Jaké hlavní žánry znáte? Aplikujte malbu, žánry, styly, různé techniky a rovné linie. Žánry malby v umění.
Ačkoli se chápání „žánru“ objevilo v malbě teprve nedávno, písně žánrů vycházely ze starých časů: obrazy tvorů poblíž jeskyní paleolitické éry, portrétyStarověký Egyptže Mezopotámie 3 tis. př. n. l., krajiny a zátiší v helénistických a římských mozaikách a freskách. Formování žánru jako systému v malířském stojanu se objevilo v Evropě v 15.–16. století. a skončila především v 17. století, pokud se krіm rozdělením figurativního umění do žánrů rozumí tzv. „zvuk“. „vysoké“ a „nízké“ žánry jsou závislé na předmětu obrazu, tématech, zápletce. Historické a mytologické žánry byly přivedeny k „vysokému“ žánru, portrét, krajina, zátiší k „nízkým“. Taková gradace žánrů svítala až do 19. století. hoch i z vinyatki.
Tak tomu bylo v 17. století. v Holandsku se malbě nejvíce hodily „nejnižší“ žánry (krajina, drsný žánr, zátiší) a slavnostní portrét, který se formálně přikláněl k „nízkému“ žánru portrétování, se tak nepřiklonil. daleko. Poté, co se staly formou života, žánry malby pro veškerou stabilitu spící rýže jsou neměnné, zápach se okamžitě vyvíjí ze života a mění vývoj umění ve světě. Aktuální žánry se rodí nebo znají nový smysl (např. mytologický žánr), obviňují nové, znějí uprostřed dříve, než založily (např. uprostřed krajinného žánru se objevil architektonický regionální pohledі přístav). Musíte vytvořit něco, co kombinuje různé žánry s vašimi vlastními (například smíchání jednoho žánru s krajinou, skupinový portrét s historickým žánrem).
AUTOPORTRÉT(francouzský autoportrét) - portrét sebe sama. Zvoňte na pokraji malebného obrazu; prote autoportréty jsou také sochařské, literární, kinematografické, fotografické.
Rembrandt "Autoportrét"
ALEGORIA(Řecky allegoria - alegorie) - viraze abstraktních myšlenek za pomoci konkrétních uměleckých obrazů. Zadek: "spravedlnost" - žena s vagamami.
Moretto ta Brescia "Alegorie Veri"
ANIMALISTICKÝ(lat. zvíře - tvor) - žánr zobrazování tvorů v malířství, sochařství a grafice.
D. Stubbs. Kobili ten kůň poblíž krajiny bílé řeky. 1763-1768 pp.
BATALNÝ(francouzsky bataille - bitva) - atribuce k obrazům vojenského života a vojenského života.
Averjanov Oleksandr Jurijovič. href="http://www.realartist.ru/names/averyanov/30/">Waterloo.
POBUTOVIY- popisy z obrázků každodenní život lidé.
Mikola Dmitrovič DMITRIEV-ORENBURSKY (1837-1898). Pozhezha poblíž vesnice
GALLANTNY- "poshtiviy, vvіchlivy lov'yazny, vvіchlivy, tsіkaviy" je zastaralé. po'azaniya іz izobrazhennyam vishukanyh lyrické scény іz zhiztya dvorní dámy a kavalérie v umělecké kreativitě je důležitější než 18. století.
Gerard Ter Borch mladší. Galantní vojáci.
HISTORICKÝ- jeden z hlavních žánrů figurativního umění, připisování historickým pódiím minulosti i současnosti, společensky významné jevy v dějinách národů.
Pavlo Ryženko. Pomozte Peresvitu.
KARIKATURA- Žánr figurativního umění, který vítězný autor satiry a humoru, grotesky, karikatury, obrazotvornosti v komickém účinku vytváří způsobem přebujelé a nadsazené charakteristické rýže. Karikatura je vismіyuє, to nestačí nebo zlomyslnost postavy, s cílem získat jógu a otochyuchih lidí, s metodou zmіnitsya změnit na nejlepší.
MYTOLOGICKÝ- věnování podiam a hrdinům, o jakech rozpovidayut mýty. Bohové, demiurgové, hrdinové, démoni, mýtické entity, historické a mytologické postavy. V 19. století sloužil mytologický žánr jako norma vznešeného, bezduchého mysticismu.
Oleksandr Ivanov. Bellerophon porušuje kampaň proti Chimeri.
Stálý život- žánr figurativního umění, zobrazení neživých předmětů, umístění do reálného knoflíkového středu a uspořádání v jedné skupině; obrázek s obrázky předmětů, květin, květin, ovoce, divoké zvěře, ryzce vidlicovité.
Aenvanck Theodore (Aenvanck, Theodoor)
AKT(nahota) - umělecký žánr v sochařství, malbě, fotografii a kinematografii, který zobrazuje krásu nahého lidského těla, především ženy.
Venuše Urbinská", Tizian
Pastorální(francouzská pastorale - pastýř, venkov) - žánr v literatuře, malbě, hudbě a divadle, obrazy idylického života pastýřů a pastýřů v přírodě.
Krajina(francouzská paysage, від pays - kraїна, місївії), - žánr přisuzování obrazu, ať už je to mіscevosti: řeka, gіr, zalévání, lіsіv, silskogo chi mіskogo krajina.
Href="http://solsand.com/wiki/doku.php?id=ostade&DokuWiki=7593bff333e2d137d17806744c6dbf83" >Adriana van Ostade
Portrét(francouzský portrét, „vytvořit něco, ďábel“) - žánr figurativního umění, připisování obrazu osoby nebo skupiny lidí; různé – autoportrét, skupinový portrét, formální, komorní, kostýmní portrét, portrétní miniatura.
Borovikovsky V. "Portrét M. I. Lopukhina"
PLOT-TEMATICKÝ OBRÁZEK- Označení jedinečného křížení tradičních žánrů malby, v němž se snoubila tvorba rozměrných děl na společensky významných s jasně vyjádřeným dějem, dějovou akcí, bohatou figurativní kompozicí. - změna tradičních žánrů v malbě pažby, historické, bitevní, kompoziční portrét, krajina a další.
Robert, Hubert - Pohled na starý kostel
CARTOON nebo FRIEND CARTOON(francouzský náboj) - humorné nebo satirické obrazy, způsobem, který mění charakter modelu v mezích normy, metodou ohně a nezlehčuje tento obraz, jak zní boj v karikaturách.
Socha a symfonie, malba a příběh, film a palác, performance a tanec – to vše vytváří různé druhy umění.
Umění je klasifikováno podle různých kritérií. Obrazotvorné umění ukázat v uměleckých obrazech svůdnost, nenápadně vidět umění vyjádřit vnitřní světlo. Nenápadité umění: hudba, tanec a literatura, stejně jako architektura. Іsnuyut i smíšené (syntetické) podívejte se na umění: kino, divadlo, balet, cirkus a tak dále.
Uprostřed dermální mysli je známo, že se rodí mystika, jak se jim říká žánry Vіdpovіdno k těm i ob'єktіv image. O této ose si s vámi dnes povíme.
Podívejte se na umění
Obrazotvorná vize umění
malování
Možná je to jeden z nejrozšířenějších druhů umění. Nejlepší malířské umění je k vidění až do starověku, zápach se odhaluje na stěnách jeskyní dávných lidí.
Monumentální malířství, které se vyvíjelo v podobě mozaikyі fresky(malba z šedé omítky).
Svatý Mikuláš. Dionýsiova freska. Ferapontovský klášter
malba na stojanu- všechny obrazy různých žánrů, psané na plátně (karton, papír), většinou olivovými barvami.
Žánrová malba
Moderní malba má tyto žánry: portrét, historický, mytologický, bitva, pažba, krajina, zátiší, zvířecí žánr.
portrétní žánr odráží vnější a vnitřní vzhled člověka nebo skupiny lidí. Tento žánr je rozšířen v malbě, v sochařství a také v grafice. Hlavním úkolem portrétního žánru je přenesení nádherné podoby a odhalení vnitřního světa, podstaty charakteru člověka.
já Kramskoy "Portrét Sofie Ivanivna Kramskoy"
historický žánr(Obrazy historických pozadí a postav). Je zřejmé, že žánry malby se často prolínají, protože při zobrazování např. jakoby historického obrazu je umělec příliš brzy vychováván k portrétnímu žánru.
Mytologický žánr- Ilustrace mýtů a převyprávění různých národů.
S. Botticelli "Národ Venuše"
Bitevní žánr- Obrazy bitev, hrdinské činy války, bojová akce, která zplodila bitvy, triumf vítězství. Žánr bitvy může obsahovat prvky jiných žánrů – pažba, portrét, krajina, zvíře, zátiší.
V. Vasnetsov „Po bitvě Igora Svyatoslaviče s Polovci“
Pobutový žánr- Obrazy výjevů každodenního, zvláštního života člověka.
A. Venetsianov "Na roli"
Regionální pohled- zobrazení přírody dovkilla, památky venkovské kultury, lokality, historických památek atd.
A Savrasov "Věže dorazily"
přístav- přímořská krajina.
Stálý život(v překladu z fr. - "mrtvá příroda") - obrázky předmětů v zadku, praxe, kreativita, odvykání, ovoce, kousky zvěře, rozeklaná žebra, jako skutečné médium zadku.
Živočišný žánr- Obrazy tvorů.
Grafika
Název druhu obrazotvorného umění připomíná řecké slovo grapho – píšu, malý.
Před grafikou nás přiveďte před nejmenší a gravírování, u některých nejmenších je důležité vytvořit další čáru na arch papíru a vyřezat na pevný materiál, ze kterého se obrázky tisknou na list papíru.
Podívejte se na grafy
Rytina- na rovný povrch materiálu se nanesou maličkosti, které se pak překryjí farboi a jsou viditelné na papíře. Počet řezů se liší v závislosti na typu techniky rytí a materiálu. Hlavními gravírovacími materiály jsou kov (měď, zinek, ocel), dřevo (buxus, palma, hruška, třešeň a další), linoleum, karton, plast, plexisklo. Opracování gravírovací desky se provádí mechanickými prostředky, ocelovými nástroji nebo leptáním kyselinou.
Razítko- Papír z rytecké desky (rytina, litografie, shovkografie, monotyp), což je stojanová tvorba umělecké grafiky. Estamp se spřátelí, stejně jako rytina od samotného umělce, často umí dělat beaty. Roboti tedy znějí jako podpisy, spolupachatelé autora, jsou respektováni prvňáčky. Estampi jsou černobílé a barevné.
Knižní grafika- knižní design, dekorativní design, ilustrace.
Promislova graphic - tvorba komoditních etiket, značek, značek, obalů, reklamních etiket, hlavičkových papírů a obálek. Vaughn se drží reklamy, vstupuje do systému designu.
Exlibris- Znak, který ukazuje na vlastníka knihy. Exlibris se připevňuje k vnitřní paletě nebo obložení knihovny. Záložky se ryjí na dřevo, midi, linoleum, zinkografickou nebo litografickou metodou.
Exlibris Grety Garbo
Plakát- Obraz, rozrahovaný ke slavnostní úctě, vytvořený pro agitační nebo primární účely.
Linoryt- gravírování na linoleum.
Litografie- Pohled na rytinu: drobný tisk na kameni a věnec z nového.
Dřevoryt- dřevoryt.
Katsushika Hokusai "Velké chmýří v Kanagawě", dřevoryt
Leptání- druh rytiny do kovu, způsob rytí a šlehače, otrimany této metody.
Počítačová grafika– obrázky jsou kompilovány na počítači, zobrazovány dynamicky nebo staticky. Po složení lze grafiku tvarovat, protože obraz se tvoří ve všech fázích a není nutné vytvářet korekci.
Sochařství
Tento druh mystiky je také vinicí na dlouhou dobu. Bylo nalezeno mnoho obrázků tvorů, které byly vyřezány z hlíny nebo vyřezány z kamene, aby přesně vyjádřily jejich přirozený vzhled. Zachránili jsme spoustu ženských soch, protože mohou inspirovat ženský začátek. Možná primitivní obrazy bohyní. Starověcí sochaři přerostli své domorodé síly, zobrazují je s pevnými přikrývkami a archeologové je nazývají „Venušemi“.
Venuše z Willendorfu, téměř 23 tisů. rokiv př. Kr e. střední Evropa
Socha je rozčleněna do kruhu, který je volně umístěn v prostoru a reliéf je v nějakém objemu obrazu rozprostřen po bytě.
Podobně jako v malířství se i v sochařství používá stojan a monumentální formy. monumentální sochařství ten čtverec je uznán za ulici, taková upomínka vzniká na dlouho, pak zavolej vikonan z bronzu, mramoru, žuly. Staňkovské sousoší- všechny portréty nebo malé žánrové skupiny, vyrobené ze dřeva, sádry a jiných materiálů.
Památník listonoše. Nižnij Novgorod
Dekorativní a ošklivé umění
Tvůrci děl dekorativního a ošklivého umění si kladou dvě věci: vytvářet bohatství, jak je to nezbytné pro každodenní život, ale všechno bohatství má na svědomí matka písně umění. Předměty všedního dne mají sloužit lidem prakticky a zdobit život, potěšit oko dokonalostí tvarů a barev.
Je zřejmé, že zároveň může být mnoho výtvorů dekorativního a užitkovského umění hlavně esteticky významné, ale nezačínejte tak.
Hlavní typy dekorativního a užhitkovy umění
Batika- ručně malované na látku
Práce v technice horké batiky (se zástupným voskem)
Beadwork
Vyshivannya
V'yazannya
Merezhivopletinnya
kilimarstvo
Gobelín
Peřový materiál- umění výroby plochých nebo objemných kompozic se zkroucenými spirálami dlouhých a úzkých papírových slupek.
Technika quilling
Keramika
Mozaika
Umění šperků
Miniatura laku
Miniatura laku Palekh
Umělecká malba na dřevo
Umělecká malba na kov
Zhostovo pidnos
Umělecké řezbářství
Umělecké dílo shkiri
Umělecká malba z keramiky
Kovové umění
pyrografii(vipalyuvannya na dřevo, shkir, látku také)
Robot zі sklom
Horní polovina okna katedrály v Canterbury, Velká Británie
Origami
Fotozáhada
Umění umělecké fotografie. Žánr je důležitější než u malby.
grafit
Obrazy na stěnách a jiných površích. Před graffiti je vidět, jestli tam není nějaká pouliční zeď, na které je možné vědět všechno: od jednoduchých psaných slov až po vysoké maličkosti.
grafit
Komiks
Malovanie příběhy, růže v obrazech. Komiks bude i nadále kreslit takové druhy umění, jako je literatura a umění vytvářející obrazy.
Umělec Winsor McKay "Little Semmі Chhai"
Nenápaditě vidět umění
architektura
architektura- Umění designu a života. Arkhіtekturnі sporudi může іsnuvati jako okremіh budіvel chi vilyadі soubory. Samostatně se historicky tvoří různé soubory: od budinkov, zbudovanih v hodině, usazující se v jediný celek. Zadek na náměstí Chervona v Moskvě.
Architektura umožňuje posoudit technický dosah a umělecké styly různých epoch. Až do naší doby se zachovaly egyptské pyramidy, postavené téměř před 5 tisíci lety, chrámy starověkého Řecka a Říma. Být jako místo v zemi být jako v přítomnosti jejích architektonických sporů.
Palácové náměstí poblíž Petrohradu
Literatura
V širokém smyslu slova: sukupnіst všech psaných textů.
Viz literatura: beletrie, dokumentární próza, memoáry, vědecká a populárně naučná, dovіdkova, základní, technická.
Žánr literatury
Literární TV může být chráněna až do této úrovně žánru pro různá kritéria: pro formu (povídka, óda, opus, kresba, příběh, báseň, popis, román, skica, epos, epos, ese), pro nádhernou ( komedie, fraška, vaudeville, mezihra, skeč, parodie, komediální poloha, komedie postav, tragédie, drama), za oponou.
Epichny Rіd Klíčová slova: pohádka, bilina, balada, mýtus, povídka, příběh, epos, román, epický román, pohádka, epos.
Lyric Rid: óda, list, stansi, elegie, epigram.
Liro-epichny rіd: balada, báseň.
Dramatická jízda: drama, komedie, tragédie.
hudba
hudba- Tse mystechstvo, prostřednictvím začlenění uměleckých obrazů pro to, co je zvuk a ticho, zejména organizované v hodinách. Je však nemožné poskytnout jedno zcela přesné pochopení chápání „hudby“. Jedná se o zvláštní druh tvůrčí činnosti, včetně řemesla, profese.
Skvělý pohled a stylové rozšíření hudby.
Klasické (jinak vážné)- profesionální hudebníci, lidé evropské kultury jsou důležitější než Nová hodina (kordón 16.-17. století) a ve středověku;
populární- důležité písňové a taneční hudební žánry.
Poza-evropský (neevropský)- Hudba národů (Skhodu), jejichž kultura se rodí v kultuře západoevropské civilizace.
etnické (lidové)- folklórní hudební výtvory různých národů, které pomlouvají soběstačnost etna, národa, kmene.
Estradna (snadné)- Hudba uctivé povahy, uznávaná pro zotavení.
Jazz– reinterpretace viktoriánských tradic amerických černochů Evropany, založená na syntéze afrických a evropských hudebních prvků.
Skála- hudba malých vokálních a instrumentálních skupin mladých lidí, která rezonuje s jazykem bicích a elektrických hudebních nástrojů, jako jsou kytary.
Vanguard (experimentální)- přímo v kreativitě profesionálního skladatele XX století.
Alternativní– nové hudební výtvory a vikony (zvukové projevy, „performance“), zásadně odlišné od veškeré dnes viděné hudby.
Víte, hudba může být přiřazena k této funkci, protože je vítězná: vojenská, církevní, náboženská, divadelní, taneční, filmová hudba prostě.
Abo pro postavu vikonanny: vokální, instrumentální, komorní, vokálně-instrumentální, sborová, sólová, elektronická, klavírní a další.
Hudba typu kůže má své vlastní žánry. Perspektiva pro zadek Žánr instrumentální hudby.
Instrumentální hudba- veškerá hudba, jako vítězná na nástroje, bez účasti lidského hlasu. Instrumentální hudba je jak symfonická, tak komorní.
Komorní hudba- Vytvořte, uznávaný pro vikonannya v malých místnostech, pro domácí, "pokojovou" hudbu. Komorní hudba má velkou schopnost zprostředkovat lyrické emoce a jemné duchovní stavy člověka. K vidění jsou tyto žánry komorní hudby: sonáty, kvartety, p'esi, kvintety a další.
Sonáta- jeden z hlavních žánrů v instrumentální komorní hudbě. Zvuk se skládá ze 3 (4) částí.
Etuda- Hudební píseň, uznávaná pro dokonalé technické dovednosti ve hře na nástroje.
Nokturno(francouzská "noc") - žánr malé jednodílné zpěvohry lyrické písně pro pianoforte.
Předehra(lat. "Úvod") - malá instrumentální skladba. Improvizační vstup do hlavního p'esi. Ale můžete být nezávislým stvořením.
Kvartet – hudební TV za 4 vikonavtsiv.
Střed dermálního aspektu hudby lze vysledovat ve vývoji vodních stylů a přímých linií, které se vyznačují silnými a charakteristickými strukturálními a estetickými znaky: klasicismus, romantismus, impresionismus, expresionismus, neoklasicismus, serialita, avantgarda a další.
choreografie
Choreografie je kouzlo tance.
Druhy (zmіshanі nebo syntetické) viz umění
Divadlo
Velkolepý pohled na umění, které je syntézou různých umění: literatury, hudby, choreografie, zpěvu, obrazotvorného umění a dalších.
Ljalkovy divadlo
Viz divadla: činoherní, operní, baletní, lyalkovy, pantomima a další divadlo. Umění divadla je známé odedávna: divadlo se zrodilo z nejstarších rituálních světců, kteří v alegorické podobě vytvářeli fenomény přírody nebo pracovních procesů.
Opera
Druh umění, ve stejném hněvu v jeden celek poezie a dramatické umění, vokální a instrumentální hudba, pantomima, tanec, malba, kulisy a kostýmy.
Divadlo La Scala (Milán)
Estrada
Druh umění malých forem je důležitější než populární-rozvazhny přímka. Scéna zahrnuje přímo: písně, tance, cirkus na jevišti, iluzionismus, rozmovny žánr, klaunství.
Cirkus
Druh výtvarného umění, za jehož zákony se bude skrývat burcující projev. Před představeními denního cirkusu probíhají ukázky triků, pantomimy, klaunství, reprízy, ukázky vinyatkovyh zdibnosti, často spojené s rizikem (fyzická síla, akrobacie, ekvilibristika,), oblékání bytostí.
Kinematografie
Druh výtvarného umění, které je zároveň syntézou umění: literatura, divadlo, tanec, obrazotvorné umění (dekorace) a další.
Balet
Druh jevištního umění; představení, místo kterého je člověk vtažen do hudebních a choreografických obrazů. Klasické baletní představení je založeno na písňové zápletce, dramatickém nápadu. Ve XX století. Vinik je bezdějový balet, jehož dramaturgie vychází z vývoje stanoveného hudbou.
Množství stylů je přímo velké, jinak je nepřeberné. Klíčový znak, pomocí kterého můžete vytvářet skupiny pro styly, je jediným principem uměleckého myšlení. Změna některých metod umělecké tvorby za jiné (kreslení typů skladeb, přejímání prostorových motivů, zvláštnosti barev) není vipadkov. Historicky minlive a naše přijetí umění.
Vibudovuyuchi systém stylů v pořadí ієrarchіchnomu, dorimuvatimemos єuropotsentristskoї ї tradіtsії. Největší v dějinách umění je chápání doby. Epochu kůže charakterizuje „obraz světa“, který je tvořen filozofickými, náboženskými, politickými myšlenkami, vědeckými jevy, psychologickými rysy vnímání světla, etickými a morálními normami, estetickými kritérii života, na nichž je člověk závislý. éra. Taková je První epocha, epocha starověkého světa, starověku, středověku, renesance, nové hodiny.
Styly v umění nekladou jasné hranice, smrad plynule přecházejí z jednoho do jednoho a mění se z nepřetržitého vývoje, míchání a kontrastu. V rámci jednoho historického uměleckého stylu se vždy zrodí nový a ten druhý přejde do ofenzívy. Vzniká mnoho stylů najednou a v dohledu nejsou žádné „čisté styly“.
V této historické epoše může vzniknout spousta stylů. Například klasicismus, akademismus a baroko v 17. století, rokoko a neoklasicismus - v XVIII., romantismus a akademismus - v XIX. Takovým stylům, jako je například klasicismus a baroko, se říká velké styly, zápach se šíří všemi druhy umění: architekturou, malířstvím, dekorativním uměním, literaturou, hudbou.
Další rozdíl: umělecké styly, rovné linie, proudy, školy a zvláštnosti jednotlivých stylů jiných mistrů. Na hranicích jednoho stylu může dojít k posypání uměleckými liniemi. Umění je přímo utvářeno jako znak typický pro tuto dobu a z vlastních způsobů uměleckého myšlení. Secesní styl například zahrnuje nízkou přímou linii století: a postimpresionismus, symbolismus a také fovismus. Z druhé strany, chápání symbolismu jako přímo uměleckého, je v literatuře dobře rozděleno, stejně jako v malířství je umělci více uznáváno a sdíleno;
Nižší bude označení epoch, stylů a to přímo, jak by si je jinak představovalo moderní obrazotvorba a dekorativní a ošklivé umění.
| - umělecký styl, který se formoval v zemích západní a střední Evropy v XII-XV století. Vіn se stává výsledkem bohatého revolučního umění střední třídy, jeho nejvýznamnější etapou a zároveň první v historii světového evropského, mezinárodního uměleckého stylu. Vіn ohopiv usі viz umění - architektura, sochařství, malba, vitráže, knižní design, dekorativní umění. Základem gotiky byla architektura, která se vyznačuje šípovitými oblouky přímo do kopce, barevnými vitrážemi, vizuální dematerializací formy. Prvky gotického umění lze často spatřit v moderně zařízených interiérech, zokremu, nástěnné malbě nebo malbě na stojanu. Od konce minulého století existuje gotická subkultura, která se zřetelně projevila v hudbě, poezii a designovém oblečení. |
|
| (Renesance) - (francouzská renesance, italsky Rinascimento) Éra v kulturním a ideologickém rozvoji nížinných zemí západní a střední Evropy, jakož i ostatních regionů severní Evropy. Hlavní vlivy renesanční kultury: sekulární charakter, humanistický svetoglyad, raný až starověký kulturní úpadek, druh jógového znovuzrození (hvězda a jméno). Kultura renesance může mít specifické rysy přechodné éry od střední k nové hodině, ve stejné staré a nové, propletené, tvořící své vlastní, jako nová slitina. Shrňme si informace o chronologickém mezinarozeném období (v Itálii - 14-16 století, v jiných zemích - 15-16 století), jeho územní expanzi a národních rysech. Prvky tohoto stylu v dnešním umění často najdeme na nástěnných malbách, podobně jako na stojanové malbě. | |
 |
- (Od italské maniery - trik, manýra) k evropskému umění 16. století. Představitelé manýrismu vypadali jako renesanční harmonie světa, humanistické pojetí lidí jako důkladného výtvoru přírody. Násilně sprynyattya zhittya podnuvalis programm pragnennya nenásledovat přírodu, ale vyjádřit subjektivní „vnitřní představu“ uměleckého obrazu, který se rodí v duši umělce. Více se projevuje v Itálii. Pro italský manýrismus 20. let 16. století. (Pontormo, Parmigiano, Giulio Romano) charakteristická dramatická křiklavost obrazů, tragika vnímání světla, složitost a změněné vyjádření póz a motivů pohybu, tlumené proporce postav, koloristická a světelná disonance. Ve zbytku hodiny se stát vikaristou mystických věd pro poznání fenoménů moderní mystiky, spojené s proměnou historických stylů. |
| - Historický umělecký styl, jakési rozšířené rameno v Itálii uprostřed. XVI-XVII století, a pak ve Francii, Španělsku, Flandrech a Německu XVII-XVIII století. Širší termín je zvolen pro označení trendů neustále se měnících, neklidné, romantické světlo, myšlené ve výrazných, dynamických formách. Nareshti, v hodině kůže, mayzhe v historickém uměleckém stylu kůže, můžete ukázat své „období baroka“ jako fázi nejkreativnějšího projevu, napětí emocí, živost forem. | |
| - umělecký styl západoevropského umění XVII - část. XIX století a v ruštině XVIII - post. XIX., který se obrátil k antické recesi jako k ideálu nástupnictví. Vіn se objevuje v architektuře, sochařství, malířství, dekorativním a užhitkovém umění. Klasicistní umělci respektovali antiku na maximum a drtili ji svým standardem umění, jehož dědictvím pohrdali. Po letech jsem se znovu narodil do akademismu. | |
| - Přímo do evropského a ruského umění 20.-30. let 19. století, které změnilo klasicismus. Romantici viseli na první rovině individuality, stavěli ideální krásu klasicistů proti „nedoplněné“ realitě. Umělci přidali jasné, vzácné, nadpřirozené jevy a vštípili obrazy fantastického charakteru. V umění romantismu hraje velkou roli větší individuální přijetí této zkušenosti. Romantismus vyvinul umění ve formě abstraktních klasicistních dogmat a obrátil je k národní historii a obrazům folklóru. | |
 |
- (Vid lativ. sentiment - trochu) - přímo zahіdnoy umění druhé poloviny XVIII. S. bude trochu hlasovat, zdůrazní myšlenku, jednoduchost silného života „malých lidí“. J. J. Rousseau je ideolog S.. |
| - Přímo u mystiky, která je největší pravdivostí a autenticitou, se jeví jako rovnocenná forma, stejně jako podstata jevů a řečí. Jako kreativní metoda je běžné, že člověk má při vytváření obrazu individuální a typické kresby. Hodina po hodině našla přímý základ, který se vyvíjí na prvním místě dodnes. | |
| - Přímo v evropské umělecké kultuře XIX-XX století. Viniclia jako reakce na panuvannya v humanistické sféře norem buržoazní "rozumnosti" (ve filozofii, estetice - pozitivismus, v mysticích - naturalismus), symbolismus se zformoval ve francouzské literatuře 60.-70. let 19. století, Rakousku, Norsku, Rusku . Estetické principy symbolismu byly bohaté na to, co napadaly myšlenky romantismu a přivedly do určitých doktrín idealistické filozofie A. Schopenhauera, Ege. Hartmanna, často F. Nietzscheho, až po kreativitu a teoretizování německého skladatele R. Wagnera. Živá akční symbolika stojící proti světu vize a snů. Univerzální nástroj pro pochopení tajemství buttya a individuálních informací, vstupování do symbolu, generace poetických vhledů a výrazů potoybіchny, příloh v podobě každodenních důkazů senzačních jevů. Umělec-tvůrce, vypadající jako prostředník mezi skutečným a nadsmyslovým, že sotva znal „znamení“ harmonie světa, že prorokoval znamení budoucnosti jako v dnešních projevech a v podtóny minulosti. | |
| - (ve formě fr. dojem - vrazhennya) přímo na mystekstva poslední třetiny XIX - ucho XX století, které je ve Francii. Název bula uvedl výtvarný kritik L. Leroy, který neuctivě poznamenal o výstavě umělců v roce 1874, a uprostřed buly obraz C. Moneta „Odcházení slunce. Vrazhennya. Impresionismus potvrdil krásu skutečného světa, zdůraznil svěžest prvních emocí, klid vzdálených. Úcta k popravě čistě malovnických hlav je důležitější než tradiční oznámení o maličkých jako o vedoucím skladu část tvorby mystiky. Impresionismus silně zasáhl do umění evropských zemí a USA, vzbudil zájem o příběhy ze skutečného života. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley a další) | |
| - Malířské techniky (synonymum divizionismu), které se rozvíjely v rámci neoimpresionismu. Neoimpresionistická réva ve Francii v roce 1885 byla také široká a širší v Belgii a Itálii. Neoimpresionisté se pokusili ustrnout na mystice novosti v galerii optiky, za některými vikonanami dělícími body hlavních barev malby, na úsvitu světla, dávají zlittya barvy a všechen ten rámus malby. (J. Sirka, P. Signyak, K. Pizarro). | |
 |
Postimpresionismus- umovna sbirna pojmenovvaj hlavn smry francouzské malby k. XIX - 1. kv. XX čl. Umění postimpresionismu se osvědčilo jako reakce na impresionismus, vzbuzující respekt k přenosu roztočů, k vizuální malebnosti a vnášení zajímavosti do formy předmětů. Mezi postimpresionisty - P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh a další. |
| - Styl v evropském a americkém umění na přelomu XIX-XX století. Secese reinterpretovala a stylizovala kresby umění různých scén a oloupila o sílu uměleckých metod založených na principech integrace. Předmětem stylizace moderny jsou také přírodní formy. Це об'яття не тільки інтеpець до пpоізведеньx модеpна, пpоізведеніяx модеpна, нp і cама ЇХ композиційна й плаcтічеська cтpыктиpа - обіліе кpиволінейниx очеpтани, оpливающіx, неpовниx пpоpовниx контиpуx, фopовнyx пoвoлeнiйx пoтyпypы. S modernou úzce souvisí - symbolismus, který položil estetický a filozofický základ moderně, spirálovitě směřující k moderně jako platformě pro realizaci vlastních představ. Secese v různých zemích se nazývá odlišná, protože je v podstatě synonymem: secese - ve Francii, secese - v Rakousku, Jugendstil - v Nimechchina, Liberty - v Itálii. |
|
 |
- (francouzsky moderna - moderna) je společný název pro umění první poloviny 20. století, pro některé charakteristicky přepsané tradiční formy a estetiku minulosti. Modernismus má blízko k avantgardě a je opakem akademismu. |
| - jméno, které jde v duchu umění, rozšířeného v letech 1905-1930. (fauvismus, kubismus, futurismus, expresionismus, dadaismus, surrealismus). Veškerá čchi přímo navazuje na praxi moderního umění, přehodnoťte tento úkol, získejte svobodu uměleckého vyjádření. | |
 |
- přímo u mystetstvі k. XIX - n. století, založené na kreativních lekcích francouzského umělce Paula Cezanna, které přivedly obvyklé formy v obraze k nejjednodušším geometrickým tvarům a zbarvení do kontrastních podnětů teplých a studených tónů. Sezanismus sloužil jako jeden z hlavních bodů kubismu. Ve velkém světě se sesanismus také ponořil do vitchiznianské realistické školy malby. |
 |
- (typ fauve - divoký) avantgardní směr ve francouzském umění. XX čl. Název „divoký“ dali moderní kritici skupině umělců, kteří vystoupili v roce 1905. Pařížský salon má nezávislý a málo ironický charakter. Ve skupině byli A. Matiss, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, K. van Dongen a další. , hledat impulsy v primitivní kreativitě, středostavovském umění a hned. |
| - Navmišné zjednodušení obrazotvorných nástrojů, dědění primitivních etap ve vývoji umění. Tento termín znamená tzv. naїvne umění umělců, yakі zdobuli spetsії osvіti, prote zaluchenih k zagalnogo uměleckého procesu k. XIX - poch. XX století. K dílům těchto umělců - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov a další. panovačnost a originální dětinskost ve výkladu přírody, jemně vyhrocená forma a doslovnost v detailech. Primitivismus tvoří zovsіm na znamení primitivnіst zmіstu. Vіn často slouží jako dzherel pro profesionály, yakі zapozichili z lidových, ve skutečnosti primitivní umění formy, obrazu, metody. M. Gončarová, M. Larionov, P. Picasso, A. Matiss čerpali inspiraci z primitivismu. | |
 |
- Přímo z umění, které se formovalo na základě předtrimanských kánonů starověku a období renesance. Začínal v bohatých evropských uměleckých školách od 16. do 19. století. Akademie, která přeměnila klasické tradice v systém „věčných“ pravidel a řádů, spoutajících kreativní vtipy, snažící se čelit neúplné živé povaze „časového“ zdokonalování, přivedl k plnosti národní a hodinové formy krásy. Akademіzm se vyznačuje převládajícími zápletkami starověké mytologie, biblická či historická témata zápletek ze života současného umělce. |
| - (francouzský Cubisme, Cube - kostka) přímo v umění první čtvrtiny XX století. Plastická řeč kubismu je založena na deformaci a umístění objektů na geometrické rovině, plastické destrukci formy. Lidé kubismu žijí v rocku 1907-1908 - před prvním dnem prvního světa. Ten publicista G. Apollinaire zpívá nevnímaného vůdce, který se přímo stává. Tento trend byl jedním z prvních, který inspiroval přední trendy dalšího rozvoje umění XX. Jedním z těchto trendů byla dominance konceptu nad uměleckou sebehodnotou obrazu. J. Braque a P. Picasso jsou podporováni kubismem jako otcové. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris a spol. | |
| - proudy v literatuře, malbě a kinematografii, které byly zavedeny v roce 1924 ve Francii. S výrazným klidem to vzalo formování svědectví moderního člověka. Hlavy divokých duchů - Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dalí, Louis Buñuel, Juan Miro a mnoho dalších umělců z celého světa. Surrealismus vislovlyuvav nápad іsnuvannya postoj skutečné, zvláště významnou roli zde absurdní, neviditelný, sen, sen. Jednou z charakteristických metod surrealistického umělce je využití uznávané kreativity, okrádat ji nástrojem, ve kterém různými způsoby chimérické obrazy vizionářských mostů, spory s halucinacemi. Surrealismus přežil šprotskou krizi, přežil přítele Svatá válka a krok za krokem, naštvaný na masovou kulturu, mísící se s transavantgardou, přesouvající se jako skladiště do postmoderny. | |
 |
- (Z lat. futurum - budoucnost) literární a umělecké proudy v umění 10. let. Když Cheba dostal slovo prototypu umění budoucnosti, futirism jako hlavní program viděl myšlenku povolení kulturních stereotypů a nabídl omluvu za technologii a ypbanismus. Stává se silničním uměleckým nápadem k fiturismu, stává se plastickou virázou střímkosti spěchu jako hlavním znakem tempa moderního života. Ruská verze futurismu se nazývala kuboturistika a byla založena na stejných plastických principech francouzského kubánského a evropského fyzického |
gotický(z italštiny gotico - neprimární, barbarské) - období rozvoje umění střední třídy, které poté, co zaplavilo všechny sály kultury, rozvinulo život západní, střední a chastkovo Schidnoy Evropy od XII. XV století. Gotika završila vývoj evropského umění střední třídy, obviňovala ho z výdobytků římské kultury a éra obrození umění střední třídy byla považována za „barbarskou“. Gotické umění bylo kultovní pro uznání a náboženské pro toto téma. Obrátilo se k větším božským silám, věčnosti, křesťanskému pozorovateli světla. Gotika se ve vývoji dělí na ranou gotiku, období vývoje, ranou gotiku.
Slavné evropské katedrály se staly mistrovskými díly gotického stylu, protože turisté rádi fotí ty nejdůležitější detaily. Při navrhování interiérů gotických katedrál hrála důležitou roli barevná řešení. Je zde velké množství zlacení, světlonosný interiér, prolamování stěn, krystalizace prostoru. Hmota byla zbavena vznešenosti a neproniknutelnosti, byla jaksi zduchovněna.
Majestátní plochy oken vyplňovaly vitráže s kompozicemi, které potvrzovaly historické legendy, apokryfní eposy, literární náboženské příběhy, obrazy bututovyh scén ze života obyčejných rolníků a remіsnikіv, yakі byly jedinečnou encyklopedií života v období středověku. Koňské šelmy byly až po dno vyplněny kudrnatými kompozicemi, jako by byly umístěny v medailonech. Vzestup světla a barev na klasu k malbě v technice vitráže dal podnět k uměleckým kompozicím. Vykny vítězily v různých barvách: tlustočervené, ohnivé, červené, barvy granátového jablka, zelené, žluté, tmavě modré, černé, ultramarínové, virizanové po obrysu malého... Vikna byla grilovaná jako drahé drahokamy, propíchnutá zlověstné světlo, na vzduchu ve vzduchu.
Gotické barvě skul se zrodily nové estetické hodnoty a největší zvučnost zářivé barvy získaly furby. Čistá barva dala vzniknout atmosféře drůbežího středu, vycpaného různými odstíny řízku a světla na sloupech, spodním prádle, vitrážích. Kolіr se změnil v dzherelo svіtla, což ztlumilo vyhlídku. Tovste sklo, často nestejně, bylo jako nepříliš ostré baňaté cibuloviny, které zveličovaly výtvarný efekt vitráže. Světlo, procházející nerovným tovshu skla, bylo rozdrceno a začalo růst.
Nejlepší obrázky správných gotických vitráží se rozhlížejí v katedrálách Chartres, Bourges a Paříže (například „Bogomatir z Nemovlyamu“). Je plná nejen nápisů, ale také „Flaming Wheels“ a „Molyuchy Glitters“ v katedrále v Chartres.
Od poloviny 1. století se do baristického rámusu začaly zavádět skládané barvy, jako by byly odebírány k dodatečnému činění. V Sainte-Chapelle (1250) se zachovala taková nevšední vitrážová okna v gotickém stylu. Obrysy byly naneseny podél svahu hnědým emailem farboi a formy s tímto měly malý plochý charakter.
Gotická éra se stala hodinou pro objev umění miniaturních knih a pro rozvoj uměleckých miniatur. Síla světských tendencí v kultuře jen posílila jejich rozvoj. Ilustrace bohaté figurální kompozice Náboženská témata zahrnovala různé realistické detaily: obrazy ptáků, zvířat, vánice, ozdoby rostoucích motivů, výjevy na zadku. Zvláštní poetické kouzlo díla francouzského miniaturisty Jeana Pussela.
Při vývoji francouzských gotických miniatur 13-14 století obsadila místo pařížská škola. Žaltář sv. Ludvíka ryasnі, bohaté figurální kompozice, orámované jedním motivem gotická architektura, proč rozpovіd nabuvaє nadzvychaynoї řetězec (Louvre, Paříž, 1270). postavy žen a obličeje jsou půvabné, jejich formy prostupují strumové linie, vytvářející iluzi pohybu. Bohatost a hustota barev, stejně jako dekorativní architektura toho malého, přeměňují tyto miniatury na jedinečná umělecká díla a drahé zdobení stran.
Styl gotické knihy umocňují vybroušené formy, neuchopení, neuchopení, filigrán prolamovaného vizerunku a křehkost vinutí linií. Varto znamenají, že ve 14.-15. století byly ilustrovány i Svitského rukopisy. Knihy hodin, vědecká pojednání, sbírky milostných písní a kronik jsou plné zázračných miniatur. V miniatuře, která byla ilustrována díly dvorské literatury, byl vštípen ideál osobní kokhanny a také výjevy velkolepého života. Podobný vitvir je rukopis Manes (1320).
Postupem času se gotika stávala odpornější. „Velké francouzské kroniky“ ze 14. století ukazují umělcovu schopnost proniknout do pocitu, který zobrazuje. Těmto knihám bylo svěřeno dekorativní tříštění zahalených zahalených vinět a rámečků chimérických forem.
Gotická miniatura se do obrazu již zaryla a přinesla do umění středověku živé brnkání. Gotika se stala nejen stylem, ale důležitým článkem v divokém kulturním vývoji duše. Mistři stylu s přesností pojmenování dokázali vytvořit image svého partnera v objektivním a přirozeném prostředí. Velké a duchovní gotické výtvory jsou zdokonalovány aurou jedinečného estetického kouzla. Gotika dala vzniknout nové syntéze mystiky a tato realistická dobývání připravila půdu pro přechod do epochy renesančního umění.
Malba je jedním ze starověkých umění, protože bohaté století prošlo vývojem paleolitických nástěnných maleb až po nové trendy XX. a XXI. století. Tse mystetstvo se zrodilo prakticky ze vzhledu lidstva. Starověcí lidé, kteří nedokázali rozpoznat skutečnou lidskou bytost, si uvědomili potřebu zobrazovat světlo na povrchu. Ten smrad maloval vše, o čem snili: tvory, přírodu, myslivské výjevy. Pro malování zvítězil smrad, podobně jako farbi, vyrobené z přírodních materiálů. Tse buli pozemšťané barvy, vesnice vugіllya, černé saze. Penzlikové chlupaté tvory okradli, nebo prostě malovali prsty.
V důsledku změny byly obviňovány nové žánry malby. Za starou dobou, obdobím antiky. Viniklo je dílem umělců a umělců až do vytvoření skutečného života, jako je pobíhání lidí. Pragnennya přesnost přenosu volal původ základů perspektivy, základy světelných motivů různých obrazů a jejich dokončení umělci. A ten smrad nás proplétal před nimi, jako byste mohli na ploché stěně poblíž fresky znázornit obrovskou prostranství. Deyakі vytvori mystekstva, tak jako obrovská rozloha, svetlotinі začal vikoristovuvat ozdobit místo, centrum náboženství a pohovannya.
Začněme důležité období v minulém malířství a středověku. Malba je zároveň spíše náboženského charakteru a na umění začala narůstat myšlenka. Kreativita umělců byla založena na ikonografii a dalších náboženských melodiích. Hlavní důležité momenty, které má umělec na svědomí, nebyly v zobrazení reality tak přesné, jak je přenos duchovna vštípen do těch nejmanipulativnějších obrazů. Plátna tehdejších mistrů se protivila živostí kontur, krásou a barevností. Obraz střední třídy je nám dán plošně. Všechny postavy umělců v tu hodinu překupují na jedné lince. A tak nám spoustu výtvorů dávají laciné stylizace.
Období šedého středověku změnilo nejsvětlejší období renesance. Období renesance přineslo nový zlom v historickém vývoji tohoto umění. Nové nálady duše, nový svetoglyad začal diktovat umělci: to jsou aspekty malby, které jsou jasnější a jasnější. Žánry malby, jako je portrét a krajina, se stávají samostatnými styly. Umělci vyjadřují emoce lidí a jejich vnitřní svět prostřednictvím nových způsobů malby. V 17. a 18. století došlo k vážnějšímu rozmachu malířství. Katolická církev v tomto období ztrácí na významu a umělci ve svých výtvorech stále častěji zobrazují správný pohled na lidi, přírodu a každodenní život. Zároveň se formují i takové žánry, jako je baroko, rokoko, klasicismus, manýrismus. Obviňovat romantismus, který je v budoucnu nahrazen efektním stylem – impresionismem.
Na počátku 20. století se malba radikálně mění a přichází nové přímé moderní umění - abstraktní malba. Myšlenka toho je přímo ve skutečnosti, že můžete zprostředkovat rok mezi lidmi a mystikou, vytvořit harmonii mezi liniemi a barevnými vibracemi. Tse umění nemá objektivitu. Neopakuje přesný přenos skutečného obrazu, ale místo toho zprostředkuje emoce, které má umělcova duše. Důležitou roli pro jakýkoli druh umění je vytvořit tuto barvu. Podstatou toho je zprostředkovat novým způsobem dříve známé předměty. Zde mits doufají v úplnou svobodu svých fantazií. Tím se zrodil rozvoj moderních směrů, jako je avantgarda, underground, abstrakcionismus. Od konce 20. století až do současnosti se malba neustále mění. Navzdory nové dostupnosti a moderním technologiím však umělci stále spoléhají na klasické umění - olejomalbu a akvarel, aby svá mistrovská díla vytvořili pomocí barev a pláten.
Natalia Martinenko
Dějiny figurativního umění
Historie malby je nevyčerpatelná lanceta, která vznikla z prvních rozbitých obrazů. Kožený styl vyrůstá ze stylů, jako buly před ním. Kozhen je skvělý umělec, který dosáhl dosahu prvních umělců a zahrnuje nejnovější umělce.
Malování si můžeme užít pro jeho krásu. Yogo linie, tvary, barvy a sklad (zastřešení dílů) mohou být jako naše pocity a přetrvávat v naší mysli. Ale je spokojen s růstem mystiky, pokud ji známe, zda a proč a jak vznikla.
Do dějin malby bylo přidáno mnoho faktorů. Geografie, náboženství, národní zvláštnosti, historické pozadí, vývoj nových materiálů – to vše pomáhá utvářet umělcovu image. Natažením proudu dějin obraz vynesl na světlo jemnohmotný svět a naše výpovědi o něm. Ve vlastních rukou umělci dali jeden z nejlepších záznamů o vývoji civilizace, někdy rozkrivayuchi více než nižší psané slovo.
Pravěká malba
Obyvatelé Pecherni byli prvními umělci. Na stěnách jeskyní ve Francii a Španělsku byla nalezena barevná stvoření z doby 30 000 až 10 000 let před naším letopočtem. Bagato z tsikh malyunkіv zcela dobře zachovalé, k tomu pece byly zapečetěny stoletím bagatioh. Raní lidé malovali divoká stvoření, takové smrady zuřily dovkol. V Africe a Skhodі Іspanії znali dokonce i hrubé lidské pozice, zlomené v životních pozicích.
Umělci pece zaplnili stěny pece maličkými v sytých, jasných barvách. Děti z nejkrásnějších obrazů jsou překupovány u kamen Altamira, Španělsko. Jeden detail ukazuje zraněného buvola, který už nestojí za to stát – imovirno, oběť myšlenky. Vіn zabarvleniy mají červenohnědou barvu a křtiny jsou jednoduché, ale elegantní, černé. Pigmenty, jako vítězné, malovali pekaři - okr (oxid slunce, který se stará o barvu od světle žluté po tmavě oranžovou) a mangan (tmavý kov). Smrad se nabarvil na jemný prášek, smíchal s olejem (třeba s mastným olejem) a nanesl na povrch jako štětec. Někdy byly pigmenty napěchovány do tvaru tyčinek, podobně jako u bábovky. Tuk smíchaný s práškovitými pigmenty okradl domovinu lacofarb a částice pigmentu byly slepeny dohromady. Obyvatelé pece vyráběli štíty z tvorů vlasů a roslinu a gostrі nástroje z pazourku (pro malování toho podryapinu).
Již více než 30 000 let lidé nacházejí hlavní nástroje a materiály pro malování. Metody a materiály byly v nadcházejícím století důkladně vylepšeny. Aloe z pecního pytle jsou hlavní pro malování.
Egyptské a mezopotámské malířství (3400-332 př.nl)
Jedna z prvních civilizací se objevila v Egyptě. Z písemných záznamů oné mystiky, zbavené Egypťanů, je mnohé o jejich životě. Smradlavci respektovali, že tělo lze zachránit, aby duše mohla žít po smrti. Velké pyramidy byly skládací hrobky bohatých a mocných egyptských vládců. Mnoho egyptského umění bylo vytvořeno pro pyramidy a hrobky králů a dalších významných lidí. Aby umělci byli absolutně inspirováni, že duše je udržována naživu, vytvořili obrazy mrtvého člověka v kameni. Smrad vytvořil i výjevy ze života lidí na nástěnných malbách u pohřebních síní.
Egyptské techniky figurativního umění byly zbaveny nevyhnutelného prodlužování století. Jedním způsobem byla akvarelová barva aplikována na hliněné nebo vape povrchy. V jiném procesu byly obrysy viditelné na kamenných zdech a byly vyplněny vodovými barvami. Materiál, názvy arabské gumy, ymovirno, vikoristovvsya pro lepení farbi na povrch. Suché klima a zapečetěné hrobky naštěstí ustoupily takovým akvarelovým malbám, které se ve vodě hroutily. Dochovalo se mnoho myslivských výjevů ze zdí hrobek u Théb, datovaných do roku 1450 před Kristem. Ten smrad ukáže, jak moudří muži sledují ptáky abo riba. Tyto pozemky lze identifikovat dodnes, protože smrad byl pečlivě a rozhodně připraven.
Mezopotámská civilizace, podobně jako Trival v letech 3200 až 332 př. n. l., byla vysazena v údolí mezi řekami Tigris a Eufrat na Blízkém sestupu. Budinki v Mezopotámii byly většinou vyrobeny z hlíny. Úlomky hlíny pomohly prknu, jejich brázdy spadly do pilulky, byly jako skutečné malby, jako by snad byly spíše cicavím. Co se podařilo zachránit, byla keramika zkrášlena (obroušena a opařena) a barvy mozaiky. Mozaiky sice nejsou vidět jako obraz, ale smrad se do nich často vhání.
Egejská civilizace (3000-1100 př.nl)
Třetí velkou ranou kulturou byla civilizace Yegei. Egypťané žili na ostrovech podél řeckého pobřeží a na ostrovech Malé Asie přibližně ve stejnou hodinu jako staří Egypťané a Mezopotámci.
V roce 1900 začali archeologové vykopávat palác krále Minose v Knossu na ostrově Kréta. Vykopávky odkryly umělecká díla, napsaná kolem roku 1500 před naším letopočtem. v přehnaně odporném a půvabném stylu té hodiny. Je zřejmé, že Kréťané byli neturbulentní lidé, kteří milovali přírodu. Uprostřed svých oblíbených témat, umění mořského života, tvorů, životů, sportovních her, masových procesů. V Knóssu a dalších egejských palácích se malovaly obrazy na vlhké sádrové stěny barvami z minerálních rechovinů a hliněným okrem. Barva prosákla vodnatou omítkou a stala se trvalou součástí stěny. Tyto obrazy byly později nazývány fresky (z italského slova „čerstvý“ nebo „nový“). Kréťané byli jako žluté, červené, modré a zelené odstíny.
Řecká tarimská klasická malba (1100 př.nl - 400 n.l.)
Staří Řekové zdobili stěny chrámů a paláců freskami. Ze starých literárních džerel a z římských opisů Řecké umění dá se říci, že Řekové malovali malé obrázky a vyráběli mozaiky. Pamatujeme si jména řeckých mistrů a tři věci z jejich života a díla, i když jen málo z řecké malby přežilo století a dědictví války. Řekům se u hrobek špatně psalo, a tak jim byli ukradeni roboti.
Pofarbovani vazi - vše, co se zachovalo v dnešní řecké malbě. Příprava keramiky měla velký úspěch v Řecku, zejména v Athénách. Nádoby byly skvělým nápojem, byly vyváženy, stejně jako olej a med, a pro butovyh účely. Největší raná vázová malba vikonů v geometrických obrazcích a ornamentech (1100-700 př.nl). Vázy byly zdobeny lidskými postavami v hnědé glazuře na světlé hlíně. Až do 6. století malíři váz často malovali černé lidské pozice na přírodní červenou hlínu. Detaily byly vyrobeny na hlíně pomocí gostry nástroje. Tse dovolil chervonomu objevit se v roklích reliéfu.
Červeno-figurovaný styl byl nahrazen černým. To znamená, navpaki: postavy jsou červené a černá se stala popelem. Výhoda tohoto stylu byla v tom, že umělec mohl okamžitě vyhrát penzel na vytváření kontur. Štít dává volnou linii, nižší kovový nástroj, který vítězí nad černými kudrnatými vázami.
Římské nástěnné malby byly známé jako hlavní řada vil (zamіsky budinkas) v Pompejích a Herculaneu. V 79 krajích naší země byla dvě místa většinou inspirována erupcemi sopky Vesuv. Archeologové, kteří tuto oblast prokopali, se mohli dozvědět mnohé o starém římském životě v těchto místech. Na stěnách stánku s kůží ve vile v Pompejích byly malby. Římští malíři pečlivě připravili povrch stěny, nanášeli sumish z mramorové pily a omítky. Ten smrad vyleštil povrch do rozsahu marmurského povlaku. Spousta obrazů - kopie řeckých obrazů ze 4. století před naším letopočtem. Prořídlé pózy postav namalovaných na stěnách Will of the Mysteries u Pompejí dusily umělce v 18. století, pokud bylo místo rozkopáno.
Portréty malovali i Řekové a Římané. Malý počet z nich, především portréty mumií, vyšívané v řeckém stylu egyptskými umělci, byly zachráněny poblíž Oleksandria, pivnich z Egypta. Oleksandriya, založená ve 4. století před naším letopočtem Oleksandrem Velikým z Řecka, se stala předním centrem řecké a římské kultury. Portréty byly malovány technikou enkaustiky na dřevo a byly instalovány při pohledu na mumii po smrti člověka. Enkaustické malby vyrobené z barvy smíchané s roztaveným voskem bjoline jsou dlouho uloženy. Je pravda, že tyto portréty vypadají stále svěže, i když zápach chátral v jiném století před naší dobou.
Raně křesťanské a byzantské malířství (R. 300–1300)
Římská říše upadala ve 4. století našeho letopočtu. Právě v tu hodinu křesťanství nabývalo na síle. V roce 313 římský císař Kostyantyn oficiálně uznal náboženství a sám přijal křesťanství.
Viniknennya křesťanství silně vpliniv mystetstvo. Umělci byli pověřeni vyzdobit stěny kostela freskami a mozaikami. Smradi okradli panely v kostelních kaplích, ilustrovali a zdobili církevní knihy. Pod přílivem církve se umělci provinili tím, že mohli jasněji mluvit o vývoji křesťanství.
Raní křesťané a byzantští umělci pokračovali v technice mozaiky a Řekové o zápachu věděli. Na vodní cement a omítku byly instalovány malé ploché skvrny z barevného kamene. Vítězné byly i další tvrdé materiály, jako kousky pečené hlíny nebo shkaralupi. V italské mozaice jsou barvy zvláště hluboké a spovněné. Italští umělci vykradli pozadí kusy zlaceného obkladu. Zápach znázorňoval lidské pozice v sytých barvách na mšicích lesklého zlata. Okázalý efekt je plochý, dekorativní a nerealistický.
Mozaiky byzantských umělců byly často méně realistické a více dekorativní, méně motivy raných křesťanů. "Vizantiiske" - název pro styl umění, jak se vyvinul před starobylým městem Byzantium (devět Istanbul, Turechchina). Mozaiková technika ideálně odpovídala byzantskému vkusu pro zdobení kostelů. Slavné mozaiky Theodoriho a Justiniána, připravené kolem roku 547 r. n. e. demonstrovat závan bohatství. Na postavách se lesknou látky z bižuterie a na mšicích třpytivého zlata barevné látky dvořanů. Byzantští umělci také získali zlato na freskách a panelech. Zlato a další drahé materiály byly ve středověku vítězné, aby obhájily duchovní předměty z každodenního světa.
Střední malba (500–1400 rublů)
První část středověku, přibližně od 6. do 11. století našeho letopočtu, se nazývá temná. Přitom mystika byla v klášterech velmi důležitá. V 5. století našeho letopočtu. Po kontinentu se potulovaly varranské kmeny z Pivničnoy a střední Evropy. Upgradování stovek rockových smradů ovládlo západní Evropu. Tsі lidé zrobili mystetstvo, pro některé hlavy prvek є vіzerunok. Zápach dusil zejména konstrukce draků a ptáků.
To nejlepší z keltského a saského umění lze nalézt v rukopisech 7. a 8. století. Knižní ilustrace, iluminace a miniatury, provozované od pozdní římské hodiny, se rozšířily ve středověku. Iluminace - tse zdobení textu, velká písmena a zalévání. Zvítězily zlaté, stříbrné a jascarové barvy. Miniatura je malý obrázek, často portrét. Tento výraz byl napsán na zadní straně pro popis ozdobného bloku na zadní straně klasových písmen v rukopisu.
Karel Veliký, který byl na počátku 9. století korunován císařem Svaté říše římské, se pokusil oživit klasickou mystiku pozdního římského a raně křesťanského období. Pod hodinou 19. panování umělci miniatur zdědili klasické umění, ale smrad přenášel i prostřednictvím jejich objektů zvláštní pocity.
Z poloviny se podařilo zachránit i trochu malby stěn. V kostelech, které byly probuzeny v době románské (11-13 století), bylo několik velkých fresek, ale objevilo se jich více. Kostely gotického období (XII-XVI století) měly dostatek prostoru pro nástěnné malby. Ilustrace knihy byla dílem hlavy gotického umělce.
Mezi nejlepší ilustrativní rukopisy patřily knihy výročí - sbírky kalendářů, modliteb a žalmů. Na straně italského rukopisu jsou důmyslně navržené iniciály a jemně detailní okrajová scéna sv. Jiří zabíjející draka. Barvy se lesknou a podobají se drahému kameni, jako vitráže, a přes bok se mihne zlato. Tenčí tenké listy a květinové motivy se prolínají s textem. Umělci, ymovіrno, vikoristovuvali zbіshuvalne sklo pro vykonannya takové skládací detailní práce.
Itálie: Cimabue ta Giotto
Italští umělci, stejně jako 13. století, stále praktikovali byzantský styl. Lidské sloupky byly tvořeny plochými a dekorativními. Jednotlivci měli viraz jen zřídka. Těla nebyla vagomimi, zdálo se, že se vznášela, ale nestála na zemi. Ve Florencii se umělec Cimabue (1240-1302) pokusil zmodernizovat činy ze starých byzantských metod. Andělé v „Madoně na trůnu“ jsou aktivní, na obrázcích té hodiny je zvuk nižší. Tato gesta a vystupování ukazují více než lidské pocity. Cimabue dodal svým obrazům nový smysl pro monumentalitu a psaní. Nadále však navázal na bohaté byzantské tradice, jako je zlatý popel a vizeunkové zdobení předmětů a postav.
Tse bov velký florentský umělec Giotto (1267–1337), který se ve skutečnosti vymanil z byzantské tradice. Série fresek v kapli Areni v Padově zastiňuje byzantské umění daleko za sebou. V těchto scénách ze života Marie a Krista jsou správné emoce, napětí a naturalismus. Jsou přítomny kníry lidské vřelosti a soucitu. Lidé se nevzdávají absolutně nereálné nebo nebeské. Giotto stínuje obrysy postav a umísťuje hluboké stíny na záhyby róby, aby dodal pocit kulatosti a objemu.
Pro své malé panely vytvořil Giotto čistou ječmennou temperu, střed, kterou zdokonalili Florenťané ve 14. století. Jasnost a jas barev yogo byly na lidech malé, silně přilepené, jako by zněly temným barvám byzantských panelů. Malby temperami na oslavu porážky, to měkké světlo dopadá na jeviště. Zápach může být plochý, na vіdminu vіd lesk olejomalba. Vaječná tempera byla překryta hlavou farboi, doky olejové mayzhe ji v 16. století opět nenahradily.
Piznіy srednyovіchny malba na pіvnіch vіd Alps
Na počátku 15. století umělci v Pivničnij Evropě praktikovali styl podobný modernímu stylu italské malby. Pivnіchnі umělci dosáhli realismu a přidali do svých obrazů nevýrazné detaily. Všechny vlasy byly prořídlé a detail kůže drapérie nebo podložek byl přesně vložen. Vinahid malby olivovým olejem byla zjednodušena detailními detaily.
Vlámský umělec Jan van Eyck (1370-1414) významně přispěl k rozvoji olejomalby. Pokud zvítězí tempera, je nutné na barvu nanést barvy. Ten smrad jeden po druhém neumí dobře stínit, k tomu je barva suchá suchá. S olejem, jako by byl dostatečně suchý, může umělec dosáhnout skládacích efektů. Yogo portréty 1466-1530 boules vikonanі na vlámské ropné technіtsі. Všechny detaily a zrcadlové obrazy jsou jasné a přesné. Barva je napodobující a může být tvrdý, povrch podobný smaltu. Mletá dřevěná deska byla připravena stejným způsobem, jako Giotto připravoval své desky na tempery. Van Eyck vytvořil obrázek s kuličkami tenké barvy zvané glazura. Tempera, imovirno, zvítězila v původní desce a pro zvuky.
Italská renesance
V tu hodinu, pokud van Eyck pracoval v Pivnochi, Italové prošli zlatem století umění a literatury. Toto období se nazývá renesance, což znamená znovuzrození. Italští umělci se inspirovali sochařstvím starých Řeků a Římanů. Italové chtěli oživit ducha klasického umění, které oslavuje lidskou nezávislost a šlechtu. Mitzvos epochy renesance pokračoval v malování náboženských scén. Ale smrady také podporovaly život na zemi a dosah lidí.
Florencie
Giottův úspěch na klasu ze 14. století zahájil renesanci. Italští umělci 17. století pokračovali v józe. Masaccio (1401-1428) byl jedním z vůdců první generace umělců v době renesance. Vin žije poblíž Florencie, bohatého obchodního místa, kde začala epocha renesance. Až do jógy smrti například dvacet osudů vín, které vytvořily revoluci v malbě. Na své slavné fresce "The Tribute Money" by měl do krajiny, která, jak říká, sahá daleko do dálky, umístit pevné sochařské postavy. Masaccio se možná naučil perspektivy od florentského architekta a sochaře Brunelleschiho (1377-1414).
Technika fresky se stala populárnější v epoše renesance. Vaughn se hodil především pro skvělé obrazy, protože barvy na freskách jsou suché a dokonale ploché. Obraz se může podívat pod pokličku, bez jakékoli blaženosti, nebo vodbitkiv. Také mohou být přístupné fresky. Zavolejte umělcům Mali kіlka pomіchnіv. Roboti byli biti po kouscích, na které bylo nutné je dodělat, dokud byla omítka ještě mokrá.
Nový Masacciův styl „trivi-world“ byl typický pro novou progresivní rovinku 15. století. Styl Fra Angelico (1400-1455) je tradiční přístup, který získali umělci rané renesance. Vіn buv méně turbovaniya vyhlídka, že více tsіkavivsya dekorativní málo. Yogo "Korunovace Matky Boží" - temperová pažba pro nejkrásnější vikonan. Veselé, syté barvy na zlatých mšicích a akcentované zlatem. Obrázek vypadá jako zvětšená miniatura. Dovgі vuzkі postava mаut trochu ospalý z Masaccia. Kompozice je uspořádána do širokých pohybových linií, které rotují kolem ústředních postav Krista a Marie.
Dalším Florentinem, který praktikoval tradiční styl, byl Sandro Botticelli (1444-1515). Streamované rytmické linky jdou po řadách „Spring“ od Botticelliho. Postavu Jara, kterou nese studený vítr, nese pravá ruka. U kůlu tančí tři grácie, záhyby jejich látky, které rostou, a řídnutí rukou jejich rukou otáčejí rytmus tance.
Leonardo da Vinci (1452-1519) začal malovat ve Florencii. Vidomy svými vědeckými úspěchy a vinicemi, stejně jako svými obrazy. Mnoho obrázků bylo zachráněno, často proto, že často experimentovali s různými způsoby výroby Farbi, a ne s různými zkroucenými a spolehlivými metodami. "Poslední večeře" (napsaná v letech 1495 až 1498) byla rozbita v oleji, ale bohužel Leonardo, který napsal її na vodní stěnu, prorazil barvu jaku. Ale navit ve špinavém táboře (před restaurováním) na obrázku je malá budova zbudzhuvat emoce ve všech, kteří fandí.
Jedna z nejznámějších kreseb ve stylu Leonardo yogo, metoda zobrazování ohňů a temnot. Italové tomu říkali „sfumato“, což znamená matné části nebo mlha. Postavy v "Madoně ze Skel" jsou zahaleny v atmosféře sfumato. Їхні tvoří ta rýže jemně stínovaná. Leonardo dosáhl těchto efektů, zástupných i jemných gradací světlých a tmavých tónů.
Řím
Vrchol renesančního malířství nastal v 16. století. Ve stejné době se centrum umění a kultury přesunulo z Florencie do Říma. Za papeže Sixta IV. a jeho přímluvce Julia II. bylo místo Říma slavné a bohatě zdobené umělci renesanční doby. Akty z nejdůležitějších projektů tohoto období byly identifikovány během hodin papežství Julia II. Julius pověřil velkého sochaře a malíře Michelangela (1475-1564) namalováním stély Sixtinské kaple a zhotovením sochy pro hrob Papiho. Julius také požádal malíře Raphaela (1483-1520), aby pomohl vyzdobit Vatikán. Raphaelovi asistenti malovali chotiri Papiho bytů poblíž Vatikánského paláce.
Michelangelo, Florenťané, kteří vyvinuli monumentální styl malby. Postavy na Yogových obrazech jsou na podlaze mitzna a objemu, který smrad vypadá jako socha. Sixtinská stéla, která převzala 4 skály od Michelangela, je tvořena stovkami lidských postav ze Starého zákona. Schob vykonat tsyu grandiózní fresku, Michelangelo měl možnost si na obraz lehnout na záda. Promyšlená maska Jeremiáše mezi proroky, jako stéla, jáhnové odborníků respektují Michelangelův autoportrét.
Raphael přišel do Florencie z Urbina jako mladý muž. Ve Florencii vína, které převzaly myšlenky Leonarda a Michelangela. Pokud v tu hodinu Raphael odjel do Říma pracovat ve Vatikánu, jeho styl se stal jedním z nejlepších pro krásu vikonannu. Vin má obzvláště rád své krásné portréty Madony ticha. Ten smrad vznikl po tisících, můžete ho pít všude. Yogo "Madonna del Granduca" je úspěšná ve své jednoduchosti. Ta čistota je nadčasová ve své mírumilovnosti, je nám tak dobře známá, jako Italům z éry Raphaela.
Benátky
Benátky byly hlavní italskou hospodou epochy renesance. Viděli ji umělci z Flander a dalších regionů, protože věděli o vlámských experimentech s olivovou farboou. To podnítilo raný rozvoj olivové technologie v italském městě. Benátčané se naučili malovat obrazy na hustě tažené plátno, a ne na dřevěné panely, jako zvuk vikoristy ve Florencii.
Giovanni Bellini (1430-1515) byl největší benátský umělec 15. století. Vin je také jedním z prvních italských umělců, kteří získali obraz na plátně. Giorgione (1478-1151) a Tizian (1488-1515), který byl ze všech ostatních benátských umělců nejznámější, byl učitelem mistra Belliniho.
Mistr olejové techniky Tizian maloval majestátní plátna v teplých sytých barvách. Ve svých vyzrálých obrazech obětoval detaily, aby vytvořil jemné efekty, například jako v Madonně Pesaro. Vyhrávat skvělé štětce, pracovat se skvělými tahy. Yogo colori je obzvláště sytá, pro ty, kteří jsou tolerantnější při vytváření glazur kontrastních barev. Na tmavě hnědou plochu byly naneseny lazury Zvichay, které dodaly obrazu jednotný tón.
Dalším velkým benátským umělcem 16. století byl Tintoretto (1518–1594). Z pohledu Tiziana byla vína zpracována bez středu na plátně bez předních skic nebo obrysů. Vіn často spotovoryuvav jeho formy (zkroucené їх) kvůli kompozici a dramatické zápletce. Tato technika, která zahrnuje široké tahy a dramatické kontrasty světla a tmy, vzniká dodnes.
Umělec Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) se narodil jako El Greco (“Greetska”). Národ na ostrově Kréta, obsazení benátskou armádou, El Greco byl vycvičen italskými umělci. Být kluk, virushiv vchitisya v Benátkách. Spojení byzantské mystiky, jako sám vinný mládenec na Krétě, této italské mystiky epochy renesance, učinilo dílo El Greca požehnaným.
Ve svých obrazech evokoval přírodní formy a vítězné, podivuhodnější, nadpozemskější barvy, nižší Tintoretto, jako udušené víno. Později se El Greco přestěhoval do Španělska a do jeho díla se přelila pochmurnost španělského umění. V tomto dramatickém městě Toledo zuří bouře nad smrtelným klidem tohoto místa. Studená modrá, zelená a modrobílé barvy šíří chlad po krajině.
Renesance ve Flandrech a Nimechčině
Zlatá století malby poblíž Flander (jedna část Belgie a francouzské Francie) byla 15. století, hodina van Eycka. V XVI. století mnoho vlámských umělců vystřídali italští umělci renesanční éry. Chránci Vlámů pokračovali ve vlámské tradici realismu. Tímto způsobem se rozšířila žánrová malba - scény z každodenního života, jako některé byly okouzlující a některé fantastické. ІєRONім Bosch (1450-1515), který převálcoval žánrové umělce, nadpřirozeně jasně bdí. Vіn vygadav sіlyakih úžasný, groteskní іstot pro Pokušení sv. Anthony". Pieter Brueghel starší (1525-1569) také praktikoval vlámskou tradici a přidal do svých žánrových scén perspektivu a další charakteristiky renesance.
Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein mladší (1497-1543) a Lucas Cranach starší (1472-1553) byli tři z nejvýznamnějších německých umělců 16. století. Zápach byl hodně rozdmýchán, aby pomohl udusit ponurý realismus raného německého malířství. Dürer opět zavítá do Itálie, předurčené k tomu, aby se nechala uchvátit obrazy Giovanniho Belliny a dalších italských sládků. Zavdyaki k této znalosti vín, připojil k německé malbě znalost perspektivy, barvy tohoto světla a nové rozumné kompozice. Holbein získal ještě více italského zboží. Yogo, citlivé malé miminko, ta stavba, vybrat jen ty nejdůležitější detaily, udělala z Yoga mistra-malíře portrétů.
barokní malba
17. století vidělo umění jako období baroka. V Itálii umělci Caravaggio (1571-1610) a Anibale Carracci (1560-1609) představovali dva protichůdné pohledy. Caravaggio (s odkazem na Michelangela Merisiho) vždy čerpal inspiraci z reality života. Jedním z nejdůležitějších problémů bylo přesněji kopírovat přírodu bez oslavování hodnosti. Carracci z druhé strany následuje ideál krásy renesanční doby. Vin vivchav starověké sochařství dílo Michelangela, Raphaela a Titiany. Caravaggiov styl udusil spoustu umělců, zejména španělského Ribera a mladého Velasqueze. Carracci vdechl Nicolase Poussina (1594-1665), slavného francouzského umělce 17. století.
Španělsko
Diego Velasquez (1599-1660), dvorní malíř španělského krále Filipa IV., byl jedním z největších španělských umělců. Jako tanečník Tizian's robit byl mistrem bohaté, harmonické barvy victoria. Umělec Joden dokázal krásněji vytvořit iluzi bohatých látek a lidí shkiri. Portrét malého prince Pilipa Prospera ukazuje jeho mistrovství.
Flandry
Obrazy vlámského umělce Petera Paula Rubense (1577-1640) jsou inspirovány novým barevným barokním stylem. Ten smrad překypuje energií, barvami a světlem. Rubens se vymanil z vlámské tradice malování malých obrazů. Jógová plátna jsou majestátní, spovnění lidských postav. Vіn otrimuvav více zamovlen na skvělém obrázku, nizh mіg bi vikonati. Proto se víno často maluje přes malou barevnou skicu. Poté pomocníci přenesli skicu na velké plátno a obraz dokončili pod Rubensovou keramikou.
Holandsko
Úspěchy nizozemského malíře Rembrandta (1606-1669) patří k nejvýznamnějším v historii. Vіn mav zázračný dar - jen spiymati a přenést lidské emoce. Yak a Titian, kteří po dlouhou dobu pracovali na kompozicích obrazů s bohatou koulí. Zemité barvy – žlutá okrová, hnědá a hnědočervená – byly oblíbené v yogu. Yogo obrázky jsou vikonanі, což je důležitější, v tmavých barvách. Důležitým významem tmavých, bohatě kulovitých částí je rozbít tuto mimořádnou techniku. Akcent se přenáší do prosvětlení některých světlých domů.
Jan Vermeier (1632-1675) byl jedním z nizozemských umělců, kteří malovali skromné výjevy každodenního života. Vіn buv majstrom na malování jakýchkoli textur - satén, perský kilimіv, chléb bodování, kov. Zagalne vrazhennya vіd іnter'єru Vermeєra je ospalý obývací pokoj plný ikonických odpadků.
Malířství 18. století
V 18. století se v Benátkách zrodilo několik výtvarných umělců. Naivedomishim Buv Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Interiéry paláců a dalších budov jsme ozdobili velkolepými barvami fresek, aby vytvořily výjevy bohatství. Francesco Guardi (1712-1793) více než hlavní penzle, méně než několik barevných vloček, okamžitě vyvolal myšlenku kritického postu mezi chovnými. Vizuální obrazy Antonia Canaletta (1697-1768) připomínaly minulou slávu Benátek.
Francie: rokokový styl
Francie má zálibu v pastelových květinách a rafinovaném zdobení klasů z 18. století, které vyzývají k rozvoji rokokového stylu. Jean Antoine Watteau (1684-1721), dvorní malíř krále Ludvíka XV., později Francois Boucher (1703-1770) a Jean Honore Fragonard (1732-1806) byli v souladu s rokokovými trendy. Watteau napsal mriylivy bachennya, život, pro kterého je všechno zábava. Styl je založen na piknikech v parcích, liščích večerech, pánské zábavě a elegantních taškách v přírodě.
Další umělci 18. století zobrazovali výjevy z neobyčejného života střední třídy. Yak a Dutch Vermeier, Jean-Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) citující jednoduché domácí scény a zátiší. Jógové barvy jsou tvrdé a klidné v por_vnyann od Watteau.
Anglie
V osmnáctém století Angličané nejprve rozvinuli malířskou školu. Jádro tvořili především portrétisté, mezi něž se hrnuli umělci benátské renesance. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) a Thomas Gainsborough (1727-1788) jsou nejoblíbenější. Reynolds, který zvedl cenu Itálie v návaznosti na ideály renesančního malířství. Yogo portréty, prioblivі a zvorushlivі, ne duzhe tsіkavі pro barvu nebo texturu. Gainsborough, na druhé straně, chřtán talent zazářit. Povrch obrazů září zářivou barvou.
Malířství 19. století
19. století je někdy vnímáno jako období, ve kterém se začala formovat moderní mystika. Jedním z důležitých důvodů tzv. revoluce v umění zároveň bylo komorní víno, které umělce svádělo k pohledu na meta malby.
Nejdůležitější podієyu byl široký výběr dvorků pro přípravu farb. Až do 19. století většina umělců a jejich asistentů pracovala na způsobu vlasny barvy, jak zjemnit pigment. Rané komerční barvy byly obětovány ručním barvám. Například umělci 19. století ukázali, že tmavě modré a hnědé tóny raných obrazů se postupem let staly černými nebo šedými. Ten smrad začal znovu vytvářet čisté barvy, aby si zachránili práci, a těm, kteří se snažili přesněji vytáhnout ospalé světlo v pouličních scénách.
Španělsko: Goya
Francisco Goya (1746-1828) byl prvním velkým španělským umělcem, který vyšel ze 17. století. Jako láska vytvořil umělec španělského vinařského dvora bohaté portréty královské rodiny. Královské postavy vybavené elegantní šaty a krásné košhtovnosti, ale na deaky їhnіh masku vše, co se objeví, cemarnoslavlstvo a chamtivost. Krymské portréty, Goya maloval dramatické scény, jako je třetí květen 1808. Na tomto obrázku je skupina španělských rebelů zajata francouzskými vojáky. Úsměvné kontrasty světlých a tmavých a ponurých barev, prošpikované červeným vánkem, vyvolávají ponurý pohled tohoto druhu.
Zatímco Francie byla v 19. století velkým centrem umění, angličtí krajináři John Constable (1776–1837) a Joseph Melord William Turner (1775–1851) přidávali hodnotu malbě 19. století. Uražen malbou, světlem a vzduchem prožily dva aspekty přírody, jako umělci 19. století. Strážník vyhrál metodu, vodomiy podіl, nebo zlou barvu. Vіn vikoristovuvav kontrastní barvy přes hlavní barvu těla. Vіn často vykoristovuvav nizh pro paletu, schob schіlno aplikovat barvu. Obraz „Hay Wain“ ho proslavil poté, co byl vystaven v Paříži v roce 1824. Je to prostě silná scéna filmu. Hmari se snáší přes luky, pokrytý paprsky ospalého světla. Turnerovy obrazy jsou dramatické, nižší od Constabla, jako by psal skvělé připomínky přírody - bouře, mořské krajiny, pálící slunce, vysoké hory. Zlatý had často přitahuje předměty na obrazech jógy, zmushyuyuchi їх zdavatis plovoucí v nekonečném prostoru.
Francie
Období Napoleonovy nadvlády a francouzské revoluce znamenalo vznik dvou protikladných směrů francouzského umění – klasicismu a romantismu. Jacques Louis David (1748-1825) a Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867) se inspirovali starověkým řeckým a římským mysticismem a dobou renesance. Přidali detaily a vítězné barvy pro vytvoření pevných forem. Jako umělec revolučního řádu David často psal historická díla té doby. V jeho portrétech, jako je portrét Madame Recam, překračují rámec klasické jednoduchosti.
Proti Davidovu stylu se postavili Theodor Geriko (1791-1824) a romantik Eugène Delacroix (1798-1863). Pro Delacroixe je barva nejdůležitějším prvkem malby a trpělivosti při napodobování klasických soch. Natomistická vína udusaná Rubenem a Benátčany. Díky volbě barev, exotických námětů pro své obrazy, jako by z nich vyzařovalo světlo a klid.
Barbizonští umělci byli také součástí divokého romantického hnutí, které probíhalo přibližně od roku 1820 do roku 1850. Ten smrad fungoval poblíž vesnice Barbizon na okraji lesa Fontainebleau. Smraďochové čerpali inspiraci z přírody a obrazy dotvářeli ve svých ateliérech.
Jiní umělci experimentovali s každodenními i mimořádnými předměty. Krajiny Jeana Baptista Camila Corota (1796-1875) inspirují lásku k přírodě a tyto studie lidského těla ukazují svůj vlastní druh rovnováhy klidu. Gustave Courbet (1819-1877) se nazývá realistou, tomu, kdo vykresloval svět jako takový, jako bakalář jógy - aby vštípil jógu suvory, nepřijatelné kolo. Vin obklopil svou paletu méně než několika ponurými kvіts. Edouard Manet (1832-1883) také vzal základ svých zápletek ze světa vědy. Lidé byli nepřátelští k józe s barvami kontrastů a nenápadnými triky. Na plochách jógových maleb je často plochá textura tahů štětcem. Manetovy metody aplikace efektů světla na formu byly vylity na mladé umělce, zejména impresionisty.
Pratsyuyuchi v 70. a 80. letech 19. století, skupina umělců, podobně jako impresionisté, chtěla vykreslit samotnou přírodu tak, aby byla z čista jasna. Zápach šel daleko, níže Constable, Turner a Manet při nejjasnějších účincích světla v barvě. Deyakі їх vyvinul vědeckou teorii barev. Claude Monet (1840-1926) často psal stejný pohled v jinou hodinu až do konce, aby ukázal, jak se víno mění v různých myslích světla. Yakim bi not buv ob'єkt, jógové obrázky se skládají ze stovek kritických tahů, ručně sešívaných rukou jeden po druhém, často v kontrastních barvách. Od větru se tahy pohybují, aby vytvořily destrukci pevných forem. Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) byl zastáncem metod impresionismu, aby si vytvořil svatý pařížský život. Na Yogo „Dance at the Moulin de la Galette“ lidé v pestře oblečených róbách jásali a vesele tančili. Renoir namaloval celý obraz ostrými tahy. Tečky a tahy barev vytvářejí na povrchu obrazu texturu, která jako by vypadala zvláštní. Lidé Natovpi, zdaєtsya, se liší ospalým světlem a smrtící barvou.
Malířství 20. století
Řada umělců byla náhle nespokojena s impresionismem. Umělci jako Paul Cezanne (1839-1906) si uvědomili, že impresionismus neznamená nesmírnost forem v přírodě. Cezanne rád maloval zátiší, protože zápach mu umožňoval soustředit se na tvar ovoce nebo jiných předmětů tohoto druhu rozmarýnu. Předměty jógových zátiší vypadají zvláštně na to, že jsou vychovány do jednoduchých geometrických tvarů. Stejná technika umístění barevných plamenů a krátkých tahů syté barvy prosby ukazuje, co jste se naučili od impresionistů.
Vincent van Gogh (1853-90) a Paul Gauguin (1848-1903) reagovali na realismus impresionistů. Při pohledu na impresionisty, jak říkali, že se objektivně dívají na přírodu, Van Gogh řekl málo o přesnosti. Vіn často spotovoryuvav ob'єkti, schob vyslovit své myšlenky kreativně. Vіn vikoristovuvav іmpresіonіstski principy pіnіshchennya kontrastní kolorіv svěřeny každému s jeden. Někdy vymačkávání barvy z trubek přímo na plátno, jako na „Poli žluté kukuřice“.
O odvážných barvách impresionistů Gauguin neřekl. Vіn hladce zastosovuvav kolіr na velké ploché oblasti, jako vіn vіdokremlyuvav jeden v jedné řadě nebo tmavé okraje. Větší část tohoto příběhu poskytly tropické národy Barvy.
Cezannova metoda vytváření prostoru pomocí jednoduchých geometrických forem kajícného dopisu Pabla Picassa (1881-1973), Georgese Shlyuba (1882-1963) a dalších. Їхній styl stává vіdomy yak Kubіzm. Kostky malovaly předměty tak, že se žádný nedal z pár řezů najednou rozhoupat, žádný se nevybíral a nebral na ploché plátno. Často předměty nebyly podobné těm, které existují v přírodě. V některých kostkách byly postavy vyrobeny z látky, lepenky, tapisérií nebo jiných materiálů a nalepeny na plátno, aby vytvořily koláž. Textury byly také rozmanité a přidaly k barvě zvuk řeči chi іnshі.
Nejnovější tendence byly zaměřeny na to, aby se jim méně respektovalo. Kompozice a obrazová technika začala klást větší důraz.
- Malba akrylem: historie, technika, výhody akrylu
