Signes du drame comme genre. Traits caractéristiques du théâtre en tant que famille littéraire
- ▲ genre de littérature artistique. Genre épique. épique. artiste en prose rozpovid à propos de yaks l. podiyah. proso (# créer). fiction. Paroles. drame... Dictionnaire idéographique des films russes
Ce terme peut avoir d'autres significations, div. Drame. Ne vous éloignez pas du Drame (une sorte de littérature). Drame littéraire (dramatique), scène et genre cinématographique. Nabuv d'une ampleur particulière dans la littérature du XVIII XXIe siècle, ... Wikipedia
Dans les arts : Drame de la littérature (ordre avec épopées et paroles) ; Drame d'une sorte d'action cinématographique scénique; genre, qui comprend divers sous-genres, des modifications (comme un drame philistin, un drame de l'absurde comme ça); Toponyme(s) : ... ... Wikipédia
D. yak poétique rіd Pokhodzhennia D. Skhidna D. Antichna D. Serednyovichna D. D. Renaissance Vіd Revival to classicism Elizabethan D. Spanish D. Classical D. Bourgeoisna D. Ro ... Encyclopédie littéraire
Epos, paroles, drame. Elle se distingue par différents signes : en s'intéressant aux modalités d'hérédité de l'activité (Aristote), aux types de savoir (F. Schiller, F. Schelling), aux catégories de l'épistémologie (ob'ektivne sub'ektivne de G.V.F. Hegel), aux formes formelles. .. Dictionnaire encyclopédique
Drame (drama grec, littéralement - dіya), 1) l'une des trois littératures polonaises (ordre z epos et lyrique; div. Rіd literaturny). D. appartenir d'emblée au théâtre de cette littérature : étant la première base du vistavi, elle s'y intègre immédiatement... Grande Encyclopédie Radianska
Encyclopédie moderne
Débarrasser la littérature- RID Literary, l'un des trois groupes de créatifs littérature artistiqueépique, lyrique, drame. La tradition de l'articulation générique de la littérature a été fondée par Aristote. Indépendamment de la ruse des cordons entre les auvents et de la diversité des formes intermédiaires (liroepichna… Dictionnaire encyclopédique illustratif
Epos, paroles, drame. Vychachaetsya pour différents signes: d'un coup d'œil les méthodes d'héritage de l'action (Aristote), les types de connaissances (F. Schiller, F. Schelling), les catégories d'épistémologie (ob'ektivne sub'ektivne chez G. Hegel), les signes formels. Grand dictionnaire encyclopédique
RID, un (y), trad. sur (dans) la naissance et (sur) la naissance, pl. s, vo, mec. 1. La principale organisation communautaire de la voie communale primaire, unie par la dispute du sang. Aîné de la famille. 2. Un certain nombre de générations qui ressemblent à un ancêtre, ainsi qu'une génération. Dictionnaire Tlumachny d'Ozhegov
Livres
- Pouchkine, Tinyanov Iouri Mikolayovitch. Yury Mikolayovich Tinyanov (1894-1943) - un éminent prosateur et érudit littéraire - le nom est similaire à Pouchkine; Qui sait, peut-être que la similitude elle-même a aidé ...
D'un côté, sous une heure de travail sur le drame, les vainqueurs sont vainqueurs, comme dans l'arsenal d'un écrivain, ale, de l'autre, tver peut être littéraire. L'auteur le décrit de manière à ce qu'une personne, comme un test lisible, puisse travailler tout ce qui vient de son esprit. Par exemple, l'adjoint «la puanteur est restée longtemps assise dans le bar» peut être écrite «la puanteur a bu six verres de bière» trop finement.
Dans le drame qui se joue, cela n'est pas montré à travers des pensées intérieures, mais à travers une action extérieure. De plus, tous les podії vіdbuvayutsya sont contagieux.
Aussi, les signes de l'échange se superposent à l'obsyag créer, parce que. il peut être présenté sur scène aux frontières de l'heure établie (jusqu'à un maximum de 3-4 ans).
La plupart des drames, comme l'art scénique, imposent leur propre ami aux comportements, aux gestes, aux paroles des héros, qui sont souvent hyperboliques. Ceux qui ne peuvent pas être dans la vie pendant quelques années, ils peuvent naître dans le drame. Pour qui le public ne succombe pas à l'astuce, à l'invraisemblance, car tout le genre est autorisé à chanter dans le monde.
Pendant les heures d'un livre cher, le drame (comme une production publique) qui était inaccessible aux gens riches, est devenu une forme claire de création artistique de la vie. Proteo avec le développement d'autres technologies a sacrifié les premiers genres épiques. Tim n'est pas moins, et aujourd'hui les créations dramatiques sont submergées de demandes de la cour. Le public principal est le théâtre, tse, évidemment, les amateurs de théâtre et les cinéphiles. De plus, le nombre des autres l'emporte sur le nombre de lecteurs.
Selon le mode de mise en scène, les créations dramatiques peuvent se présenter sous la forme d'un p'esi ce scénario. Les moustaches de la création dramatique, reconnues comme les vainqueurs de la scène théâtrale, sont appelées p'esami (pi èce français). Créez dramatiquement, pour lesquels les films sont connus, des scénarios. Par exemple, dans les scénarios pour remplacer les remarques de l'auteur pour nommer l'heure de ce mois, vkazіvki sur vіk, le regard zvnіshnіy des héros est trop mince.
Structure p'si chi scénario vіdpovidaє struktі іstorії. Le son, les parties de p'esi signifient comme un acte (diya), une manifestation, un épisode, une image.
Les principaux genres d'œuvres dramatiques :
- drame,
- la tragédie,
- la comédie,
- la tragi-comédie,
- farce
- Vaudeville,
- Croquis.
Drame
Le drame est tout un tvir littéraire qui met en scène un conflit sérieux entre diyovim ou entre diyovim et la susceptibilité. Vіdnosini mizh heroes (heroes and suspіlstvo) les créations de ce genre sont toujours en phase avec le drame. Sous l'heure du développement de l'intrigue, il y a une lutte tendue entre le milieu des personnages, et entre eux.
Si le drame a un conflit plus grave, la prote peut être renversée. L'intrigue s'explique par la circonstance, la tension du public est claire: pourquoi le héros (les héros) devrait-il sortir de la situation ou non.
Drame puissante description de la réalité vie courante, mise en scène de "longs" repas d'un cul humain, révélation profonde des personnages, monde intérieur des personnages
Viriznyayut ces types de drame, comme historique, social, philosophique. Une variété de drame est le mélodrame. Chez les individus en développement, il est clairement divisé en positifs et négatifs.
Les drames sont largement connus : « Othello » de W. Shakespeare, « In the Days » de M. Gorky, « Kishka na Dakha » de T. Williams.
la tragédie
La tragédie (en grec tragos ode - "chanson de chèvre") est tout un tvir dramatique littéraire, fondé sur un conflit de vie irréconciliable. Les tragédies du pouvoir sont tendues par la lutte de personnages forts et de passions, qui se terminera par un résultat catastrophique pour les personnages (en règle générale, la mort).
Le conflit de la tragédie semble encore plus profond, peut avoir une profonde signification humaine et peut être symbolique. héros principal, en règle générale, souffrant profondément (parmi ceux qui n'ont pas d'échappatoire), la part du yoga est malheureuse.
Le texte de la tragédie sonne souvent pathétique. Riche tragédie écrite en vers.
Les tragédies sont largement connues: "Prométhée de la mer" d'Eskhil, "Roméo et Juliette" de W. Shakespeare, "Orage" d'A. Ostrovsky.
La comédie
La comédie (du grec komos ode - «chanson amusante») est une télévision dramatique littéraire complète, dans laquelle des personnages, des situations et des situations sont présentés de manière comique, avec humour et satire. Avec cela, les personnages ne peuvent que faire le chi total avec le total.
Sonnez la comédie présentant tout avec plus d'indulgence et sans stupidité, drôle et stupidité, vismіyuє hromadski chi butovі vadi.
La comédie se subdivise en comédie de masques, de position, de personnages. Farce, vaudeville, intermède, sketch font également partie de ce genre.
La comédie positionnelle (comédie situationnelle, comédie situationnelle) est une comédie dramatique tvir, qui a un tourbillon comique pour le mettre.
Comedy of Characters (Comedy of Sounds) est une comédie dramatique tvir, dans laquelle la comédie gerelom a l'essence même des personnages (zvichaїv), de la comédie et de l'unilatéralité propice, de l'hypertrophie du riz ou de la dépendance (vice, nedolіk).
Une farce est une comédie légère, que la simple comédie du vicaire accepte et qui est risquée pour un goût grossier. Farce sonore des vicoristes au cirque de la plaine.
Vaudeville est une comédie légère d'une intrigue de cirque, dans un yakіy є grand nombre numéros de danse cette chanson. Aux États-Unis, le vaudeville est appelé une comédie musicale. Dans la Russie d'aujourd'hui, cela ressemble aussi à une "comédie musicale", qui se profile sur un vaudeville.
Intermedia - une petite scène comique, qui se joue entre les représentations principales de la représentation principale.
Sketch (eng. Sketch - "eskіz, petits, zamalovka") est une courte comédie tvir de deux ou trois personnages. Sonnez jusqu'à la présentation des sketches sur scène et à la télévision.
Large dans la comédie: "Crapauds" d'Aristophane, "Inspecteur" de N. Gogol, "Likho z rozumu" d'A. Griboyedov.
Vіdomi tvіzіynі sketch-shows: "Notre Russie", "Mіstechko", "Monty Python's Flying Circus".
tragi-comédie
La tragi-comédie est tout un tvir dramatique littéraire, qui a une intrigue tragique d'images de manière comique, mais un tas d'éléments tragiques et comiques. Dans la tragi-comédie, les épisodes sérieux sont combinés avec la comédie, les grands personnages sont combinés avec des personnages comiques. La principale méthode de tragi-comédie est le grotesque.
On peut dire que « la tragi-comédie est plus drôle pour le tragique » ou, plus important encore, « plus tragique pour le drôle ».
Tragi-comédies largement commentées : « Alceste » d'Euripide, « La Tempête » de W. Shakespeare, « champ de cerisiers» A. Tchekhov, films "Forrest Gump", "Le Grand Dictateur", "Le même Munchazen".
Des informations plus détaillées sur ce sujet peuvent être trouvées dans les livres de A. Nazaikin
Création dramatique (dans. Gr. Dіyu), comme epіchnі, vіdvoryuyut podієvі rangs, les gens vchinki ces х vаєmini. Semblable à l'auteur de la création épique, le dramaturge sous les ordres "à la loi de l'action qui se développe". Ale, brûle l'image épique-descriptive dans le drame du jour.
Eh bien, le langage de l'auteur est ici complémentaire et épisodique. Ces listes de particularités, qui sont parfois accompagnées de brèves caractéristiques, sont indiquées par l'heure de ce mois ; une description de la situation scénique sur l'épi des actes et des épisodes, ainsi que des commentaires jusqu'à dix répliques des héros et des remarques introductives sur leurs mouvements, gestes, mimiques, intonations (remarques).
Tout est à devenir un texte d'accompagnement d'une création dramatique. Le texte de yoga principal est toute une série de personnages, leurs répliques et monologues.
Zvіdsi pevna obmezhenіst khudozhnіh opportunités Drame. L'écrivain-dramaturge n'est que partiellement sujet-créateur d'images, à la disposition du créateur du roman, des épopées chi, des nouvelles chi povesti. Les personnages de diyovih osіb sont révélés dans le drame avec moins de liberté et de plénitude, plus bas dans l'épopée. "Je prends le drame", respecte T. Mann, "comme une silhouette mystique et je vois une personne comme une image volumineuse, entière, réelle et plastique."
Chez qui les dramaturges, à la vue des auteurs d'œuvres épiques, sont gênés par ce texte verbal obligé, qui soutient les besoins de l'art théâtral. L'heure de l'image dans le drame du jour peut être placée dans le strict cadre de l'heure scénique.
Et la représentation dans les formes typiques du nouveau théâtre européen dure trois, semble-t-il, pas plus de trois ans. Cela nécessitera une analyse détaillée du texte dramatique.
L'heure jouée par le dramaturge sous le prolongement de l'épisode scénique ne se rétrécit pas et ne s'étire pas ; les personnages du drame s'échangent contre des répliques sans trace d'intervalles horaires commémoratifs, ce discours yogo, comme s'il désignait K.S. Stanislavsky, pour établir une ligne durable et ininterrompue.
Quant à l'aide des roses, la diya semble être comme un temps passé, puis le dialogue des dialogues et des monologues au drame crée l'illusion de l'heure présente. La vie ici pour parler nibi à la lumière de sa propre personne : en même temps, ce qui est imagé, et chez le lecteur il n'y a pas d'intermédiaire-rapporteur.
L'action se déroule dans le drame avec le maximum bezperednistyu. Il fuit devant les yeux du lecteur. « Toutes les formes d'avertissement, écrivait F. Schiller, pour endurer le passé d'aujourd'hui ; tout dramatique timide du passé aujourd'hui.
Le drame est orienté vers la scène. Et le théâtre est un art public, de masse. Vistava se déverse imperceptiblement sur les riches, comme s'ils étaient en colère ensemble à la vue de ceux qui sont devant eux.
Nommé comme un drame, selon les mots de Pouchkine, - travaillez sur le sans visage, occupez-le avec une clique" et pour connaître la "vérité des passions": Les gens, comme les enfants, auront besoin de cicavost, dee. Le drame révèle votre environnement inimaginable et merveilleux. Le peuple exigera des voix fortes. Smіh, pitié et zhah є trois de nos cordes seront révélées, avec un mysticisme dramatique.
Avec des liens particulièrement étroits pour lier le genre dramatique de la littérature avec la sphère du rire, plus le théâtre zmіtsnjuvavsya et se développe en un lien indistinct avec les saints de la messe, dans l'atmosphère de gaieté grieta. "Le genre comique est universel pour l'Antiquité", respectait O. M. Freidenberg.
Il est juste de dire la même chose du théâtre et du drame d'autres pays et d'autres époques. Maverick T. Mann , qui a appelé «l'instinct de comédien» «la première base de toute maîtrise dramatique».
Il n'est pas surprenant que le drame soit lourd au niveau d'une présentation efficace de l'image. La figurativité apparaît hyperbolique, lumineuse, théâtrale lumineuse. «Théâtre de vimagaє perebіlshennyh de grandes lignes comme des voix, des déclamations et des gestes», a écrit M. Boileau. La finalité première du pouvoir de l'art scénique impose inévitablement son propre ami au comportement des héros des œuvres dramatiques.
"C'est comme jouer au théâtre", commente Bubnov ("On the Days" de Gorky) à la folle tirade du Klishch en colère, qui résiste aux intrusions de la chambre de Rozmov et lui donne un effet théâtral.
Significatif (comme les caractéristiques d'une sorte de littérature dramatique) jettent Tolstoï sur W. Shakespeare pour le grand nombre d'hyperboles, à travers lesquelles "la possibilité d'inimitié artistique est détruite". "Dès les premiers mots, - écrire des vins sur la tragédie" King Lear "- on peut voir un dépassement: un débordement de podias, un débordement de sentiments et un débordement de virazivs."
Dans l'évaluation de l'œuvre de Shakespeare, L. Tolstoï se trompe, mais l'idée que le grand dramaturge anglais est prétentieux à l'hyperbole théâtrale est tout à fait juste. Le dicton sur le "roi Lear" avec non moins de justification peut être attribué aux comédies et tragédies anciennes, créations dramatiques classicisme, à p'es F. Schiller et V. Hugo juste.
Aux XIXe-XXe siècles, comme en littérature, la crédibilité de la vie était plus importante, la puissance du drame de l'intelligence devenait moins évidente, souvent la puanteur était réduite au minimum. Bіlya vytokіv tsgogo yavischa soi-disant "petit drame" du XVIIIe siècle. Lessing.
Créez les plus grands dramaturges russes du XIXe siècle. le début du 20ème siècle - O.M. Ostrovsky, A.P. Tchekhov et M. Gorky - ils sont rassurés par l'authenticité des formes de vie qui sont créées. Et pourtant, lors de l'installation des dramaturges, la plausibilité de l'intrigue, l'hyperbole psychologique et moderne ont été prises en compte.
L'intelligence théâtrale s'est donnée la noblesse d'inspirer la dramaturgie de Tchekhov, qui a montré le maximum entre "réaliste". Surpris à la fin de la scène "Three Sisters". Une jeune femme, il y a dix ou quinze ans, s'est séparée d'un peuple kohan, peut-être pour toujours. Et cinq fois plus tard, elle a appris la mort de son fiancé. Le premier axe de la puanteur, à la fois avec l'aînée, la troisième soeur, pour battre les podbags moraux et philosophiques du passé, errant aux sons de la marche militaire sur la part de leur génération, sur l'avenir de l'humanité.
Il est peu probable que vous puissiez montrer ce qui s'est passé pour être vrai. Mais nous ne mentionnons pas l'invraisemblance de la finale des "Trois Sœurs", car elles ont rappelé que le drame regarde évidemment les formes de vie des gens.
On dit que le jugement de A. Z. Pouchkine (d'après le même article cité) change la justice de celui pour qui « l'essence même de l'art dramatique inclut la crédibilité » ; "En lisant ceci, un roman, nous pouvons souvent oublier et penser, ce qui est vrai, ce qui est décrit, n'est pas une supposition, mais la vérité.
Dans l'une, dans une élégie, on peut penser ce qu'il chante, en imaginant sa main droite, dans un environnement réel. Ale de véracité dans la vie, subdivisée en deux parties, dont l'une est remplie de spectateurs, comme s'ils étaient logés.
Le rôle le plus important des créations dramatiques est de poser la mentalité d'auto-révélation des héros, les dialogues et les monologues de ceux-ci, souvent pleins d'aphorismes et de maximes, apparaissent plus spacieux et efficaces, des répliques inférieures, comme une vision dans une vie similaire camp.
Des répliques intelligentes «en vélo», comme si elles n'étaient pas utilisées pour d'autres personnages, qu'ils perebuvayut sur scène, mais bonnes pour les potes potelés, ainsi que des monologues, que les héros agissent seuls, seuls avec eux-mêmes, de tels monologues n'étaient pas rares dans les tragédies antiques, et dans la dramaturgie de l'Heure Nouvelle).
Le dramaturge, mettant en scène son propre type d'expérience, montrant comment une personne traînerait, yakby dans les mots du vin, exprimant son état d'esprit avec un maximum de plénitude et d'éloquence. Il n'est pas rare de connaître l'imitation d'un discours oratoire promo artistique et lyrique dans une œuvre dramatique : les héros traînent ici comme des improvisateurs et chantent le chi maistri des discours publics.
C'est pourquoi Hegel est souvent franc-tireur, regardant le drame comme une synthèse de l'épi épique (podijniste) et du lyrique (expression émouvante).
Le drame peut avoir deux vies dans l'art : la théâtrale et la littéraire. Assemblant la base dramatique des sifflets, butuyuchi à l'entrepôt, la télévision dramatique est également acceptée par le public des lecteurs.
Ale, donc le bula à droite n'est pas loin du départ. L'émancipation du drame de la scène s'est déroulée étape par étape - sur une période de cent ans et s'est terminée dans la même mesure récemment: aux XVIIIe et XIXe siècles. Les traits significatifs de la dramaturgie mondiale (de l'Antiquité au XVIIe siècle) à l'heure de leur création n'étaient pratiquement pas reconnus comme créer littéraire: la puanteur n'était plus à l'entrepôt de l'art scénique
Ni W. Shakespeare ni J. B. Molière n'ont été acceptés par leurs collègues écrivains comme écrivains. Dans l'autre moitié du XVIIIe siècle, Shakespeare a joué le rôle d'un grand poète dramatique, non seulement pour la mise en scène, mais aussi pour la lecture.
Au XIXe siècle (Surtout dans la première moitié de l'année) les drames littéraires étaient souvent mis en scène plus que ceux de la scène. Ainsi, après avoir pensé à Goethe, "ne créez pas Shakespeare pour les yeux du corps", et Griboyedov, qualifiant son bazhanya de "enfantin", ressentez le couplet de "Malheur pour Rose" de la scène.
Nabula est ce qu'on appelle Lesedrama (drame pour la lecture), qui est créé avec l'installation de nous devant nous dans la salle de lecture. Tels sont le Faust de Goethe, les créations dramatiques de Byron, les petites tragédies de Pouchkine, les drames de Tourgueniev, dont l'auteur a parlé :
Les principes d'autorité entre Lesedrama et p'soyu, tels qu'orientés par l'auteur à la mise en scène, n'existent pas. Drami, créant la lecture, souvent potentiellement scénique. Le premier théâtre (parmi eux les modernes) chuchote debout et pendant une heure pour en connaître les clés, c'est pourquoi - les productions réussies de "Lune à la campagne" de Turgeniv (nous sommes célèbres pour la représentation pré-révolutionnaire du Théâtre d'art) et de nombreuses lectures scéniques (vouloir loin et pas loin) de petites tragédies de Pouchkine au XXe siècle.
La vérité de longue date est maîtrisée par la force : le drame le plus important, le plus reconnu, c'est toute la scène. "Ce n'est qu'en présence d'un vicon de scène", nommant O. Ostrovsky, "la vision dramatique de l'auteur enlève la forme complète et gère l'action morale même à laquelle l'auteur est parvenu comme une métaphore."
Les créations de la pièce sur la base de la création dramatique sont liées aux créations avant le Budovo: les acteurs créent de petits rôles intonation-plastiques, l'artiste décore l'espace scénique, le metteur en scène élargit la mise en scène. En lien avec ce concept, le concept est parfois modifié (on accorde plus à certains côtés, on accorde moins de respect à d'autres), il est souvent concrétisé et amélioré : la mise en scène introduit de nouvelles significations au drame.
Quel théâtre a un principe très important de lecture fidèle de la littérature. Le réalisateur et les acteurs ont appelé à transmettre au maximum les déclarations de la télévision aux téléspectateurs. La versatilité de la lecture scénique peut être là, le metteur en scène et les acteurs touchent profondément le tvir dramatique de certaines des principales caractéristiques de fond, de genre et de style.
Les productions scéniques (comme les scénarios) ont moins raison dans les ambiances calmes, si c'est un bon moment (ne le laissez pas faire) un metteur en scène et un acteur avec un enjeu d'idées d'un écrivain-dramaturge, si une scène ludique est doublement respectueuse de le sens de la création mise en scène, aux particularités du genre yogo, style riz yogo du texte.
Dans l'esthétique classique des XVIII-XIX siècles, le zokrem chez Hegel et Belinsky, le drame (le genre de la tragédie est devant nous) était considéré comme la meilleure forme créativité littéraire: yak "couronne de poésie"
La qualité des basses époques artistiques et la vérité se sont avérées plus importantes dans l'art dramatique. Eskhil et Sophocle à l'époque du développement de la culture antique, Molière, Racine et Corneille à l'époque du classicisme n'étaient pas peu égaux parmi les auteurs d'œuvres épiques.
La créativité de Goethe est bien connue pour son plan. Pour le grand écrivain allemand, tous les auvents littéraires étaient disponibles, ayant couronné sa vie avec les créations mystiques de la création dramatique - l'immortel "Faust".
Au siècle dernier (jusqu'au XVIIIe siècle), le drame n'a pas eu moins de succès que l'épopée et est souvent devenu une forme claire d'expression artistique dans l'espace de cette heure.
Tse expliqué par de faibles raisons. D'abord, le rôle majestueux joué art théâtral, accessible (à la vue des livres manuscrits et manuscrits) aux versions les plus larges du suspense. D'une autre manière, la puissance des créations dramatiques (images de personnages avec du riz aux formes pointues, création de passions humaines, gravitant vers le pathétique et le grotesque) à l'époque "pré-réaliste", dans son ensemble, a soutenu les tendances de la littérature et de la littérature. art.
Je veux dans les XIX-XX siècles. un roman socio-psychologique est resté au premier plan de la littérature - un genre de littérature épique, les œuvres dramatiques, comme avant, méritent une meilleure place.
V.Є. Théorie de la littérature de Khalizev. 1999
Dictionnaire dramatique.
Drame(drame / grec / - dіyu) - l'une des trois littératures polonaises, chargée de paroles et d'épopées, d'orthographe sous forme dialogique et d'applications d'influence théâtrale. Le drame appartient au théâtre et à la littérature ; étant la première base du vistavi, elle est immédiatement reprise par la lecture. Le drame s'est formé à partir de l'évolution de la manifestation théâtrale : la présentation des acteurs au premier plan, qui évoquait la pantomime au mot imaginaire, marquait sa revendication comme littérature. Le drame est reconnu pour son inspiration collective, pour laquelle les problèmes les plus graves sont sérieux, et sa base est la protirichcha socio-historique, des antinomies humaines calmes et ignominieuses. Le drame est dominé par le drame - le pouvoir de l'esprit humain, qui est réveillé par des situations, si les ordres du jour chez les gens sont remplis de choses inconnues sous la menace. Le drame, en règle générale, s'inspirait d'un seul conflit externe (ou interne) avec ses rebondissements, lié à une confrontation directe ou interne entre les héros. l'heure de répit (artistique). Le drame a une grande importance pour le développement des personnages, car ils signifient leur obstination et leur auto-développement actif. L'annonce (introduction de la voix de l'auteur dans la phrase, reconnaissance des visniks, narration des personnages sur ceux qui se sont produits plus tôt) est correcte, sinon nous l'appelons quotidiennement. Vimovlenі dіyovimi personov mots utvoryuyut à p'єsі sutsіlnu linіyu, podtverzhenu dіyami. Le mova dans le drame est bidirectionnel : le personnage entre en dialogue avec d'autres personnages (mouvement de dialogue) ou fait appel au regard (mouvement monologique). Mova dans le drame est reconnu pour la grande étendue du théâtre, investi dans l'effet de masse, la théâtralité vikonana, tobto. genre de chant de l'intelligence. A.S. Pouchkine, par exemple, ayant pris en compte, de la meilleure moitié de ses créations « les plus incroyables créent des dramatiques ». її mise en scène.
Dia (dramatique)- personnages vchinki dans cette connexion mutuelle, stockage de l'arrière-plan le plus important de l'intrigue dramatique. Lonely dії - tse vyslovlyuvannya, ruhi, tin, imitent les actes de personnages qui expriment leurs émotions, bazhannya que namiri. Diya peut être familier, basé sur des hauts et des bas (par exemple, dans V. Shakespeare ou J.-B. Molière), et en interne, avec tout changement, ils apparaissent dans la mentalité des personnages en cas de bezpodijnost extérieur (par exemple, dans A. Tchekhov). Zovnishnya diya se manifeste, en règle générale, au point de conflits majeurs, tenant tête aux héros ou à leurs positions de vie, qu'ils blâment, zagostroyutsya et vibrent dans le cadre des images. Intérieurement, vous créez des conflits de manière immanente, résolument, indistinctement aux frontières d'une seule création. Personnages Vchinki vzaєmoobumovlenі, yak i є єdnіst dії, yak (à partir de la "Poétique" d'Aristote) dosi vvazhaetsya standard de construction d'intrigue dramatique.
Conflit(conflictus /lat./ - Zіtknennya) - protirіchchya comme principe de vzaєmovіdnosin entre les images de la création artistique. Conflit du devenir riz maison drame et théâtre. Comme l'écrivait Hegel : « L'action dramatique ne se mélange pas avec les réalisations simples et calmes de l'esprit chantant ; Navpaki, il coule dans la situation de conflits et de zіtknen et succombe à la pression de l'environnement, à l'assaut des prédilections et des caractéristiques, par opposition à vous et vous en dépendez. Ces conflits et kolіzії, avec leur propre force, donnent lieu à diії i, comme au moment du chant, ils appellent à la nécessité d'une réconciliation »(Hegel G.W.F. Aesthetics. M., 1968. T. 1. P. 219). Le conflit dramaturgique est causé par les forces antagonistes du drame. Étant la base de l'il dans dans dans І dans і, le conflit du principal troupeau à l'intrigue: la première fois - l'exposition - l'exziya, la montée et le conflit, la subpoennia, la noblesse du conflit - le Kulminati, est le conflit yazkova). Le plus souvent, le conflit ressemble à une collision (le mot est synonyme de conflit), c'est-à-dire. à la vue de l'opposition ouverte entre les forces opposées. Le conflit est mis en cause, si le personnage, essayant de résister à son propre but (amour, pouvoir, idéal), de résister à un autre personnage, s'en tient à un basculement psychologique, moral et fatal. Le résultat du conflit sera inévitablement lié au pathétique : vous pouvez alors être comique. nous nous réconcilierons ou serons tragiques, si l'une des parties ne peut pas agir sans connaître shkodi (et jusqu'à présent en jachère en raison des spécificités esthétiques du pathos). - Supernition de deux personnages pour des raisons économiques, amoureuses, morales, politiques et autres ; - Le conflit de deux clairvoyants, deux morales inconciliables ; sinon, entre deux « camps », ils tentent de se faire un héros par eux-mêmes ; - conflit d'intérêts d'un particulier et d'une entreprise ; Le conflit (collection) se réalise le plus souvent sous la forme d'un duel verbal, dans la lutte verbale avec des arguments et des contre-arguments, il y a aussi un pré-verbal et un monologue pour vikladu mirkuvan, qui reflète ces idées zіtknenny. L'ordre du conflit-collision, c'est-à-dire le conflit ovnishnim, au XXe siècle. un tel phénomène est apparu, comme un conflit interne, comme un rozirvannost global éternel et sans vie d'une personne, contre le social et biologique, svіdomogo et pіdsvidomogo, nerazvjazne protirіchchya autosuffisant indivіda z vіdchuhennuyu vіd nouvelle réalité. Bien que le conflit extérieur soit si viable dans le cadre d'une création, le conflit intérieur, basé sur la lutte d'une personne avec elle-même, ou la lutte des principes universels, dans le cadre d'une intrigue, ne peut être virulent et semble être substantiel; ici la dialectique succombe au monde plus vaste, suscitant la création la plus artistique, frottant entre la forme et la lumière, la composition et le thème, entre la « texture » et la « structure » (L. Vigotsky), le sujet de ce zmіst d'expression artistique (div. : théâtre de l'absurde).
Exposition(exposito, expouere /lat./ - afficher pour montrer) fournissent les informations nécessaires pour évaluer la situation et la comprendre, telle qu'elle sera présentée. Connaître l'exposition est particulièrement important pour le journal de l'intrigue enchevêtrée. Pour la dramaturgie classique, l'exposition n'est pas concentrée sur l'épi du p'esi et est souvent localisée dans la description d'un ou plusieurs personnages. Si la structure dramatique se détend, le conflit n'éclate pas, mais se déplace plutôt sur l'épi (par exemple, conflit existentiel, drame intellectuel, etc.), après quoi une analyse des raisons pour lesquelles il est né est suivie, puis l'ensemble un texte offensant peut devenir une grande exposition, une telle compréhension consomme sa signification spécifique. L'exposition est significative pour le p'esi tim, pourquoi y mettre de la nourriture, comment elle montre le développement du conflit : Qui est le protagoniste ? De quoi sont-ils nés, qu'est-ce qui les rapproche, quels sont leurs objectifs ? Comme l'hostilité, viroblene p'soyu ? Quelle est l'ambiance et quelle est la réalité de la création ? Comme la logique du monde sage est imprégnée de logique vraie lumière, Quelles sont les règles (du monde de l'intelligence) ? Comment comprendre les motivations psychologiques, sociales et amoureuses des personnages ? Quelle est l'idée de la performance, comment établir un parallèle avec le monde réel ? Ainsi, dans un sens large d'exposition, il existe des codes idéologiques, verbaux, visuels (comme il y en a pour les insinuations sur scène) pour que la mère ait son propre hommage au vigadanisme des podiums, représenté par un création. Le zav'yazka est une chaîne d'événements dans une œuvre dramatique, qui marque le début du développement de diї dans un et seulement quelques-uns directement, en même temps la destruction du conflit dramaturgique.
Climax(culmen /lat./ - pic) - un podia, qui marque le moment naïf du développement (chi de destruction) du conflit : le conflit d'escalade vers le bord, comme une montée, et émotionnellement, loin - moins de une rozviazka.
Rozviazka- Cet épisode d'une création dramatique, qui est résiduellement utilisé par les conflits. Lors du conflit rozv'aztsі, vous pouvez virishiti avec l'aide de l'un des côtés du pardon superechki chi z'yasuvannya, qui a servi de noyau au conflit; vous pouvez le retirer après le changement de situation post-mortem, si les parties adverses se sont levées dans les courts du parquet, rien n'apparaîtra; il peut y avoir des représentations d'une «finale critique» (sinon, se tourner vers une situation d'épi sur un pieu), des éclats peuvent être autorisés aux limites de l'intrigue présentée. Dans le drame antique et le classicisme dramatique, le deus ex machina ("Dieu de la machine") était gagné, si seulement les forces divines (autrement connues par rapport à l'intrigue) envahissaient le bâtiment sans répit.
intrigue(intricare / lat. / - confondre) - une méthode d'organisation d'un flux dramatique avec des hauts et des bas supplémentaires. L'intrigue est plus proche de l'intrigue, plus basse de l'intrigue, et est liée à une séquence détaillée de virages incohérents de l'intrigue, entrelacés et à une série de conflits, de décalages et de koshtiv, qui sont victorieux par les personnes ludiques pour leur habillage . Vaughn décrit l'aspect extérieur et visible du développement dramatique, mais pas le mouvement intérieur profond.
vicissitudes(peripeteia / grec / - changement imparable) - tour imparable de la situation chi dії, changement brutal. Selon Aristote, les vicissitudes commencent à une heure, si la part du héros est de voler le passage du bonheur au malheur chi navpaki. Pour le sens moderne, péripétie signifie souvent colère et chute, entrée, ou un épisode moins significatif qui suit un moment fort de dii.
Mova dramaturgie(discours théâtral et dramatique). Dans l'obsession du discours théâtral, on peut voir une mise en scène promotionnelle et un personnage promotionnel, de telle manière, on peut parler de langage scénique (discours) comme une performance sensuelle, et dans un texte sensuel p'esi, qui désigne l'acte de parler sur scène. Le texte théâtral (texte dramatique, texte p'esi) n'est pas un rêve de rêve, mais écrit mentalement, qui représente un rêve de rêve. De cette façon, sous la promo, il est porté sur l'uvazit, qui exalte la scène zastosuvannya de l'activité de mouvement sous la forme d'un vislovlyuvannya (comportement verbal) au non verbal (disparition visuelle) : gestes, mimétisme, ruhi, costumes, corps, accessoires, décorations. Le texte théâtral est réalisé en règle générale, sous des formes dialogiques et monologues. Rozmov entre deux personnages ou plus est un dialogue dramatique, bien que dans le cadre du dialogue, vous puissiez voir l'interaction : entre des personnages visibles et invisibles, entre un être humain et la primara de Dieu, entre un être humain spiritualisé et des objets inanimés. Le critère principal du dialogue est la communication et l'interchangeabilité. Le dialogue est accepté comme la forme principale et la plus voyante du drame. Le monologue, en revanche, se présente comme un élément décoratif qui ne soutient guère le principe de crédibilité. Cependant, dans un drame classique, le dialogue peut être davantage une séquence de monologues, ce qui permet une plus grande autonomie, moins d'échanges de répliques. Moi, par contre, riche en monologues, ne respectant pas la colère du texte, parlant, rien d'autre, comme les dialogues du personnage avec une partie de lui-même, avec un autre personnage évident, ou avec la lumière du monde, nous fera appel au certificat. Le dialogue dramatique se caractérise par un taux élevé de "livraison" de répliques, moins d'une fois un duel verbal. Zgidno avec une règle générique non écrite, le théâtre a un dialogue (comme et être comme un personnage de langage) et agit par le mouvement. Les zavdyaks du dialogue du spectateur commencent à voir la transformation du monde entier de vistavi, la dynamique du bricolage. Le dialogue et le langage sont les seuls éléments d'action dans le p'esi, les fragments d'un même acte de mouvement, la parole de phrases et les phrases dans le drame sont la seule action efficace - une action de parole.
Monologue, avec sa propre vocation, il est reconnu comme le langage du personnage, il n'est pas brutal sans intermédiaire à l'esprit du vieil homme, avec la méthode d'enlever au nouveau. Le monologue d'Oskіlky a été pris comme s'il était antidramatique, dans un drame réaliste et naturaliste, le monologue n'était autorisé que dans des situations de vinnyatkovyh (malheureusement, au camp du sommeil, comme s'il s'agissait de pochuttіv), et la dramaturgie de Shakespeare et le monologue dramatique romantique étaient même plus populaire. Le monologue s'appelle un dialogue interne, qui est formulé par une «mine interne» spéciale, à laquelle je participe, parlant et entendant I. misce), lyrique (un monologue que le héros se déplace à un moment de forte expérience émotionnelle, qui aide à ouvrir la sphère des sentiments), un monologue-penser ou un monologue-accepter une décision (le héros est dans une situation choix moral Je donne mes propres arguments "pour" et "contre"). Pour sa forme littéraire, le monologue peut être : - un monologue, traduisant le camp du héros ; - un monologue, lié à la dialectique de mirkuvannya, si l'argumentation logique est présentée dans une séquence visuelle de significations et d'oppositions rythmiques ; – un monologue intérieur, ou « le flux d'informations », si le personnage parle avec une moustache, que l'on tombe dans la pensée, sans se soucier de la logique, dorechniste et de la finalité du discours ; - un monologue, qui exprime directement la parole de l'auteur, si l'auteur s'adresse sans intermédiaire au public, qu'il s'agisse d'une sorte de dispositif d'intrigue, parfois sous forme musicale, avec une méthode de pouvoir regarder ( confirmer votre position auprès de Yogo) ou provoquer Yogo ; - un monologue-dialogue sur soi, un dialogue avec une divinité qui est un autre personnage hors scène, un dialogue paradoxal, si l'un parle, et l'autre ne parle pas. Dans le drame du XXe siècle, en particulier chez Brechtivsky et post-brechtivsky, le point principal est la succession de promos qui avancent en cours de route, et pas seulement les personnages avec leur propre individualité, dans un tel rite, le monologue se met à pleurer Ainsi le discours théâtral et dramatique se transforme-t-il en un monologue du mouvement principal (de sorte que c'est une instance qui remplace l'auteur) ou en un dialogue direct avec le spectateur.
réplique- Le texte, qui est la façon dont le personnage se déplace au début du dialogue au début du dialogue, ou que ce soit autrement. La réplique a moins de sens dans le cas des répliques vers l'avant et des répliques vers l'avant : réplique/contre-réplique, mot/contre-mot, action/réaction. L'échange de répliques crée l'intonation, le style grie, le rythme de la mise en scène. Brecht précisant que la mise en scène des répliques est basée sur le principe du tenisu : les sons faisant vibrer cette intonation se balançant, car ils imprègnent toute la scène » (Brecht B. Voir Theatrarbeit. Francfort, 1961. 385). Répondre pour maintenir vivante la dialectique de la vidéo et de la nourriture qui fait avancer le deya.
Appartement(aparte / français /) - la langue du personnage, car elle ne s'adresse pas à l'orateur, mais à lui-même (et aux publics). Vaughn se souvient dans son monologue de sa brièveté et de son inclusion dans le dialogue. Aparte est la réplique d'un personnage qui s'est précipité, écouté « vipadiquement » par le public, mais qui s'adressait à ceux qui ont été adoptés dans le cadre du dialogue, qui jouaient. En règle générale, l'appartement est marqué d'une remarque - "tuer" ou la chanson de la présence mal placée du personnage sur l'avant-scène. Dans l'appartement, le personnage n'est en aucun cas une brèche, les éclats ne se mentent pas à eux-mêmes et ils montrent les noms corrects de leurs propres sentiments. Les moments de vérité intérieure sont révélés par leurs propres "temps d'arrêt" au développement de diї, sous l'heure d'un tel coup d'œil, ils tournent leurs pensées. Évidemment, l'appartement peut avoir une fonction "épique". (Vous pouvez admettre que les zongs du "théâtre épique" de Brecht ne sont rien d'autre, comme à part). L'aparthe ajoute un monologue, les fragments véhiculent une réflexion sur soi, "clignotant" le public, informant, louant la décision, atteignant le public trop finement.
Sololokvіy(solus / lat. / - one i loqui / lat. / - speak) - mova, bestial à lui-même, synonyme de monologue, et de monologue plus bas, les éclats créent une situation dans laquelle le personnage raconte sa situation psychologique et morale , zavdyaki théâtral Cleverness actualise un monologue intérieur pour un peep-to-mouth. Sololokvіy vіdkrivає vіdkrivає vіdkrivає dans l'âme du personnage invіdome en réflexion: zvіdsi іоgo signification épique, pathos lyrique et zdatnіst se transforment en un fragment, lui donnent une signification autonome, comme, par exemple, le soloikov de Hamlet sur la fondation. Solilokvіy vravdanyy dramі tim, scho buti vymovleno au moment du choix moral, au moment où je plaisante, tobto. ensuite, si le dilemme peut être formulé à voix haute. Sololokvіy pour ruiner cette illusion théâtrale et une intelligence théâtrale pour établir un contact direct avec le public.
L'auteur du drame(Auteur de p'esi, dramaturge) - pendant longtemps la profession d'auteur de p'esi n'était pas indépendante. Jusqu'au XVIe siècle - Juste un post-travailleur de textes, des gens de théâtre. Tout comme à l'époque de la Réforme, à l'époque du classicisme, le dramaturge devient spécial dans le suspіlnomu rozumіnі, spécial, car il joue le rôle le plus important dans le travail des manifestations. Au cours de l'évolution, le théâtre peut jouer un rôle disproportionné dans le rôle du metteur en scène et du metteur en scène (dont les fonctions ont été nommées au plus tôt à la fin du XIXe siècle) et surtout dans le rôle de l'acteur, qui, après les mots de Hegel, est devenu moins un «instrument, sur lequel l'auteur , éponge, qui capte farbi et les transmet sans aucun changement »(Hegel G.W.F. Aesthetics. M., 1968. T. 1. S. 288). La théorie contemporaine du théâtre peut tendre à remplacer l'auteur comme thème global du discours théâtral par un processus complet de développement, un équivalent deakim d'un narrateur (révélateur) comme le texte d'un roman. Le sujet de l'auteur peut être pris dans des discours scéniques, des remarques, des textes de chœur du résonateur. L'auteur s'intéresse à la structure de l'intrigue, au montage de l'intrigue, à l'importante séquence perceptible des perspectives et aux contextes sémantiques des personnages du dialogue. Nareshti, s'il existe un texte classique, de forme uniforme, la paternité se manifeste invariablement, quels que soient les rôles impersonnels. , comme forme de texte pour une scène de création, une pièce d'auteur, une pièce de théâtre spécifique et un public d'accueil.
Didascalie(didascalia /grec/ - povchannya, navchannya) - au théâtre grec antique, les protocoles et les productions de tels spectacles dramatiques. Il y avait des inscriptions sur les dalles de marmur, les noms des dramaturges et des protagonistes, les noms des p mis en scène et les résultats de la magie. Deyakі pipis z didaskaliy, zdіysnenі Aristote i vcheni epokhi ellіnіzmu, dіyshli dans les manuscrits de tragédies et de comédies, vіdіvі à okremy p'єs. Au rozumіnnі moderne - poovchannya, donné par l'auteur à son vykonavtsy comment interpréter le texte de la lettre, similaire à la compréhension des introductions de scène (remarques).
remarque(remarque / français / - note, marque), introductions de scène - la note de l'auteur du lecteur, réalisateur et acteur dans le texte p'єsi, scho pour venger une brève description de l'atmosphère du diї, zvnіshnostі, manières du wimov et le comportement des personnages. A un tel rang, qu'il s'agisse d'un texte qui ne fait pas office d'acteurs et de rendez-vous pour faciliter la présentation des mœurs. ISnuvannia des scènes du même substantiel, le théâtre était le dernier théâtre, il a été nettoyé en même temps dans le théâtre antique, le drame nommé їkhno, et la mélodie du mélodrame est un drame naturel. Le texte ne nécessite pas d'introductions sur scène, si dans le nouveau lieu toutes les informations nécessaires sur l'environnement d'action et l'environnement qui les excite. Ale naprikintsi ХІХ siècle. celui du XXe siècle. l'auteur du pragmatique yakomoga définit plus précisément et plus subtilement les coordonnées de l'espace-heure, la lumière intérieure des personnages dans cette atmosphère de la scène - ici la voix d'une reconnaissance est nécessaire, dans un tel rite, le théâtre se rapproche de la forme du roman . Des performances scéniques similaires peuvent se transformer en un long monologue interne qui décrit des discours sur scène, ou une pantomime, qu'un dialogue est préparé, etc. Les introductions scéniques, ou les propos sont présentés comme faisant partie d'un tout : le texte du paragraphe + les introductions = métatexte, qui exprime les dialogues et l'ensemble de la production dans son ensemble. En conséquence, la «correction» de l'auteur est rognée, les performances sont rognées, l'interprétation est ordonnée. Ainsi, les performances scéniques sont similaires aux performances du réalisateur, la remarque au vistavi.
Sous-texte(sous-texte /eng./) - au sens du mot, il dénote l'attachement d'un sens implicite, qui va avec un sens direct ; sous-texte à établir selon le sens et l'expressivité, selon les particularités de la situation actuelle. Le sous-texte vinikaє comme zasіb zamovchuvannya, pensées postérieures et apporte de l'ironie. Et ici « les sens lexicaux directs des mots cessent de formuler et de signifier le sens profond de la promotion » (U. Vuzhche comprend que le « sous-texte » blâme le « nouveau drame » au tournant des XIXe et XXe siècles. et tous les autres drames du XXe siècle. Le sous-texte, ou "dialogue d'un ordre différent" (M. Maeterlinck), ou "flux sous-marin" (Vl. Nemirovich-Danchenko) est étroitement lié à l'action interne et peut exprimer un complexe de pensées et de sentiments, qui sont cachés dans le texte, qui sont joués par des personnages, mais pas Stilki rozkrivaєtsya en mots, mais en pauses, en monologues internes sans voix. Dans cet ordre, le sous-texte est tout ce qui n'est pas explicitement énoncé dans le texte, mais il est évident que le texte est interprété par l'acteur. Le sous-texte devient une sorte de commentaire, qui est donné au rôle de l'acteur et à l'ensemble de la production, ce qui aide à examiner les connaissances internes nécessaires pour corriger le plus récent sprinyattya vistavi. Le point de compréhension est théoriquement expliqué par K. Stanislavsky, pour qui le sous-texte est un outil psychologique qui informe sur l'état intérieur du personnage, qui établit une distance entre eux, comme il est dit dans le texte, et qui est montré sur la scène, ce sous-texte peut être appelé que psychologique et psychanalyste , quel acteur est laissé sur l'image de son personnage dans le processus.
Surtexte(par analogie avec le sous-texte) reprochés dans les créations dramatiques à une intrigue borderline intelligente, à des personnages fonctionnels, qui n'apparaissent pas hors de leur déterminisme social, mais plutôt de subtiles expériences psychologiques, mais c'est à la volonté de l'auteur, illustrant le dérange Dans de telles œuvres dramatiques, l'intrigue est simple, elle est primitive et recule, il est important pour l'auteur du premier appel au déjà familier (navit zagalnovidomogo) dans le matériel de culture légère, qui est à l'aide de la stylisation, rhétorique, décor. Vіn vikoristovuє pour la compréhension de la situation morale, psychologique et politique actuelle. Le surtexte crée l'intrigue d'une p'esi-parabole (comme c'est un déchiffrement, donc c'est un cryptage), la structure d'une parabole dramaturgique.
Intertexte– basé sur la théorie de Roland Brat sur l'intertextualité, il y avait une déclaration sur ceux que le texte de l'esprit de l'esprit du fonctionnement des textes avant, comme s'il se transformait en un nouveau. Le texte dramatique et théâtral (visuel) peut être placé au milieu de compositions dramatiques et de réceptions scéniques. Le réalisateur peut inclure des textes de tiers dans le tissu, les lier thématiquement, parodiques ou créer des roses pour expliquer le yoga à une aube plus basse. Intertext transforme le texte en original, "conduit" l'intrigue linéaire et l'illusion théâtrale, fixant deux rythmes, souvent prolongés, un type d'écriture, un texte chaud à l'original. L'intertextualité est également nécessaire, si dans un même décor, avec la participation des acteurs eux-mêmes, le metteur en scène met en scène deux textes, qui se croiseront inévitablement entre eux.
Prolonger cette heure de dramaturgie – heure artistique i étendue (chronotope) є les caractéristiques les plus importantes l'image artistique, qui assure l'intégrité de l'activité artistique et l'organisation de la composition de la création. L'art du mot appartient à un groupe de mysticismes dynamiques, temporels, où l'image artistique, rugissant à l'heure (succession du texte), de sa propre lumière crée une image spatio-horaire du monde, avant qu'elle n'ait un aspect symbolique et idéologique précieux. Le problème du chronotope est décomposé dans l'art de la science de la littérature, nasampé, comme une épopée. Pour sa part, à travers la nature syncrétique des drames, il est possible de parler de la caractérisation spatio-horaire non seulement d'un texte dramatique, mais d'un texte théâtral.
Heure- l'un des éléments importants du texte dramatique de toute image scénique. En raison de la double nature de l'heure, il est nécessaire de désigner une heure, à laquelle la personne qui regarde fixement (alias l'heure de scène), est l'heure que l'auteur reconstitue à l'aide d'un système de signe supplémentaire (alias l'heure hors scène). L'heure de scène est une heure, la vie d'un spectateur, un certificat de représentation théâtrale (c'est-à-dire l'heure, la fin du vistavi). L'heure scénique s'inspire des signes temporels et spatiaux de cette performance : vue d'objets, scènes d'action, tonnerre d'éclairage, sorties et entrées d'acteurs de la scène, se déplaçant finement. Le système cutané de ces signes a un rythme et une structure.Heure supplémentaire (chi dramatique) - cette heure arrive, c'est-à-dire une sorte de performance rugissante. sa propre intrigue de la pièce, les explications ne viennent pas des podiums, qui sont implicitement révélés, mais de l'illusion de ce qui se passe, il est devenu soit dans le monde du possible, soit dans le monde des fantasmes. L'heure dramatique signifie la prolongation de l'histoire et de l'intrigue, l'intrigue et l'intrigue, l'histoire et l'explication, et le très spivvіdshlennja entre la séquence chronologique des éléments dans l'ordre strictement chronologique sous et les illusions de l'ordre chronologique dans la représentation théâtrale. L'effet de l'heure théâtrale pour un spectateur est dans le fait qu'on oublie sa culpabilité, là où l'on sait : on vit dans l'heure présente, mais quand on se tarit et pénètre dans un autre monde, manifesté dans le monde, comme, dans sa propre ligne, semble être vécue par la droite - qui a une intelligence théâtrale particulière. L'expression du philosophe français Etienne Suriot revient : « Tout le théâtre est existentiel, c'est le plus grand triomphe, c'est l'acte héroïque de celui qui étourdit l'âme du personnage » (Cité par : Bentley Erik. Vie de drame. M., 1878. P.5) L'heure dramatique peut être encore plus triviale (par exemple, dans les chroniques historiques de Shakespeare), mais elle ne se réalise que par l'étirement d'une manifestation et trois deux ou trois ans. De l'esthétique vimagala au classicisme, si bien que l'heure dramatique coïncidait avec l'heure scénique, mais elle conduisait aussi à une esthétique naturaliste, si la réalité scénique reflétait le dramatique « grandeur nature ». C'est typique d'une représentation moderne, si l'heure dramatique n'est pas célébrée, l'heure de la scène est dépassée par elle-même wimisl artistique cette manifestation zovnіshnіm de l'heure sur la scène. Rarement, il devient possible d'élargir la portée de l'heure scénique, ce qui signifie même un court écart avec l'heure du jour (par exemple, chez M. Maeterlinck, J. Priestly, dans le théâtre de l'absurde). - aspect fonctionnel de la créativité). Et ici, l'heure de la représentation scénique est rappelée (moment historique, si la télévision était mise en scène sur scène, quel genre d'appellation est le réalisateur); la partie historique de cette logique du yoga est représentée par l'intrigue ; l'heure de la création est égale au théâtre, au style des acteurs de cette heure historique.
Étendue(théâtrale) (espace dans le théâtre / eng. /) - comprendre ce que zastosovuetsya à d'autres aspects de la production. Vous pouvez essayer de voir l'image de l'espace théâtral : a) un espace dramatique, c'est-à-dire. ceux, dont on trouve dans le texte, sont une étendue abstraite, créée par le lecteur et cherchant de l'aide ; b) l'étendue de la scène - l'étendue réelle de la scène, démontrant l'action; pour le public « l'architecture chantante, les tours chantantes du monde, créées, au premier rang, les acteurs eux-mêmes et les metteurs en scène du spectacle ; sur scène (pov'yazane z comprendre la mise en scène) ; e) étendue textuelle - l'étendue de la matérialité graphique, phonétique et rhétorique, l'étendue de la partition, l'enregistrement de répliques et de didaskalia, vinikatodі, si le texte des devoirs n'est pas destiné à une étendue dramatique, mais à des représentations visuelles du matériel pour la perception visuelle et auditive; e) l'espace de l'intérieur - le même espace scénique, où vous essayez de révéler les fantasmes, les rêves, le dramaturge ou l'un des personnages. A première vue, le théâtre est un lieu de l'ordre ancien, où l'on peut aller jusqu'à regarder la scène, s'en éloigner selon son apparence. Derrière Hegel, le lieu de l'objectivation et de la confrontation mettait en scène les salles, donc l'étendue de l'évident, du visible. Mais le théâtre est aussi un lieu où s'introduit le processus d'auto-projection d'un spectateur (catharsis et auto-identification). De la même manière, l'interpénétration du théâtre devient « l'espace intérieur » du regardeur lui-même, la capacité à se développer et toutes ses capacités. De cette façon, l'espace scénique est façonné et zabarvlyuєtsya glyadatsky I. L'espace dramatique transmet l'image de la structure dramatique de l'intrigue, qui comprend les personnages, leurs personnages et le bleu entre les personnages. L'étendue dramatique sera nous avec l'amélioration des remarques scéniques de l'auteur, comme une sorte de prémisse pour la scène avec des fonctionnalités supplémentaires spacieuses et horaires, comme un dialogue. De cette façon, le spectateur de la peau crée sa propre image subjective d'un espace dramatique et il n'y a rien de merveilleux dans le fait que le réalisateur-producteur ne choisisse qu'une seule des scènes spécifiques possibles vtіlen. Étendue dramatique - cette étendue de vision qui, avec sa propre noirceur, se déverse dans la scénographie. Ici on reproche l'éternelle nourriture à ceux qui sont les premiers : scénographie et dramaturgie dans la production de vistavi. Je veux, évidemment, d'abord placer le prochain endroit pour mettre un concept dramatique, alors. conflit idéologique entre personnages, déménageurs
L'intrigue et l'intrigue du drame . L'intrigue (fabula /lat./ - rozpovid, conte) - est la base de la créativité, qui se reflète dans des détails artistiques spécifiques et est disponible pour le développement post-artistique, le récit (souvent derrière la mythologie, le folklore, la littérature, l'histoire, les journaux, etc. .) . Le terme fabula korelyuє (spіvvіdnositsya) du terme complot (sujet /français/ - sujet). "L'école formelle", peut-être, a été conceptualisée plus tôt par des mots. Selon l'obscurité des représentants d'OPOYAZ, puisque l'intrigue indique le développement des personnages eux-mêmes dans la vie des personnages, alors l'intrigue est le chemin et la façon dont l'auteur en parle. En même temps, la science a adopté une telle division : l'intrigue est la matière de l'intrigue ; c'est-à-dire que l'intrigue est comme un continuum de subdivisions et de motifs pour la connexion causale-inférentielle logique actuelle ; l'intrigue, en tant que séquence de subdivisions tranquilles elles-mêmes, et les motifs de ces séquences et connexions, en quelque sorte à leur sujet, sont confirmés par le travail des séquences artistiques (compositionnelles) et toute la figuration. De cette façon, l'intrigue d'une création artistique est l'une des raisons les plus importantes pour encadrer les pensées d'un écrivain, exprimées à travers l'imagerie verbale de ces personnages dans leurs actions individuelles et dans leurs voix, y compris dans l'agitation émotionnelle, "les gestes » des gens ou de la parole, qu'ils « bougent ». de la théorie de l'auteur B. Korman, l'ordre du formellement compréhensible à l'intrigue, comme la totalité des éléments "au texte, unis par le sujet principal (celui qui perçoit cette image) ou l'objet principal (le celui qui le perçoit est imagé)" ; "Twir dans son ensemble est une unité de parcelles impersonnelles d'égaux et d'engagements différents, et en principe il n'y a pas d'unité unique dans le texte, car il ne serait pas inclus dans l'une des parcelles" (B. Korman. .Kuibishev, 1981 .S. 42.). De cette manière, on peut supposer qu'une unité égale de l'intrigue peut être un élément post-texte, un surtexte, un sous-texte et un métatexte. Il est nécessaire de noter qu'il est de coutume de parler de la spivvіdnoshennia de l'intrigue et de l'intrigue plus important que de la création épique. Oskіlki dans le drame classique directement le mot de l'auteur dans le texte dramatique est insignifiant, alors l'intrigue d'une œuvre dramatique est aussi proche que possible de la ligne de l'intrigue. conflits, picorage, rozvyazka - dans l'espace / heure dramatique (intellectuel). Mais le scénario ne couvre pas le texte lui-même, comme au 20e siècle. le langage dialogique et monologue des personnages envahit de plus en plus l'élément narratif, derrière lequel se dresse l'image de l'auteur, qui façonne l'intrigue. Je ne trouve évidemment pas le texte de la production de p'esi au théâtre. (Le théâtre moderne joue, joue et représente non plus l'intrigue, mais l'intrigue (dans l'interprétation de l'auteur) d'une création dramatique. Les éclats de l'intrigue des drames du XXe siècle ne sont pas seulement une lance de la vie sociale, qui est un copie de l'idée réelle de l'auteur, mais un chant quelques réflexions sur la suspіlstvo humaine sont exprimées. Dans le processus de travail sur le whist, l'intrigue est connue dans le développement post-étudiant, non seulement sur l'éditorial égal et le texte, mais aussi sur le processus égal de mise en scène qui gr: les scènes, le robot sur le rouleau et la motivation des personnages , la coordination des différents arts de la scène, etc. Créer l'intrigue de la production à partir de l'intrigue - cela signifie donner une interprétation ( au texte pour le metteur en scène et à voir pour le spectateur), signifier choisir le concept, montrer les accents. si l'intrigue dramatique (comme i, comme et épique) est adéquate au texte du poème, alors plot peut être considéré comme un invariant du texte des escales à la gare de la vie quotidienne.
personnage, héros, nature, image –
1. Personnage (persona /lat./ - masque, déguisement : personnage /français/ ; personnage /angl./ ; figure /germ/ ; Évolution à venir Le théâtre a besoin de voir la double fonction du personnage, de rapprocher le personnage de la compréhension du personnage, ce qui aide à comprendre le "personnage" pour comprendre l'essence sociale, psychologique et morale du héros. ri Zin, le personnage était le personnage était un chanteur de l'artiste, un artiste, un type, type, sous-marin, et un destin d'un drame du drame de son propre socialiste. le personnage du drame du XXe siècle, le caractère acquiert un certain nombre de nouvelles qualités, qui évoquent l'image du yoga de l'image de l'auteur, de l'individualité de l'acteur et du contexte intertextuel (il n'y a pas de projet de « théâtre dans le théâtre »).
2. Héros (héros /grec/ - sang dieu chi peuple déifié) - une image artistique, l'une des désignations de la base solide d'une personne dans la totalité de l'image, de la façon de penser, du comportement et de la lumière spirituelle dans l'art du mot . Dans la dramaturgie, originaire des temps anciens, le héros est le même type de personnage, doté d'une force et d'une puissance vibrantes, certains peuvent sembler brillants, une part est le résultat d'un libre choix, je crée mon propre camp et je me dresse contre la lutte pour le conflit moral, à ma manière chi pardon. Le caractère héroïque n'est au demeurant que le même, si les p'esi (social, psychologique et moral) sont complètement disposés dans l'identité du héros et que l'identité est un microcosme de l'univers dramatique. Parfois, le concept de "héros" forme un rôle théâtral - un héros / héroïne (similaire au concept de "protagoniste"). À partir du XIXe siècle. Un héros est appelé un personnage tragique et comique. Vin passe sa signification de l'œil et ne gagne qu'un seul sens: personnage principal création dramatique. Le héros devient négatif, collectif (le peuple est dans certains drames historiques), insaisissable (le théâtre de l'absurde), non scénique. Le héros moderne ne peut pas être plus à la limite, il ne peut pas prendre position comme la réalité. Z XIX Art. je dans théâtre contemporain Le héros peut regarder son jumeau ironique et grotesque - l'anti-héros. Des éclats de valeur, que le héros classique (protagoniste) chérit, ou chutent au prix, ou rebondissent, l'anti-héros est la seule alternative pour la description du vchinkiv humain. Chez Brecht, par exemple, l'être humain est démantelé, réduit à l'état d'individu, intérieurement super-intelligent et intégré à l'histoire, comme une manière de signifier une vie plus grande, une culpabilité et une suspicion moindres. Le héros ne peut survivre à la réévaluation des valeurs et à la diffusion du pouvoir du savoir, mais pour survivre, il doit prendre l'image d'un anti-héros (un anti-héros semblable à un héros marginal).
3. Image (artistique) - la catégorie de l'esthétique, qui caractérise les particularités, la puissance de l'art, la manière de maîtriser cette transformation de l'action. L'image est appelée être-comme une manifestation, créée de manière créative dans télévision artistique. La spécificité artistique de l'image ne se distingue que par le fait que nous voyons et comprenons la réalité essentielle, et l'autre fois, que nous créons de nouvelles prédictions incroyables du monde. L'image artistique atteint la transformation créative de la matière réelle : farb, sound, sliv toshcho. "Rich" (texte, image, performance) est créé un par un, qui prend sa place particulière parmi les objets du monde réel. L'image de la scène est proche de la compréhension la plus large de la catégorie esthétique, en tant que forme de transformation et de transformation de l'action par le biais de l'art théâtral. Un sens élevé sous le rang de scène a une image spécifique de la manifestation de l'action, qui est montrée, créée par un dramaturge, un réalisateur, des acteurs, un artiste, une image de la vie, du personnage, du personnage. La compréhension de l'image scénique entre, d'abord pour tout, l'image de l'ensemble du spectacle, l'intégrité artistique et l'interaction de toutes ses composantes combinées par l'idée du metteur en scène et les instillations de yoga, et pour le grand sensei - le personnage-image, créé par l'acteur. L'image joue le rôle de la pratique théâtrale contemporaine ; Prenant la nature visuelle du vistavi, le théâtre crée sa propre image figurative. La mise en scène est toujours plus imaginative, mais plus ou moins évidente et "évidente" fait l'objet d'un discours théâtral, qui est représenté par la lumière de la figure à la lumière de la création d'images, qui se rapprochent de la réalité. A cette heure, la scène est proche du paysage, ou une image nette, elle podolala imitation de la parole, ou reconnaissance. Ayant cessé d'être une « machine à gris », le théâtre ne deviendra plus une « machine à rêves », tobto. comme si le monde se tournait vers l'ancienne image syncrétique du prateatru, le sous-texte de sensu à la vue de ce témoin est beaucoup plus grand, plus bas, la manifestation qui est imagée.
4. Caractère (karahter / grec / - image d'un signe) - l'image d'une personne dans une œuvre littéraire, à travers laquelle elle révèle, en tant que type de comportement socialement et historiquement intellectuel, vchinka, pensées, la langue est mince, de sorte que le concept moral et esthétique de la fondation est puissant pour l'auteur. Caractéristiques des personnages p'si є suupnіst des figures physiques, psychologiques et morales de l'autre personne. Le personnage se manifeste le plus clairement dans le drame de l'ère de la Renaissance et du classicisme, emportant son dernier développement au XIXe siècle, dans la période de l'individualisme bourgeois, et atteignant son apogée dans l'art du modernisme et de la psychologie. Se méfiant de l'individu, qui est le sujet négatif de la bourgeoisie, la science de l'avant-garde ne doit pas être maîtrisée, comment osciller entre psychologisme et signifier l'émergence de types et de certitudes « non violents et post-individuels ». Le caractère est la création de la destruction du pouvoir de l'ère moyenne. C'est paradoxal pour ceux qui apportent une analyse littéraire et critique d'un personnage à une création mythique, si vraie et réelle, comme les gens, comme les gens, comme le quotidien. Le caractère « idéal » assume un équilibre entre signes individuels (psychologiques et moraux) et déterminisme socio-historique. Le caractère scéniquement sauvage devient progressivement plus universel avec l'individualité, de telle manière qu'il nous permet de faire une comparaison avec la peau de nous. Car le secret de tout personnage théâtral réside dans le fait que tu es le même, que tu es (nous nous célébrons avec lui au moment de la catharsis)
Création dramatique (dans. Gr. Dіyu), comme epіchnі, vіdvoryuyut podієvі rangs, les gens vchinki ces х vаєmini. Semblable à l'auteur de la création épique, le dramaturge sous les ordres "à la loi de l'action qui se développe". Ale, brûle l'image épique-descriptive dans le drame du jour.
Eh bien, le langage de l'auteur est ici complémentaire et épisodique. Ces listes de particularités, qui sont parfois accompagnées de brèves caractéristiques, sont indiquées par l'heure de ce mois ; une description de la situation scénique sur l'épi des actes et des épisodes, ainsi que des commentaires jusqu'à dix répliques des héros et des remarques introductives sur leurs mouvements, gestes, mimiques, intonations (remarques).
Tout est à devenir un texte d'accompagnement d'une création dramatique. Le texte de yoga principal est un tse lanciug de personnages, leurs répliques et monologues.
Zvіdsi pevna obmezhenіst khudozhnіh opportunités Drame. L'écrivain-dramaturge n'est que partiellement sujet-créateur d'images, à la disposition du créateur du roman, des épopées chi, des nouvelles chi povesti. Les personnages de diyovih osіb sont révélés dans le drame avec moins de liberté et de plénitude, plus bas dans l'épopée. "Je prends le drame, - en respectant T. Mann, - comme une silhouette mystique et je ne peux raconter une personne que comme une image en volume, entière, réelle et plastique."
Chez qui les dramaturges, à la vue des auteurs d'œuvres épiques, sont gênés par ce texte verbal obligé, qui soutient les besoins de l'art théâtral. L'heure de l'image dans le drame du jour peut être placée dans le strict cadre de l'heure scénique.
Et la représentation dans les formes typiques du nouveau théâtre européen dure trois, semble-t-il, pas plus de trois ans. Cela nécessitera une analyse détaillée du texte dramatique.
L'heure jouée par le dramaturge sous le prolongement de l'épisode scénique ne se rétrécit pas et ne s'étire pas ; les personnages du drame s'échangent contre des répliques sans trace d'intervalles horaires commémoratifs, ce discours yogo, comme s'il désignait K.S. Stanislavsky, pour établir une ligne durable et ininterrompue.
Quant à l'aide des roses, la diya semble être comme un temps passé, puis le dialogue des dialogues et des monologues au drame crée l'illusion de l'heure présente. La vie ici pour parler nibi à la lumière de sa propre personne : en même temps, ce qui est imagé, et chez le lecteur il n'y a pas d'intermédiaire-rapporteur.
L'action se déroule dans le drame avec le maximum bezperednistyu. Il fuit devant les yeux du lecteur. « Toutes les formes d'avertissement », écrit F. Schiller, « pour endurer le passé d'aujourd'hui ; tout dramatique timide du passé aujourd'hui.
Le drame est orienté vers la scène. Et le théâtre est un art public, de masse. Vistava se déverse imperceptiblement sur les riches, comme s'ils étaient en colère ensemble à la vue de ceux qui sont devant eux.
Drame assigné, selon les mots de Pouchkine, - travaillez sur les sans-visage, prenez votre tskavіst" et pour vous souvenir de la "vérité des passions": "Le drame est né sur la place et a plié le rang du peuple. Les gens, comme les enfants, auront besoin de cicavost, dee. Le drame révèle votre environnement inimaginable et merveilleux. Le peuple exigera des voix fortes. Smіh, pitié et zhah є trois de nos cordes seront révélées, avec un mysticisme dramatique.
Avec des liens particulièrement étroits pour lier le genre dramatique de la littérature avec la sphère du rire, plus le théâtre zmіtsnjuvavsya et se développe en un lien indistinct avec les saints de la messe, dans l'atmosphère de gaieté grieta. "Le genre comique est universel pour l'Antiquité", respectait O. M. Freidenberg.
Il est juste de dire la même chose du théâtre et du drame d'autres pays et d'autres époques. Maverick T. Mann , qui a appelé «l'instinct de comédien» «la première base de toute maîtrise dramatique».
Il n'est pas surprenant que le drame soit lourd au niveau d'une présentation efficace de l'image. La figurativité apparaît hyperbolique, lumineuse, théâtrale lumineuse. «Théâtre de vimagaє perebіlshennyh de grandes lignes comme des voix, des déclamations et des gestes», a écrit M. Boileau. La finalité première du pouvoir de l'art scénique impose inévitablement son propre ami au comportement des héros des œuvres dramatiques.
"C'est comme jouer au théâtre", commente Boubnov ("Des jours" de Gorki) sur la folle tirade de Klishch, qui est en colère, qui résiste aux intrusions dans la chambre de Rozmov, lui donnant un effet théâtral.
Significatif (comme les caractéristiques d'une sorte de littérature dramatique) jettent Tolstoï sur W. Shakespeare pour le grand nombre d'hyperboles, à travers lesquelles "la possibilité d'inimitié artistique est détruite". "Dès les premiers mots", écrivant sur la tragédie "Le Roi Lear", "on peut voir un dépassement : un débordement de podias, un débordement de sentiments et un débordement d'expressions."
Dans l'évaluation de l'œuvre de Shakespeare, L. Tolstoï se trompe, mais l'idée que le grand dramaturge anglais est prétentieux à l'hyperbole théâtrale est tout à fait juste. Le dicton sur le "Roi Lear" avec non moins de fondement peut être attribué aux comédies et tragédies anciennes, aux œuvres dramatiques du classicisme, aux p'es de F. Schiller et de V. Hugo.
Aux XIXe-XXe siècles, comme en littérature, la crédibilité de la vie était plus importante, la puissance du drame de l'intelligence devenait moins évidente, souvent la puanteur était réduite au minimum. Bіlya vytokіv tsgogo yavischa soi-disant "petit drame" du XVIIIe siècle. Lessing.
Créez les plus grands dramaturges russes du XIXe siècle. le début du 20ème siècle - O.M. Ostrovsky, A.P. Les travaux de Tchekhov et de M. Gorki – ils révisent l'authenticité des formes de vie. Et pourtant, lors de l'installation des dramaturges, la plausibilité de l'intrigue, l'hyperbole psychologique et moderne ont été prises en compte.
L'intelligence théâtrale s'est donnée la noblesse d'inspirer la dramaturgie de Tchekhov, qui a montré le maximum entre "réaliste". Surpris à la fin de la scène "Three Sisters". Une jeune femme, il y a dix ou quinze ans, s'est séparée d'un peuple kohan, peut-être pour toujours. Et cinq fois plus tard, elle a appris la mort de son fiancé. Le premier axe de la puanteur, à la fois avec l'aînée, la troisième soeur, pour battre les podbags moraux et philosophiques du passé, errant aux sons de la marche militaire sur la part de leur génération, sur l'avenir de l'humanité.
Il est peu probable que vous puissiez montrer ce qui s'est passé pour être vrai. Mais nous ne mentionnons pas l'invraisemblance de la finale des "Trois Sœurs", car elles ont rappelé que le drame regarde évidemment les formes de vie des gens.
On dit que le jugement de A. Z. Pouchkine (d'après le même article cité) change la justice de celui pour qui « l'essence même de l'art dramatique inclut la crédibilité » ; "En lisant ceci, un roman, nous pouvons souvent oublier et penser, ce qui est vrai, ce qui est décrit, n'est pas une supposition, mais la vérité.
Dans l'une, dans une élégie, on peut penser ce qu'il chante, en imaginant sa main droite, dans un environnement réel. Ale de véracité dans la vie, subdivisée en deux parties, dont l'une est remplie de spectateurs, comme s'ils étaient logés.
Le rôle le plus important des créations dramatiques est de poser la mentalité d'auto-révélation des héros, les dialogues et les monologues de ceux-ci, souvent pleins d'aphorismes et de maximes, apparaissent plus spacieux et efficaces, des répliques inférieures, comme une vision dans une vie similaire camp.
Des répliques intelligentes «en vélo», comme si elles n'étaient pas utilisées pour d'autres personnages, qu'ils perebuvayut sur scène, mais bonnes pour les potes potelés, ainsi que des monologues, que les héros agissent seuls, seuls avec eux-mêmes, de tels monologues n'étaient pas rares dans les tragédies antiques, et dans la dramaturgie de l'Heure Nouvelle).
Le dramaturge, mettant en scène son propre type d'expérience, montrant comment une personne traînerait, yakby dans les mots du vin, exprimant son état d'esprit avec un maximum de plénitude et d'éloquence. Il n'est pas rare de connaître l'imitation d'un discours oratoire promo artistique et lyrique dans une œuvre dramatique : les héros traînent ici comme des improvisateurs et chantent le chi maistri des discours publics.
C'est pourquoi Hegel est souvent franc-tireur, regardant le drame comme une synthèse de l'épi épique (podijniste) et du lyrique (expression émouvante).
Le drame peut avoir deux vies dans l'art : la théâtrale et la littéraire. Assemblant la base dramatique des sifflets, butuyuchi à l'entrepôt, la télévision dramatique est également acceptée par le public des lecteurs.
Ale, donc le bula à droite n'est pas loin du départ. L'émancipation du drame de la scène s'est déroulée étape par étape - sur une période de cent ans et s'est terminée dans la même mesure récemment: aux XVIIIe et XIXe siècles. Les personnages omniprésents de la dramaturgie (de l'Antiquité au XVIIe siècle) à l'heure de leur création étaient peu perçus comme des créations littéraires : la puanteur n'était qu'à l'entrepôt de l'art scénique.
Ni W. Shakespeare ni J. B. Molière n'ont été acceptés par leurs collègues écrivains comme écrivains. Dans l'autre moitié du XVIIIe siècle, Shakespeare a joué le rôle d'un grand poète dramatique, non seulement pour la mise en scène, mais aussi pour la lecture.
Au XIXe siècle (Surtout dans la première moitié de l'année) les drames littéraires étaient souvent mis en scène plus que ceux de la scène. Ainsi, après avoir pensé à Goethe, "ne créez pas Shakespeare pour les yeux du corps", et Griboyedov, qualifiant son bazhanya de "enfantin", ressentez le couplet de "Malheur pour Rose" de la scène.
Nabula est ce qu'on appelle Lesedrama (drame pour la lecture), qui est créé avec l'installation de nous devant nous dans la salle de lecture. Tels sont le Faust de Goethe, les créations dramatiques de Byron, les petites tragédies de Pouchkine, les drames de Tourgueniev, dont l'auteur a parlé :
Les principes d'autorité entre Lesedrama et p'soyu, tels qu'orientés par l'auteur à la mise en scène, n'existent pas. Drami, créant la lecture, souvent potentiellement scénique. Le premier théâtre (parmi eux les actuels) chuchote debout et pendant une heure pour en connaître les clés, comme en témoigne la production réussie de "Lune à la campagne" de Turgeniv (la représentation pré-révolutionnaire du Théâtre d'Art est célèbre pour nous) et de nombreuses lectures scéniques (vouloir loin et pas loin) de petites tragédies de Pouchkine au XXe siècle.
La vérité de longue date est maîtrisée par la force : le drame le plus important, le plus célèbre, c'est la scène. "Ce n'est qu'en présence d'un visionnaire de la scène", nommant O. M. Ostrovsky, "la vigadka dramaturgique de l'auteur enlève la forme complète et gère l'action même morale à laquelle l'auteur est parvenu en se fixant pour la méta."
Les créations de la pièce sur la base de la création dramatique sont liées aux créations avant le Budovo: les acteurs créent de petits rôles intonation-plastiques, l'artiste décore l'espace scénique, le metteur en scène élargit la mise en scène. En lien avec ce concept, le concept est parfois modifié (on accorde plus à certains côtés, on accorde moins de respect à d'autres), il est souvent concrétisé et amélioré : la mise en scène introduit de nouvelles significations au drame.
Quel théâtre a un principe très important de lecture fidèle de la littérature. Le réalisateur et les acteurs ont appelé à transmettre au maximum les déclarations de la télévision aux téléspectateurs. La versatilité de la lecture scénique peut être là, le metteur en scène et les acteurs touchent profondément le tvir dramatique de certaines des principales caractéristiques de fond, de genre et de style.
Les productions scéniques (comme les scénarios) ont moins raison dans les ambiances calmes, si c'est un bon moment (ne le laissez pas faire) un metteur en scène et un acteur avec un enjeu d'idées d'un écrivain-dramaturge, si une scène ludique est doublement respectueuse de le sens de la création mise en scène, aux particularités du genre yogo, style riz yogo du texte.
Dans l'esthétique classique des XVIIIe-XIXe siècles, chez Hegel et Belinsky, le drame (le genre de la tragédie est désormais devant nous) était vu comme une forme naïve de créativité littéraire : comme « la couronne de la poésie » .
La qualité des basses époques artistiques et la vérité se sont avérées plus importantes dans l'art dramatique. Eskhil et Sophocle à l'époque du développement de la culture antique, Molière, Racine et Corneille à l'époque du classicisme n'étaient pas peu égaux parmi les auteurs d'œuvres épiques.
La créativité de Goethe est bien connue pour son plan. Pour le grand écrivain allemand, tous les auvents littéraires étaient disponibles, ayant couronné sa vie avec les créations mystiques de la création dramatique - l'immortel "Faust".
Au siècle dernier (jusqu'au XVIIIe siècle), le drame n'a pas eu moins de succès que l'épopée et est souvent devenu une forme claire d'expression artistique dans l'espace de cette heure.
Tse expliqué par de faibles raisons. Tout d'abord, un rôle majestueux a été joué par l'art théâtral, accessible (sur la base de livres manuscrits et manuscrits) aux versions les plus larges de la société. D'une autre manière, la puissance des créations dramatiques (images de personnages avec du riz aux formes pointues, création de passions humaines, gravitant vers le pathétique et le grotesque) à l'époque "pré-réaliste", dans son ensemble, a soutenu les tendances de la littérature et de la littérature. art.
Je veux dans les XIX-XX siècles. un roman socio-psychologique est resté au premier plan de la littérature - un genre de littérature épique, les œuvres dramatiques, comme avant, méritent une meilleure place.
V.Є. Théorie de la littérature de Khalizev. 1999
