à Michelangelo Merisi) s'inspire toujours des réalités de la vie. L'un des problèmes les plus importants était de copier plus précisément la nature, sans glorifier le rang. Carracci, de l'autre côté, suivant l'idéal de la beauté de l'époque de la Renaissance. Vin vivchav sculpture antique cette œuvre de Michel-Ange, Raphaël et Titiana. Le style du Caravage a étouffé beaucoup d'artistes, notamment l'Espagnol Riber et le jeune Velasquez. Carracci a inhalé Nicolas Poussin (1594-1665), le célèbre artiste français du XVIIe siècle.
Espagne
Diego Velasquez (1599-1660), peintre de la cour du roi d'Espagne Philippe IV, était l'un des plus grands artistes espagnols. En tant que danseur du robit de Titien, il était le maître de la couleur victoria riche et harmonique. L'artiste Joden a pu créer plus joliment l'illusion de tissus riches et de personnes shkiri. Le portrait du petit prince Pilip Prosper montre sa maîtrise.
Flandre
Les peintures de l'artiste flamand Peter Paul Rubens (1577-1640) s'inspirent du nouveau style baroque des couleurs. La puanteur déborde d'énergie, de couleur et de lumière. Rubens rompt avec la tradition flamande de peindre de petits tableaux. Les toiles Yogo sont des figures humaines majestueuses et spovneni. Vіn otrimuvav plus zamovlen à la grande image, nizh mіg bi vikonati. Par conséquent, le vin est souvent peint sur un petit croquis en couleur. Ensuite, les assistants ont transféré le croquis sur une grande toile et ont terminé le tableau sous la céramique de Rubens.
Hollande
Les réalisations du peintre hollandais Rembrandt (1606-1669) sont parmi les plus importantes de l'histoire. Vіn mav un cadeau miraculeux - juste spiymati et transmettre des émotions humaines. Yak et Titien, ayant longtemps travaillé sur les compositions des peintures riches en balles. Les couleurs terreuses - ocre jaune, brun et brun-rouge - étaient les préférées des yogos. Les images Yogo sont vikonanі, plus important encore, dans des couleurs sombres. La signification importante des parties sombres et richement sphériques est de briser cette technique extraordinaire. L'accent est transféré à l'éclairage de certaines maisons lumineuses.
Jan Vermeier (1632-1675) était l'un des artistes hollandais qui ont peint de modestes scènes de la vie quotidienne. Vіn buv majstrom à la peinture de toutes les textures - satin, kilimіv persan, marquage du pain, métal. Zagalne vrazhennya vіd inter'єru Vermeєra est un salon endormi, plein d'objets de déchets emblématiques.
Peinture du 18ème siècle
Au XVIIIe siècle, Venise a donné naissance à quelques beaux artistes. Naivedomishim Buv Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Après avoir embelli les intérieurs des palais et autres budices avec de grandioses fresques barvy, pour créer des scènes de richesse. Francesco Guardi (1712-1793) plus qu'un penzle majeur, moins que quelques flocons de couleur, il a immédiatement évoqué l'idée d'un poste critique parmi les chovni. Les images visuelles d'Antonio Canaletto (1697-1768) commémoraient la gloire passée de Venise.
France : style rococo
La France affectionne les fleurs au pastel et la décoration astucieuse en épi du XVIIIe siècle, appelant au développement du style rococo. Jean Antoine Watteau (1684-1721), peintre de la cour du roi Louis XV, puis François Boucher (1703-1770) et Jean Honoré Fragonard (1732-1806) s'inscrivent dans les tendances rococo. Watteau a écrit mriylivy bacennya, la vie, pour qui tout est amusement. Le style est basé sur les pique-niques dans les parcs, les soirées renards, les plaisirs des messieurs et les sacoches élégantes dans la nature.
D'autres artistes du XVIIIe siècle ont représenté des scènes de la vie extraordinaire de la bourgeoisie. Yack et Dutch Vermeier, Jean-Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) citant des scènes domestiques simples et des natures mortes. Les couleurs du yoga sont dures et calmes dans le por_vnyann de Watteau.
Angleterre
Au XVIIIe siècle, les Anglais ont d'abord développé une école de peinture. Le noyau était formé, surtout, de portraitistes, parmi lesquels les artistes de la Renaissance vénitienne ont afflué. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) et Thomas Gainsborough (1727-1788) sont les plus populaires. Reynolds, qui a élevé le prix de l'Italie, suivant les idéaux de la peinture de la Renaissance. Portraits Yogo, poblivі et zvorushlivі, pas duzhe tsіkavі pour la couleur ou la texture. Gainsborough, de l'autre côté, a du talent pour briller. La surface des peintures brille d'une couleur éclatante.
Peinture du 19ème siècle
Le XIXe siècle est parfois considéré comme une période au cours de laquelle le mysticisme moderne a commencé à prendre forme. L'une des raisons importantes de la soi-disant révolution de l'art à la même époque était le vin de chambre, car il incitait les artistes à regarder la méta de la peinture.
Le podієyu le plus important était le large choix d'arrière-cours pour la préparation du farb. Jusqu'au XIXe siècle, la plupart des artistes et leurs assistants travaillaient sur la voie vlasny farby pour affiner le pigment. Les premiers farbs commerciaux ont été sacrifiés aux farbs manuels. Par exemple, des artistes du XIXe siècle ont montré que les tons bleu foncé et marron des premières peintures devenaient noirs ou gris au fil des ans. La puanteur recommençait à créer des couleurs pures afin de sauver leur travail, et à ceux qui essayaient plus précisément de faire la lumière endormie des scènes de rue.
Espagne : Goya
Francisco Goya (1746-1828) fut le premier grand artiste espagnol à émerger du XVIIe siècle. Comme un amour, l'artiste de la cour des vins d'Espagne a créé de riches portraits de la famille royale. Personnages royaux équipés robe élégante et belle koshtovnosti, mais sous l'apparence débile de tout ce qui apparaît, cemarnoslavlstvo et la cupidité. Portraits de Crimée, Goya a peint des scènes dramatiques, comme le 3 mai 1808. Sur cette photo, un groupe de rebelles espagnols est capturé par des soldats français. Des contrastes souriants de couleurs claires et sombres et sombres, percés de brises rouges, appellent le regard sombre de l'espèce.
Alors que la France était un grand centre d'art dans les années 1800, les peintres paysagistes anglais John Constable (1776-1837) et Joseph Melord William Turner (1775-1851) ont ajouté de la valeur à la peinture du XIXe siècle. Offensés par la peinture, la lumière et l'air, deux aspects de la nature, à l'instar des artistes du XIXe siècle, ont été vécus. Le gendarme a remporté la méthode, vodomiy podіl ou couleur maléfique. Vіn vikoristovuvav couleurs contrastées sur la couleur principale du corps. Souvent vykoristovuvav nizh pour la palette, schob schіlno applique la couleur. Le tableau "Hay Wain" le rendit célèbre après avoir été exposé à Paris en 1824. C'est juste une scène forte d'un film. Hmari dérive sur les proues, couvert des rayons de la lumière endormie. Les peintures de Turner sont dramatiques, inférieures à Constable, comme écrire de grands rappels de la nature - tempêtes, paysages marins, soleil brûlant, hautes montagnes. Souvent, la serpentine dorée attire souvent des objets dans les peintures de yoga, zmushyuyuchi їх zdavatis flottant dans l'étendue sans fin.
France
La période du règne de Napoléon et de la Révolution française a marqué l'émergence de deux tendances opposées dans l'art français - le classicisme et le romantisme. Jacques Louis David (1748-1825) et Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867) se sont inspirés de la mystique grecque et romaine antique et de l'époque de la Renaissance. Ils ont ajouté des détails et des couleurs victorieuses pour la création de formes solides. En tant qu'artiste de l'ordre révolutionnaire, David a souvent écrit des œuvres historiques de cette période. Dans ses portraits, comme celui de Madame Recam, ils ont dépassé la portée de la simplicité classique.
Theodor Geriko (1791-1824) et le romantique Eugène Delacroix (1798-1863) s'opposent au style de David. Pour Delacroix, la couleur est l'élément le plus important en peinture et la patience pour imiter les statues classiques. Les vins natomistes s'étouffaient avec Ruben et les Vénitiens. Parce qu'il a choisi des thèmes barvy et exotiques pour ses peintures, comme s'ils rayonnaient de lumière et de calme.
Les artistes de Barbizon font également partie du mouvement romantique sauvage qui se déroule environ de 1820 à 1850. La puanteur travaillait près du village de Barbizon en bordure de la forêt de Fontainebleau. Les puants se sont inspirés de la nature et ont terminé les peintures dans leurs ateliers.
D'autres artistes ont expérimenté des objets du quotidien et extraordinaires. Les paysages de Jean Baptiste Camil Corot (1796-1875) inspirent l'amour de la nature, et ces études du corps humain montrent leur propre équilibre de calme. Gustave Courbet (1819-1877) se qualifiant de réaliste, à celui qui dépeint le monde comme tel, tel un bachelier en yoga - pour inculquer le yoga suvory, un bik inacceptable. Vin a entouré sa palette de moins de quelques kvits sombres. Edouard Manet (1832-1883) puise également les bases de ses intrigues dans le monde scientifique. Les gens étaient hostiles au yoga avec des contrastes barvy et des tours discrets. Sur les surfaces des peintures de yoga, il y a souvent une texture plate de coups de pinceau. Les méthodes de Manet pour appliquer les effets de la lumière à la forme ont été versées aux jeunes artistes, en particulier les impressionnistes.
Pratsyuyuchi dans les années 1870 et 1880, un groupe d'artistes, comme les impressionnistes, voulait représenter la nature elle-même de telle manière qu'elle était à l'improviste. La puanteur s'en alla au loin, bas Constable, Turner et Manet aux plus brillants effets de lumière au niveau de la couleur. Le deyakі їх a développé la théorie scientifique de la couleur. Claude Monet (1840-1926) a souvent écrit la même vue à une heure différente pour finir, pour montrer comment le vin change dans différents esprits de lumière. Yakim bi not buv ob'єkt, les images yogo sont composées de centaines de traits critiques, des mains cousues à la main une par une, souvent dans des couleurs contrastées. Du vent, les coups se déplacent, pour créer la destruction des formes solides. Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) était un champion des méthodes de l'impressionnisme, afin de faire une sainte vie parisienne. Au Yogo "Danse au Moulin de la Galette", les gens vêtus d'une robe aux couleurs vives jubilaient et dansaient joyeusement. Renoir a peint l'ensemble du tableau avec des traits nets. Les points et les traits de farby créent une texture à la surface de l'image, ce qui semble lui donner un aspect spécial. Les gens de Natovpi, zdaєtsya, diffèrent par une lumière endormie et une couleur mortelle.
Peinture du 20ème siècle
Un certain nombre d'artistes sont soudainement devenus insatisfaits de l'impressionnisme. Des artistes comme Paul Cézanne (1839-1906) ont compris que l'impressionnisme ne signifiait pas l'immensité des formes dans la nature. Cézanne aimait peindre des natures mortes, le fait que la puanteur lui permettait de se concentrer sur la forme des fruits ou d'autres objets de ce genre de romarin. Les objets des natures mortes de yoga semblent étranges, du fait qu'ils sont amenés à des formes géométriques simples. Cette technique de placement de flammes farby et de petits coups de plea-o-plea riches en couleurs montre ce que vous avez appris des impressionnistes.
Vincent van Gogh (1853-90) et Paul Gauguin (1848-1903) ont réagi au réalisme des impressionnistes. A la vue des impressionnistes, comme ils disaient, qu'ils regardent objectivement la nature, Van Gogh a peu parlé d'exactitude. Vient souvent spotovoryuvav ob'єkti, schob vyslovit leurs pensées de manière créative. Vіn vikoristovuvav іmpresіonіstski principes pіnіshchennya contraste kolorіv confié à chacun. Parfois, presser le farba des tubes directement sur la toile, comme chez "Poly yellow corn".
Gauguin n'a rien dit sur les couleurs courageuses des impressionnistes. En douceur zastosovuvav kolіr dans les grandes zones plates, yakі vіdokremlyuvav on a vu une ligne ou des bords sombres. Les peuples tropicaux de Barvy ont fourni la plus grande partie de cette histoire.
La méthode de création d'espace de Cézanne à l'aide de formes géométriques simples de la lettre de repentir de Pablo Picasso (1881-1973), Georges Shlyub (1882-1963) et d'autres. Le style Їхній est devenu le berceau du cubisme. Les cubes ont peint des objets de telle manière qu'aucun d'entre eux ne pouvait être influencé par quelques coupes à la fois, aucun d'entre eux n'a été choisi et choisi sur une toile plate. Souvent, les objets n'étaient pas similaires à ceux qui existent dans la nature. Dans certains cubes, des personnages étaient fabriqués à partir de tissu, de carton, de tapisseries ou d'autres matériaux et collés sur la toile pour faire un collage. Les textures étaient également variées, ajoutant au farby le son du discours chi inshі.
Les tendances les plus récentes étaient de donner moins de respect à ceux-là. La composition et la technique de l'image ont commencé à mettre davantage l'accent.
- Peinture acrylique : histoire, technique, avantages de l'acrylique
