Care sunt principalele genuri cunoașteți? Aplicați pictura, genuri, stiluri, diferite tehnici și linii drepte Genuri de picturi în artă.
Deși înțelegerea „genului” a apărut recent în pictură, cântecele genurilor se bazau pe vremuri de modă veche: imagini cu creaturi din apropierea peșterilor epocii paleolitice, portrete.Egiptul anticcă Mesopotamia 3 tisa. î.Hr., peisaje și naturi moarte în mozaicuri și fresce elenistice și romane. Formarea genului ca sistem în pictura de șevalet a apărut din Europa în secolele XV-XVI. și s-a încheiat în principal în secolul al XVII-lea, dacă, krіm subdiviziunea artei figurative în genuri, așa-numitul „sunet” este înțeles. Genurile „high” și „low” depind de subiectul imaginii, teme, intriga. Genurile istorice și mitologice au fost aduse la genul „înalt”, portretul, peisajul, natura moartă au fost aduse la cele „jos”. O astfel de gradare a genurilor a apărut până în secolul al XIX-lea. hoch i z vinyatki.
Așa a fost în secolul al XVII-lea. în Olanda, genurile „cel mai de jos” (peisaj, genul aspre, natura moartă) au devenit cele mai propice pentru pictură, iar portretul ceremonial, care s-a înclinat formal către genul „jos” al portretului, nu s-a înclinat atât de mult. departe. Devenind o formă de viață, genurile de pictură pentru toată stabilitatea orezului adormit sunt invariabile, duhoarea se dezvoltă imediat din viață, schimbând dezvoltarea artei în lume. Genurile reale se nasc sau cunosc un nou sens (de exemplu, genul mitologic), dau vina pe altele noi, sună la mijloc mai devreme pe care l-au fondat (de exemplu, în mijlocul genului peisagistic a apărut vedere arhitecturală regionalăі marina). Trebuie să creezi ceva care combină diferite genuri cu ale tale (de exemplu, amestecarea unui singur gen cu un peisaj, un portret de grup cu un gen istoric).
AUTO PORTRET(Autoportret francez) - un portret al sinelui. Sună în pragul unei imagini pitorești; autoportretele prote sunt de asemenea sculpturale, literare, cinematografice, fotografice.
Rembrandt „Autoportret”
ALEGORIA(alegoria greacă - alegorie) - viraz de idei abstracte pentru ajutorul imaginilor artistice concrete. Fund: „dreptate” - o femeie cu vagamas.
Moretto ta Brescia „Alegoria lui Veri”
ANIMALISTIC(Lat. animal - creatură) - un gen de reprezentare a creaturilor în pictură, sculptură și artă grafică.
D. Stubbs. Kobili acel cal lângă peisajul râului alb. 1763-1768 p.
BATALNY(franceză bataille - bătălie) - atribuții la imagini ale vieții militare și ale vieții militare.
Aver'yanov Oleksandr Yuriyovici. href="http://www.realartist.ru/names/averyanov/30/">Waterloo.
POBUTOVIY- descrieri din imagini viata de zi cu zi oameni.
Mikola Dmitrovici DMITRIEV-ORENBURSKY (1837-1898). Pozhezha lângă sat
GALLANTNY- „poshtiviy, vvіchlivy lov'yazny, vvіchlivy, tsіkaviy” este depășit. po'azaniya іz izobrazhennyam vishukanyh scene lirice іz zhiztya doamnele curții și cavaleria în creativitatea artistică este mai importantă decât secolul al XVIII-lea.
Gerard Ter Borch cel Tânăr. Soldati galanti.
ISTORIC- unul dintre principalele genuri de artă figurativă, atribuții la podias istorice ale trecutului și prezentului, fenomene semnificative social din istoria popoarelor.
Pavlo Ryjenko. Ajută-l pe Peresvit.
CARICATURĂ- Genul de artă figurativă, care inventează victorios satira și umorul, grotesc, caricatural, imagistica, într-un efect comic este creat printr-un mod debordant și exagerat de orez caracteristic. Caricatura este vismіyuє, nu este suficientă sau răutatea personajului, pentru a obține oameni de yoga și otochyuchih, cu metoda de schimbare a zmіnitsya la cel mai bun.
MITOLOGIC- dedicații la podiam și eroi, despre miturile iacurilor rozpovidayut. Zei, demiurgi, eroi, demoni, entități mitice, personaje istorice și mitologice. În secolul al XIX-lea, genul mitologic a servit ca normă a unui misticism înalt, fără suflet.
Oleksandr Ivanov. Bellerophon încalcă campania împotriva lui Chimeri.
Natură moartă- genul de artă figurativă, reprezentarea obiectelor neînsuflețite, așezările într-un mijloc real de buton și organizarea într-un singur grup; o imagine cu imagini cu obiecte, flori, flori, fructe, vânat sălbatic.
Aenvanck Theodore (Aenvanck, Theodoor)
NUD(nuditate) - un gen artistic în sculptură, pictură, fotografie și cinematografie, care înfățișează frumusețea unui corp uman gol, mai important, o femeie.
Venus Urbіnska”, Titian
Pastorală(Pastorală franceză - ciobanesc, rural) - un gen în literatură, pictură, muzică și teatru, imagini ale vieții idilice a ciobanilor și a ciobanilor în natură.
Decor(Franceză paysage, від pays - kraїна, місївії), - un gen de atribuții la imagine, fie că este mіscevosti: river, gіr, watering, lіsіv, silskogo chi mіskogo landscape.
Href="http://solsand.com/wiki/doku.php?id=ostade&DokuWiki=7593bff333e2d137d17806744c6dbf83" >Adriana van Ostade
Portret(Portret francez, „a crea ceva, diavolul”) - un gen de artă figurativă, atribuirea unei imagini a unei persoane sau a unui grup de oameni; diferit – autoportret, portret de grup, formal, de cameră, portret costum, portret în miniatură.
Borovikovsky V. „Portretul lui M. I. Lopukhina”
INTEGRALĂ- IMAGINĂ TEMATICĂ- Desemnarea unei încrucișări unice de genuri tradiționale de pictură, care a îmbinat crearea de lucrări la scară largă pe cele semnificative din punct de vedere social cu o intriga clar exprimată, acțiune intriga, compoziție figurativă bogată. - o schimbare a genurilor tradiționale în pictura unui fund, istoric, luptă, portret compozițional, peisaj și altele.
Robert, Hubert - Vedere a bisericii vechi
DESENĂ DE ANIME DESENĂ sau PRIETENĂ(încărcare franceză) - imagini umoristice sau satirice, într-un mod care să schimbe caracterul modelului în limitele normei, cu o metodă de foc, și să nu slăbească acea imagine, așa cum sună a lupta în caricaturi.
Sculptură și simfonie, pictură și poveste, film și palat, performanță și dans - toate acestea creează diferite tipuri de artă.
Arta este clasificată după diferite criterii. Artă de creare a imaginii arata in imaginile artistice o seductie, vezi discret arta de a exprima lumina interioara. Artă lipsită de imaginație: muzică, dans și literatură, precum și arhitectură. Іsnuyut i mixt (sintetic) vezi artele: cinema, teatru, balet, circ și așa mai departe.
În mijlocul minții dermice se știe că se naște misticismul, așa cum li se spune genuri Vіdpovіdno celor care i ob'єktіv imagine. Despre această axă vom vorbi astăzi cu tine.
Vezi art
Viziunea creatoare de imagine asupra artei
pictura
Poate că este unul dintre cele mai răspândite tipuri de artă. Cea mai bună artă picturală poate fi văzută până în cele mai vechi timpuri, duhoarea se dezvăluie pe pereții peșterilor oamenilor străvechi.
Pictură monumentală, care s-a dezvoltat sub forma de mozaicuriі fresce(pictură din tencuială gri).
Sfantul Nicolae. Fresca lui Dionysius. Mănăstirea Ferapontov
pictura de șevalet- toate picturile de diferite genuri, scrise pe pânză (carton, hârtie), în mare parte cu farbs de măsline.
Pictura de gen
Pictura modernă are următoarele genuri: portret, istoric, mitologic, luptă, cap, peisaj, natură moartă, gen animal.
genul portretului reflectă aspectul exterior și interior al unei persoane sau al unui grup de oameni. Acest gen este extins în pictură, iar în sculptură, în artă grafică. Sarcina principală a genului portret este transferul asemănării splendide și revelației lumii interioare, esența caracterului unei persoane.
eu. Kramskoy „Portretul Sofiei Ivanivna Kramskoy”
genul istoric(Imagini cu fundaluri și personaje istorice). Evident, genurile picturii sunt adesea împletite, pentru că când înfățișează, de exemplu, ca și cum ar fi o imagine istorică, artistul este adus prea devreme la genul portretului.
Gen mitologic- Ilustrarea miturilor și repovestirilor diferitelor popoare.
S. Botticelli „Națiunea lui Venus”
Gen de luptă- Imagini cu bătălii, fapte eroice de război, acțiuni de luptă, care au dat naștere bătăliilor, triumful victoriei. Genul de luptă poate include elemente ale altor genuri - fund, portret, peisaj, animal, natură moartă.
V. Vasnetsov „După bătălia de la Igor Svyatoslavich cu polovțienii”
Genul Pobutovy- Imagini cu scene din viața de zi cu zi, specială a unei persoane.
A. Venetsianov „Pe rol”
Vedere regională- reprezentarea naturii dovkilla, observări de cultură rurală, localitate, monumente istorice etc.
Și Savrasov „Curgurile au sosit”
Marina- peisaj marin.
Natură moartă(în traducere din fr. - „natura moartă”) - imagini cu obiecte în butut, practică, creativitate, renunțuri, fructe, bucăți de joc, coastă furcută, ca un mediu de fund real.
Gen animalistic- Imagini cu creaturi.
Grafică
Numele tipului de artă care creează imagini seamănă cu cuvântul grecesc grapho - scriu, mic.
Înainte de grafică, aduceți-ne în fața celor mici și gravare, la unii micuți este important să creați o linie suplimentară pe hârtia de arc și să decupați pe material solid, din care imaginile sunt imprimate pe foaia de hârtie.
Vezi diagramele
Gravare- pe o suprafata plana a materialului se aplica micutii care apoi se acopera cu farboi si se vede pe hartie. Numărul de tăieturi variază în funcție de tipul de tehnică de gravare și de material. Principalele materiale de gravură sunt metalul (cupru, zinc, oțel), lemnul (cifis, palmier, par, cireș și altele), linoleum, carton, plastic, plexiglas. Prelucrarea plăcii de gravură se realizează prin mijloace mecanice, unelte din oțel sau gravare acidă.
Ştampila- O bucată de hârtie de pe o tablă de gravură (gravură, litografie, șovkografie, monotip), care este o creație de șevalet de grafică artistică. Stamp își face prieteni, precum gravura artistului însuși, de multe ori poate face beat-uri. Deci roboții sună ca niște semnături, complici ai autorului, sunt respectați de cei începători. Stampile sunt alb-negru și colorate.
Grafica cărții- design de carte, design decorativ, ilustratii.
Grafică Promislova - crearea de etichete de mărfuri, mărci de marcă, nume de mărci, ambalaje, etichete publicitare, antet și plicuri. Vaughn rămâne în reclamă, intră în sistemul de design.
Exlibris- Un semn care indică proprietarul cărții. Exlibrisul este atașat de paleta interioară a bibliotecii sau căptușeală. Semnele de carte sunt gravate pe lemn, metode midi, linoleum, zincografice sau litografice.
Exlibris Grety Garbo
Poster- Imagine, rozrahovane pentru respect solemn, creată în agitație sau în scopuri primare.
Linogravura- gravura pe linoleum.
Litografie- Vedere a gravurii: o amprentă mică pe o piatră și o coroană din una nouă.
Gravură în lemn- gravura în lemn.
Katsushika Hokusai „Marele puf din Kanagawa”, gravură în lemn
Gravurare- un tip de gravură pe metal, o metodă de gravură și un bătător, o otrimă a acestei metode.
Grafică pe computer– imaginile sunt compilate pe un computer, afișate în dinamică sau statică. Când este pliată, grafica poate fi modelată, deoarece imaginea este formată în toate etapele și nu este necesar să se creeze o corecție.
Sculptură
Acest tip de misticism este, de asemenea, o vie de multă vreme. S-au găsit o mulțime de imagini cu creaturi care au fost tăiate din lut, sau tăiate din piatră, pentru a transmite cu exactitate aspectul lor natural. Am salvat o mulțime de statui de femei, deoarece acestea pot inspira începutul unei femei. Posibil imagini primitive ale zeițelor. Sculptorii antici și-au depășit forțele native, înfățișându-le cu pilote strânse, iar arheologii le numesc „Venuse”.
Venus din Willendorf, aproape de 23 de tisă. rokiv BC e., Europa Centrală
Sculptura este subdivizată într-un cerc, care este așezat liber în spațiu, iar relieful, într-un anumit volum al imaginii, este întins pe plan.
Ca și în pictură, în sculptură se folosesc șevalet și forme monumentale. sculptura monumentala acea piață este recunoscută pentru stradă, o astfel de reamintire este creată pentru o lungă perioadă de timp, apoi numiți vikonan din bronz, marmur, granit. Sculptura Stankov- toate portretele sau grupurile de gen mici, realizate din lemn, ipsos și alte materiale.
Monumentul purtătorului de frunze. Nijni Novgorod
Artă decorativă și urâtă
Creatorii operelor de artă decorativă și urâtă și-au pus înainte două lucruri: să creeze bogăție, așa cum este necesară pentru viața de zi cu zi, dar toată bogăția este deodată vinovată de mama cântecului de artă. Obiectele de zi cu zi trebuie să servească practic oamenilor și să înfrumusețeze viața, să încânte ochiul cu perfecțiunea formelor și a farbului.
Evident, în același timp, o mulțime de creații de artă decorativă și uzhitkovo pot fi în principal semnificative din punct de vedere estetic, dar nu începe așa.
Principalele tipuri de artă decorativă și uzhitkovy
Batik– pictat manual pe material
Lucrați în tehnica batikului fierbinte (cu ceară indirectă)
Ornamentaţie cu mărgele
Vyshivannya
V'yazannya
Merezhivopletinnya
kilimarstvo
Tapiserie
Quilling- arta de a realiza compoziții plate sau voluminoase cu spirale răsucite din coji de hârtie lungi și înguste.
Tehnica quilling
Ceramică
Mozaic
Arta bijuteriilor
Miniatura de lac
Miniatura de lac Palekh
Pictură artistică pe lemn
Pictură de artă pe metal
Zhostovo pidnos
Sculptură artistică
Opera de artă a lui shkiri
Pictură de artă din ceramică
Arta metalului
pirografie(vipalyuvannya pe lemn, shkir, pânză de asemenea)
Robot zі sklom
Jumătatea superioară a ferestrei Catedralei Canterbury, Marea Britanie
Origami
Fotomister
Arta fotografiei artistice. Genul este mai important decât cel al picturii.
grafit
Imagini pe pereți și alte suprafețe. Înainte de graffiti se poate vedea dacă există un fel de zid de stradă, pe care se poate ști totul: de la simple cuvinte scrise la micuți înalți.
grafit
benzi desenate
Povești cu Malovanie, trandafiri în imagini. Benzile desenate vor continua să atragă astfel de tipuri de artă, cum ar fi literatura și arta care creează imagini.
Artistul Winsor McKay „Little Semmі Chhai”
Vedeți fără imaginație arta
arhitectură
arhitectură- Arta designului și a vieții. Arkhіtekturnі sporudi poate іsnuvati ca ansamblurile okremіh budіvel chi vilyadі. Singur, se formează istoric diferite ansambluri: de la budinkov, zbudovanih la oră, stabilindu-se într-un singur întreg. Butt of Chervona Square din Moscova.
Arhitectura vă permite să judeci acoperirea tehnică și stilurile artistice ale diferitelor epoci. Până în vremea noastră s-au păstrat piramidele egiptene, construite cu aproape 5 mii de ani în urmă, templele Greciei Antice și Romei. Fii ca un loc în fii ca o țară în prezența disputelor sale arhitecturale.
Piața Palatului de lângă Sankt Petersburg
Literatură
Într-un sens larg al cuvântului: sukupnіst oricăror texte scrise.
A se vedea literatura: ficțiune, proză documentară, memorii, știință și știință populară, dovіdkova, primar, tehnic.
Genul literaturii
Televiziunea literară poate fi protejată până la acel rang al genului pentru diferite criterii: pentru formă (nuvelă, odă, opus, desen, poveste, poezie, descriere, roman, schiță, epopee, epopee, ese), pentru splendid ( comedie, farsă, vodevil, interludiu, schiță, parodie, poziție de comedie, comedie de personaje, tragedie, dramă), după perdele.
Epichny Rіd Cuvinte cheie: basm, bilina, baladă, mit, nuvelă, poveste, epopee, roman, roman epic, basm, epopee.
Liric Rid: odă, foaie, stansi, elegie, epigramă.
Liro-epichny rid: baladă, poema.
Dramatic Rid: dramă, comedie, tragedie.
muzică
muzică- Tse mystechstvo, prin încorporarea imaginilor artistice pentru ceea ce este sunet și tăcere, organizate în special în ore. Dar este imposibil să dai o înțelegere complet exactă a înțelegerii „muzicii”. Acesta este un tip special de activitate creativă, inclusiv meșteșug, profesie.
Vedere minunată și extindere stilistică a muzicii.
Clasic (altfel grav)- muzicienii profesionisti, oamenii de cultura europeana sunt mai importanti decat Ora Noua (cordonul secolelor XVI-XVII) si in evul mediu;
popular- în primul rând genurile muzicale de cântec și dans.
Poza-european (non-european)- Muzica popoarelor (Skhodu), a cărei cultură se naște în cultura civilizației vest-europene.
etnic (popular)- creații muzicale folclorice ale diferitelor popoare, care calomniază autosuficiența etnului, națiunii, tribului.
Estradna (ușor)- Muzică de natură respectuoasă, recunoscută pentru recuperare.
Jazz– reinterpretarea de către europeni a tradițiilor victoriane ale negrilor americani, bazată pe sinteza elementelor muzicale africane și europene.
stâncă- muzica unor mici grupuri vocale și instrumentale de tineri, care rezonează cu limbajul percuției și al instrumentelor muzicale electrice, precum chitarele.
Avangarda (experimental)- direct în creativitatea compozitorului profesionist în secolul XX.
Alternativă– noi creații și viconuri muzicale (manifestări sonore, „performanță”), fundamental diferite de toată muzica văzută astăzi.
Vedeți, muzică poate fi atribuită pentru această funcție, deoarece este victorioasă: militară, bisericească, religioasă, teatrală, dans, doar muzică de film.
Abo pentru personajul vikonannei: vocal, instrumental, de cameră, vocal-instrumental, cor, solo, electronic, pian și altele.
Tipul de piele al muzicii are propriile sale genuri. Perspectivă pentru fund Genul muzicii instrumentale.
Muzica instrumentala- toată muzica, ca învingătoare pe instrumente, fără participarea vocii umane. Muzica instrumentală este atât simfonică, cât și de cameră.
Muzică de cameră- Creați, recunoscut pentru vikonannya în camere mici, pentru acasă, muzică „de cameră”. Muzica de cameră are o mare capacitate de a transmite emoții lirice și stări spirituale subtile ale unei persoane. Se pot vedea următoarele genuri de muzică de cameră: sonate, cvartete, p'esi, cvintete şi altele.
Sonată- unul dintre principalele genuri din muzica de cameră instrumentală. Sunetul este compus din 3 (4) părți.
Studiu- Cântec muzical, recunoscut pentru priceperea tehnică perfectă în cântatul la instrumente.
Nocturnă(„noapte” în franceză) - un gen al unui mic cântec liric cu o singură parte pentru pian.
Preludiu(Lat. „Introducere”) - o mică piesă instrumentală. Intrarea improvizatiei in p'esi principale. Dar poți fi o creație independentă.
Cvartet – TV muzical pentru 4 vikonavtsiv.
Mijlocul aspectului dermic al muzicii poate fi urmărit până la dezvoltarea stilurilor apoase și a liniilor directe, care se caracterizează prin semne structurale și estetice puternice și caracteristice: clasicism, romantism, impresionism, expresionism, neoclasicism, serialism, avangardă și alții.
coregrafie
Coregrafia este magia dansului.
Speciile (zmіshanі, sau sintetice) vezi arta
Teatru
Vedere spectaculoasă asupra artei, care este o sinteză a diferitelor arte: literatură, muzică, coregrafie, voce, artă care creează imagini și altele.
Teatrul Lyalkovy
Vezi teatre: teatru dramatic, operistic, balet, lyalkovy, pantomimă și alt teatru. Arta teatrului este cunoscută de multă vreme: teatrul s-a născut din cei mai vechi sfinți rituali, care într-o formă alegorică au creat fenomenele naturii sau procesele de muncă.
Operă
Un fel de artă, în aceeași mânie într-o singură poezie și artă dramatică, muzică vocală și instrumentală, mimă, dans, pictură, decoruri și costume.
Teatrul La Scala (Milano)
Estrada
Tipul de artă a formelor mici este mai important decât linia dreaptă populară-rozvazhny. Scena include direct: cântece, dansuri, circ pe scenă, iluzionism, gen rozmovny, clovn.
Circul
Un fel de artă vizuală, în spatele legilor căreia va exista o manifestare hohotitoare. Înainte de spectacolele circului de zi cu zi, există demonstrații de trucuri, pantomime, clown, repet, demonstrații de vinyatkovyh zdibnost, adesea asociate cu risc (puteră fizică, acrobații, echilibre), îmbrăcăminte creaturi.
Cinematografie
Un tip de artă vizuală, care este și o sinteză a artei: literatură, teatru, dans, artă de creare a imaginii (decor) și altele.
Balet
Tip de artă scenică; un spectacol, în locul căruia cineva este atras de imagini muzicale și coregrafice. Un spectacol de balet clasic se bazează pe un complot cântec, o idee dramatică. La secolul XX. Vinik este un balet fără complot, a cărui dramaturgie se bazează pe dezvoltarea stabilită de muzică.
Numărul de stiluri este direct mare, altfel este inepuizabil. Semnul cheie, prin care poți crea grupuri pentru stiluri, este singurul principiu al gândirii artistice. Schimbarea unor metode de creație artistică de către altele (desenarea tipurilor de compoziții, adoptarea de motive spațioase, particularități de culoare) nu este vipadkov. Din punct de vedere istoric, minlive și adoptarea noastră a art.
Sistemul de stiluri Vibudovuyuchi în ordinea ієarchіchnomu, dorimuvatimemos єuropotsentristskoї ї tradіtsії. Cea mai mare din istoria artei este înțelegerea epocii. Epoca pielii se caracterizează prin „tabloul lumii”, care constă din idei filozofice, religioase, politice, fenomene științifice, trăsături psihologice ale percepției luminii, norme etice și morale, criterii estetice ale vieții, pentru care se naște o epocă. Așa este Prima Epocă, epoca Lumii Antice, Antichitatea, Evul Mediu, Renașterea, Ora Nouă.
Stilurile în artă nu fac granițe clare, miros de tranziție lină de la unul la unul și se schimbă de la dezvoltarea fără întreruperi, amestecarea și contrastul. În cadrul unui stil artistic istoric, se va naște întotdeauna unul nou, iar celălalt va trece la ofensivă. O mulțime de stiluri sunt create deodată și nu există „stiluri pure” la vedere.
În acea epocă istorică, se poate naște o stropire de stiluri. De exemplu, Clasicismul, Academicismul și Barocismul în secolul al XVII-lea, Rococo și Neoclasicismul - în XVIII, Romantismul și Academicismul - în secolul XIX. Asemenea stiluri, cum ar fi, de exemplu, clasicismul și baroc, sunt numite stiluri mari, mirosurile de duhoare se răspândesc pe toate tipurile de artă: arhitectură, pictură, artă decorativă, literatură, muzică.
Următoarea diferență: stiluri artistice, linii drepte, curente, școli și particularități ale stilurilor individuale ale altor maeștri. La granițele unui stil, poate exista o stropire de linii artistice. Arta se formează direct ca un semn tipic acestei epoci, și din propriile moduri de gândire artistică. Stilul Art Nouveau, de exemplu, include o linie directă joasă a secolului: și post-impresionism, și simbolism, precum și fovism. Pe de altă parte, înțelegând simbolismul, ca artistic în mod direct, este bine împărțit în literatură, la fel cum în pictură este mai larg recunoscut și împărtășit de artiști;
Mai jos va fi desemnarea epocilor, stilurilor și direct, așa cum ar fi fost altfel imaginate de creația de imagini contemporane și arta decorativă.
| - stil artistic, care s-a format în ţinuturile Europei de Vest şi Centrale în secolele XII-XV. Devenind rezultatul unei arte revoluționare bogate din clasa de mijloc, cea mai importantă etapă a acesteia și, în același timp, prima din istoria stilului artistic global european, internațional. Vіn ohopiv usі vede arta - arhitectură, sculptură, pictură, vitralii, design de carte, artă decorativă. Baza stilului gotic a fost arhitectura, care se caracterizează prin arcuri în formă de săgeată drept în sus, vitralii colorate, dematerializarea vizuală a formei. Elemente de artă gotică pot fi adesea văzute în interioare decorate modern, zokrema, pictura de perete sau pictura de șevalet. De la sfârșitul secolului trecut, există o subcultură gotică care s-a manifestat în mod clar în muzică, poezie și haine de design. |
|
| (Renașterea) - (Renașterea franceză, Rinascimento italiană) Epoca în dezvoltarea culturală și ideologică a țărilor joase din Europa de Vest și Centrală, precum și a celor din celelalte regiuni ale Europei de Nord. Principalele influențe ale culturii renascentiste: caracter secular, svetoglyad umanist, declin cultural timpuriu până la antic, un fel de renaștere yoga (stea și nume). Cultura Renașterii poate avea trăsături specifice epocii de tranziție de la ora mijlocie la cea nouă, în același vechi și nou, împletite, stabilindu-și propriile lor, ca un aliaj nou. Să punem cap la cap informațiile despre perioada cronologică internașterii (în Italia - secolele 14-16, în alte țări - secolele 15-16), expansiunea sa teritorială și trăsăturile naționale. Elemente ale acestui stil în arta de astăzi se găsesc adesea în picturile murale, similare picturii de șevalet. | |
 |
- (De la maniera italiană - un truc, o manieră) la arta europeană a secolului al XVI-lea. Reprezentanții manierismului arătau ca armonia renascentist a lumii, conceptul umanist al oamenilor ca o creație profundă a naturii. Sprynyattya zhittya podnuvalis program pragnennya în mod violent nu pentru a urma natura, ci pentru a exprima „ideea interioară” subiectivă a imaginii artistice, care se naște în sufletul artistului. Mai manifestată în Italia. Pentru manierismul italian din anii 1520. (Pontormo, Parmigiano, Giulio Romano) caracteristică luminozitatea dramatică a imaginilor, tragedia percepției luminii, complexitatea și expresia alterată a pozițiilor și motivele mișcării, proporții reduse ale figurilor, disonanță coloristică și ușoară. În restul orei, devenind un vicarist al științelor mistice pentru recunoașterea fenomenelor misticismului modern, legate de transformarea stilurilor istorice. |
| - Stil artistic istoric, un fel de umăr lărgit în Italia la mijloc. XVI-XVII, iar apoi în Franța, Spania, Flandra și Germania secolele XVII-XVIII. Termenul mai larg este ales pentru desemnarea tendințelor în continuă schimbare, lumină neliniştită, romantică, gândită în forme expresive, dinamice. Nareshti, la ora pielii, mayzhe în stilul artistic istoric al pielii, vă puteți arăta „perioada barocului” ca o etapă a celui mai mare moment creativ, tensiunea emoțiilor, vitalitatea formelor. | |
| - stilul artistic al artei vest-europene XVII - partea. al XIX-lea și în rusă XVIII - post. XIX, care s-a îndreptat spre recesiunea antică ca și spre idealul succesiunii. Vіn apărând în arhitectură, sculptură, pictură, artă decorativă și uzhitkovy. Artiștii clasiciști au respectat antichitatea până la cel mai înalt nivel și au zdrobit-o cu standardul lor de artă, pe care au disprețuit să-l moștenească. Ani mai târziu am renascut în academism. | |
| - Direct în arta europeană și rusă a anilor 1820-1830, care a schimbat clasicismul. Romanticii atârnau pe primul plan al individualității, opunând frumusețea ideală a clasiciștilor realității „subcomplete”. Artiștii au adăugat fenomene luminoase, rare, supranaturale și au insuflat imagini cu un caracter fantastic. În arta romantismului, un rol important îl joacă acceptarea individuală mai mare a acelei experiențe. Romantismul a evoluat arta sub forma unor dogme clasiciste abstracte și a transformat-o către istoria națională și imaginile folclorului. | |
 |
- (Vid lativ. sentiment - puțin) - direct zahіdnoy artă din cealaltă jumătate a XVIII. S. va vota putin, subliniind gandul, simplitatea vietii puternice a „oamenilor”. J. J. Rousseau este ideologul lui S.. |
| - Direct la misticism, care este cel mai mare adevăr și autenticitate, pare o formă egală, la fel și esența fenomenelor și a discursurilor. Ca metodă creativă, este obișnuit ca cineva să aibă desene individuale și tipice atunci când creează o imagine. Oră după oră a găsit o bază directă care se dezvoltă în primul rând până astăzi. | |
| - Direct la cultura artistică europeană a secolelor XIX-XX. Viniclia ca reacție la panuvannya în sfera umanistă a normelor „rezonabilității” burgheze (în filosofie, estetică - pozitivism, în mistici - naturalism), simbolismul a luat contur în literatura franceză a anilor 1860-70, Austria, Norvegia, Rusia. . Principiile estetice ale simbolismului erau bogate în ceea ce atacau ideile romantismului și aduceau la anumite doctrine ale filozofiei idealiste a lui A. Schopenhauer, Ege. Hartmann, adesea F. Nietzsche, la creativitatea și teoretizarea compozitorului german R. Wagner. Simbolism plin de acțiune care se opune lumii viziunii și viselor. Un instrument universal pentru înțelegerea misterului buttya și a informațiilor individuale, intrând în simbol, generații de intuiții poetice și expresii de potoybіchny, atașamente sub forma dovezilor zilnice ale fenomenelor senzaționale. Artistul-creator, arătând ca un intermediar între real și suprasensibil, că abia putea cunoaște „semnele” armoniei lumii, că a profețit semnele viitorului ca în manifestările de astăzi, iar în subtonurile trecutului. | |
| - (sub formă de impresie fr. - vrazhennya) direct la mystekstva din ultima treime a secolului XIX - urechea secolului XX, care se află în Franța. Denumirea bulei a fost introdusă de criticul de artă L. Leroy, care a remarcat cu dispreț expoziția artiștilor din 1874, iar în mijlocul bulei un tablou de C. Monet „Plecarea Soarelui. Vrazhennya. Impresionismul a afirmat frumusețea lumii reale, accentuând prospețimea primei emoții, calmul îndepărtatului. Respectul pentru execuția capetelor pur malovnichesky este mai important decât anunțul tradițional despre cei mici și despre șeful depozitului parte a creației misticismului. Impresionismul a avut un impact puternic asupra artei țărilor europene și a SUA, stârnind interesul pentru poveștile din viața reală. (E. Manet, E. Degas, O. Renoir, C. Monet, A. Sisley și alții) | |
| - Tehnici în pictură (sinonim cu divizionismul), care s-au dezvoltat în cadrul neoimpresionismului. Vița de vie de neoimpresionism în Franța în 1885 era, de asemenea, largi și mai largi în Belgia și Italia. Neoimpresioniştii au încercat să stagneze la misticismul noutăţii la galeria optică, în spatele unor puncte de despărţire vikonana ale principalelor culori ale picturii, în zorii luminii, ei dau zlittya de culori şi tot zgomotul picturii. (J. Sirka, P. Signyak, K. Pizarro). | |
 |
Post impresionism- umovna sbirna denumind principalele direcții ale picturii franceze la.XIX - trimestrul I. XX Art. Arta postimpresionismului revendicată ca o reacție la impresionism, fixând respectul pentru transferul memoriei, pentru pitorescul vizual și inculcând interes pentru forma obiectelor. Printre postimpresionişti - P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh ş.a. |
| - Stilul în arta europeană și americană la începutul secolelor XIX-XX. Art Nouveau a reinterpretat și stilizat desenele artei diferitelor scene și a jefuit puterea metodelor artistice, bazate pe principiile integrării. Obiectul stilizării modernității îl constituie și formele naturale. TsE OBRAYATA NU TІLKI ІNTEPHETING TO PPOIZEDIENX MODEPNA, PPOIZEDIENІYAK MODEPNA, NP I CAMA QUIE QUIE COLATING SPIAKA - OBIVIE KPIVIVINIX OPTINGS, EXITY, RECEMBER POPOPOVIX CONTYPUX, POWER POWER POWYX. Strâns legat de modernitate - simbolism, care a pus bazele estetice și filozofice ale modernității, în spirală spre modernitate ca platformă pentru realizarea ideilor proprii. Art Nouveau în diferite țări este numit diferit, deoarece în esență este sinonim: Art Nouveau - în Franța, Secession - în Austria, Jugendstil - în Nimechchina, Liberty - în Italia. |
|
 |
- (franceză modern - modern) este un nume comun pentru arta primei jumătăți a secolului al XX-lea, pentru unele forme tradiționale transcrise caracteristic și estetica trecutului. Modernismul este aproape de avangardism și este opus academismului. |
| - un nume care merge pe liniile artei, lărgit în anii 1905-1930. (fauvism, cubism, futurism, expresionism, dadaism, suprarealism). Toate qi urmează direct practica artei moderne, regândesc această sarcină, câștigă libertatea de exprimare artistică. | |
 |
- chiar la mystetstvі to. XIX - n. Secolul XX, bazat pe lecțiile creative ale artistului francez Paul Cezanne, care a adus formele obișnuite din imagine la cele mai simple forme geometrice, iar colorarea la îndemnurile contrastante ale tonurilor calde și reci. Sezanismul a servit drept unul dintre punctele principale pentru cubism. De către lumea mare, sesanismul a pătruns și în școala realistă de pictură vitchizniană. |
 |
- (tip fauve - sălbatic) tendință de avangardă în arta franceză. XX Art. Numele „sălbatic” a fost dat de criticii moderni unui grup de artiști care au concertat în 1905. Salonul parizian are un caracter independent și puțin ironic. Grupul a inclus A. Matiss, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, K. van Dongen și alții. , caută impulsuri în creativitatea primitivă, arta clasei de mijloc și imediat. |
| - Simplificarea Navmisne a instrumentelor de creare a imaginii, moștenirea etapelor primitive în dezvoltarea artei. Acest termen înseamnă așa-numitul. arta naїvne a artiștilor, yakі zdobuli spetsії osvіti, prote zaluchenih la zagalnogo proces artistic la XIX - poch. secolul XX. La lucrările acestor artiști - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov și alții. dominație și copilărie originală în interpretarea naturii, formă subtil agravată și literalitate în detalii. Primitivismul formează zovsіm pe semnul primitivnіst zmіstu. Vіn servesc adesea ca un dzherel pentru profesioniști, yakі zapozichili din populară, de fapt, arta primitivă a formei, imaginii, metodei. M. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matiss s-au inspirat din primitivism. | |
 |
- Direct din artă, care s-a format pe baza canoanelor pretrimaniene ale antichității și epocii Renașterii. A început în școlile de artă europene bogate din secolele al XVI-lea până în secolele al XIX-lea. Academismul, transformând tradițiile clasice într-un sistem de reguli și ordine „eterne”, care îngăduia glumele creative, încercând să contracareze caracterul viu incomplet al perfecționării „temporale”, a adus la plinătatea formelor naționale și orare ale frumuseții. Akademіzm se caracterizează prin predominarea parcelelor mitologia antică, teme biblice sau istorice ale intrigilor din viața unui artist contemporan. |
| - (Cubisme francez, Cub - cub) direct în arta primului sfert al secolului XX. Limbajul plastic al cubismului se bazează pe deformarea și plasarea obiectelor pe un plan geometric, distrugerea plastică a formei. Oamenii cubismului trăiesc în 1907-1908 rock - înaintea primei zile a primei lumi. Acel publicist G. Apollinaire cântă liderul neperceput al căruia, direct devenind. Această tendință a fost una dintre primele care a inspirat tendințele de conducere ale dezvoltării ulterioare a artei secolului XX. Una dintre aceste tendințe a fost dominația conceptului asupra valorii de sine artistice a imaginii. J. Braque și P. Picasso sunt încurajați de cubism ca tați. Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris și colab. | |
| - curente în literatură, pictură și cinematografie, care au fost introduse în 1924 în Franța. Cu o liniște semnificativă, a fost nevoie de modelarea mărturiei unei persoane moderne. Cape de spirite sălbatice - Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Louis Buñuel, Juan Miro și mulți alți artiști din întreaga lume. Suprarealismul vislovlyuvav idee іsnuvannya postură de rol real, mai ales semnificativ aici absurd, nevăzut, vis, vis. Una dintre metodele caracteristice artistului suprarealist este folosirea creativității recunoscute, de a o jefui cu un instrument, în care în diferite moduri imagini himerice ale podurilor vizionare, se dispută cu halucinații. Suprarealismul a supraviețuit crizei șprotului, a supraviețuit unui prieten război sfântși pas cu pas, supărat pe cultura de masă, amestecându-se cu transavangarda, trecând ca o parte de depozit în postmodernism. | |
 |
- (Din lat. futurum - viitor) curente literare și artistice în arta anilor 1910. Dându-i lui Cheba cuvântul prototipului artei viitorului, futirismul ca program principal a văzut ideea de a permite stereotipurile culturale și s-a oferit să-și ia scuze pentru tehnologie și ypbanism. Devenind o idee artistică de marginea fiturismului, devenind un virazu plastic de strimkosti papură ca semn principal al ritmului vieții moderne. Versiunea rusă a futurismului a fost numită cubo-turism și s-a bazat pe aceleași principii plastice ale fizicului francez cuban și european. |
gotic(din italian gotico - non-primar, barbar) - perioada de dezvoltare a artei clasei de mijloc, care, după ce a invadat toate sălile culturii, a dezvoltat viața Europei de Vest, Central și Chastkovo Schidnoy din sec. secolele XV. Goticul a completat dezvoltarea artei europene din Evul Mediu, punând-o vina pe seama realizărilor culturii romane, iar epoca renașterii artei din Evul Mediu a fost considerată „barbară”. Arta gotică era cult pentru recunoaștere și religioasă pentru temă. S-a îndreptat către puteri divine mai mari, eternitate, privitorul creștin al luminii. Goticul în dezvoltare este subdivizat în Gotic timpuriu, Perioada de dezvoltare, Gotic timpuriu.
Celebrele catedrale europene au devenit capodopere ale stilului gotic, deoarece turiștii iubesc să fotografieze cele mai importante detalii. În proiectarea interioarelor catedralelor gotice, un rol important l-au jucat soluțiile de culoare. Există o mare cantitate de aurire, un interior purtător de lumină, un ajurat de pereți, o cristalizare a spațiului. Materia a fost eliberată de grandoare și impenetrabilitate, a fost cumva spiritualizată.
Suprafețele maiestuoase ale ferestrelor erau umplute cu vitralii cu compoziții, care confirmau legende istorice, epopee apocrife, literare. povestiri religioase, imagini cu scene bututovyh din viața țăranilor obișnuiți și remіsnikіv, yakі au fost o enciclopedie unică a vieții în perioada Evului Mediu. Fiarele calului erau umplute până la fund cu compoziții ondulate, de parcă ar fi așezate în medalioane. Ascensiunea luminii si a culorii pe stiuleti la pictura in tehnica vitraliului a dat un impuls compozitiilor artistice. Vykna au fost victorioși în diferite culori: gros-roșu, foc, roșu, culori rodie, verde, galben, albastru închis, negru, ultramarin, virizan de-a lungul conturului micuțului... Vikna a fost făcută la grătar ca niște pietre scumpe, străpunsă de un lumină de rău augur, pe aerul din aer.
Skul de culoare gotică s-au născut noi valori estetice, iar furbii au câștigat cea mai mare sonoritate a culorii strălucitoare. Culoarea pură a dat naștere atmosferei de mijloc de păsări de curte, umplute în diferite nuanțe de poftă și lumină pe coloane, lenjerie, vitralii. Kolіr s-a schimbat într-un dzherelo svіtla, ceea ce a estompat perspectiva. Tovste sklo, deseori inegal, era ca niște becuri bulboase nu atât de ascuțite, care exagerau efectul artistic al vitraliilor. Lumina, care trecea prin tovshu skla neuniformă, a fost zdrobită și a început să crească.
Cele mai bune imagini ale vitraliilor gotice potrivite privesc în jur în catedralele din Chartres, Bourges și Paris (de exemplu, „Bogomatir of Nemovlyam”). Este plin de nu mai puțin scris, dar și de „Roțile în flăcări” și „Molyuchy Glitters” din Catedrala din Chartres.
De la mijlocul secolului I, culorile pliate au început să fie introduse în din barista, de parcă ar fi fost luate pentru bronzare suplimentară. Astfel de vitralii neremarcabile în stil gotic s-au păstrat în Sainte-Chapelle (1250). Contururile au fost aplicate de-a lungul pantei cu un farboi de email brun, iar formele, cu aceasta, aveau un mic caracter plat.
Epoca gotică a devenit ora pentru descoperirea artei cărților în miniatură și pentru dezvoltarea miniaturii artistice. Puterea tendințelor lumești în cultură nu a făcut decât să întărească dezvoltarea lor. Ilustrații compoziții de figuri bogate Subiectele religioase au inclus diverse detalii realiste: imagini cu păsări, animale, viscol, ornamente cu motive în creștere, scene de fund. Farmecul poetic deosebit al operei miniaturistului francez Jean Pussel.
La dezvoltarea miniaturii gotice franceze din secolele 13-14, locul a fost ocupat de școala pariziană. Psaltirea Sfântului Ludovіk ryasnіє compoziții bogat-figurative, încadrate de un motiv arhitectura gotica, de ce șirul rozpovіd nabuvaє nadzvychaynoї (Luvru, Paris, 1270). figurile femeilor și fețele sunt grațioase, formele lor sunt pătrunse de linii de strumă, creând o iluzie de mișcare. Bogăția și densitatea farbului, precum și arhitectura decorativă a micuțului, transformă aceste miniaturi în opere de artă unice și înfrumusețare costisitoare a părților laterale.
Stilul cărții gotice este îmbunătățit de forme ascuțite, non-grabness, non-grabness, filigranul unui vizerunk ajurat și fragilitatea liniilor întortocheate. Varto înseamnă că în secolele XIV-XV au fost ilustrate și manuscrisele Svitsky. Cărți de ore, tratate științifice, colecții de cântece de dragoste și cronici sunt pline de miniaturi miraculoase. În miniatură, care a fost ilustrată de lucrările literaturii de curte, a fost insuflat idealul kokhanny al unei persoane, precum și scene ale unei vieți magnifice. Un vitvir similar este manuscrisul lui Manes (1320).
În decursul timpului, goticul a devenit mai opus. „Marile Cronici franceze” din secolul al XIV-lea arată capacitatea artistului de a pătrunde în senzația pe care o înfățișează. Aceste cărți au fost încredințate cu o spargere decorativă a vinietelor voalate și a cadrelor de forme himerice.
Miniatura gotică s-a prins deja în pictură și a adus o frecvență plină de viață artei Evului Mediu. Goticul a devenit nu doar un stil, ci o verigă importantă în dezvoltarea culturală sălbatică a sufletului. Maeștrii stilului cu acuratețea denumirii ar putea crea imaginea partenerului lor în mediul obiectiv și natural. Creațiile gotice mari și spirituale sunt perfecționate de o aură de farmec estetic unic. Goticul a dat naștere unei noi sinteze a misticismului, iar acele cuceriri realiste au pregătit terenul pentru trecerea la epoca artei renascentiste.
Pictura este una dintre artele străvechi, întrucât un secol bogat a trecut prin evoluția picturilor murale paleolitice, la noile tendințe ale secolului XX și XXI. Tse mystetstvo s-a născut practic din apariția omenirii. Oamenii antici, nereușind să recunoască ființa umană adevărată, și-au dat seama că trebuie să înfățișeze lumina de la suprafață. Duhoarea a pictat tot ce visau: creaturi, natură, scene myslivsky. Pentru pictură, duhoarea a fost victorioasă, asemănătoare cu farbi, realizat din materiale naturale. Tse buli pământeni farby, satul vugіllya, funingine neagră. Penzliks jefuiau creaturile păroase sau pictau pur și simplu cu degetele.
În urma schimbării, noile genuri de pictură au fost învinuite. În spatele perioadei vechi, perioada antichității. Viniklo este opera artiștilor și artiștilor până la crearea unei vieți reale, cum ar fi oamenii aleargă. Pragnennya acuratețea transmiterii a evocat originea fundamentelor perspectivei, fundamentele motivelor luminoase ale diferitelor imagini și a căror finalizare de către artiști. Iar duhoarea ne țesea în fața lor, de parcă ai putea înfățișa o întindere vastă pe peretele plat, lângă pictura în frescă. Deyakі vytvori mystetstva, cum ar fi un spațiu voluminos, svitlotinі a început vikoristovuvat pentru a înfrumuseța locul, centrul religiei și pohovannya.
Să începem o perioadă importantă în pictura trecută și Evul Mediu. În același timp, pictura este mai mult de natură religioasă, iar gândul a început să crească asupra artei. Creativitatea artiștilor s-a bazat pe iconografie și alte melodii ale religiei. Principalele momente importante, pentru care artistul este de vină, nu au fost atât de precise în înfățișarea realității, deoarece transferul de spiritualitate este insuflat în cele mai manipulatoare picturi. Pânzelor maeștrilor din acea oră li se opuneau vibrația contururilor, frumusețea și barvisty. Tabloul clasei de mijloc ne este dat plat. Toate personajele artiștilor de la acea oră răscumpără la o singură linie. Și așa o mulțime de creații ne sunt date prin stilizări ieftine.
Perioada Evului Mediu gri a schimbat cea mai strălucitoare perioadă a Renașterii. Epoca Renașterii a adus un nou punct de cotitură în dezvoltarea istorică a acestei arte. Noile dispoziții ale sufletului, noua svetoglyad au început să dicteze artistului: acestea sunt aspectele picturii care sunt mai clare și mai clare. Genurile de pictură, cum ar fi portretul și peisajul, devin stiluri independente. Artiștii exprimă emoțiile oamenilor și lumea lor interioară prin noi moduri de a picta. În secolele al XVII-lea și al XVIII-lea, a existat o creștere mai serioasă a picturii. În această perioadă, Biserica Catolică își pierde semnificația, iar artiștii în creațiile lor descriu din ce în ce mai des o viziune corectă asupra oamenilor, naturii și vieții de zi cu zi. În același timp, se formează și genuri precum baroc, rococo, clasicism, manierism. Da vina pe romantism, care în viitor este înlocuit cu un stil eficient - impresionism.
La începutul secolului XX, pictura se schimbă radical și există o nouă artă modernă directă - pictura abstractă. Ideea de care se află direct în faptul că puteți transmite anul între oameni și misticism, puteți crea armonie între linii și vibrații colorate. Această artă nu are obiectivitate. Ea nu repetă transmiterea exactă a imaginii reale, ci transmite acele emoții pe care le are sufletul artistului. Un rol important pentru orice fel de artă este formarea acelei culori. Esența acestui lucru este de a transmite într-un mod nou obiectele cunoscute anterior. Aici, cei mici speră la libertatea deplină a fanteziei lor. Aceasta a dat naștere dezvoltării tendințelor moderne, precum avangarda, underground, abstractionism. De la sfârșitul secolului al XX-lea și până în prezent, pictura este în continuă schimbare. Cu toate acestea, în ciuda noilor accesibilități și a tehnologiilor moderne, artiștii se bazează în continuare pe arta clasică - pictura în ulei și acuarelă, pentru a-și crea capodoperele cu ajutorul farbului și al pânzelor.
Natalia Martinenko
Istoria artei figurative
Istoria picturii este o lanceta inepuizabila, care a luat nastere din primele tablouri sparte. Stilul de piele crește din stiluri, ca bulele în fața lui. Kozhen este un mare artist care ajunge la îndemâna primilor artiști și îmbrățișează cei mai noi artiști.
Ne putem bucura de pictură pentru frumusețea ei. Liniile, formele, culorile și depozitul Yogo (acoperișul pieselor) pot fi ca sentimentele noastre și pot rămâne în mintea noastră. Ale este mulțumit de creșterea misticismului, dacă îl știm, dacă și de ce și cum a fost creat.
La istoria picturii s-au adăugat o mulțime de factori. Geografia, religia, particularitățile naționale, mediul istoric, dezvoltarea de noi materiale - toate ajută la modelarea imaginii artistului. Întinzând curentul istoriei, pictura a scos la lumină lumea subtilă și declarațiile noastre despre aceasta. În propriile mâini, artiștii au dat una dintre cele mai bune înregistrări despre dezvoltarea civilizației, uneori rozkrivayuchi mai mult decât cuvântul scris inferior.
Pictura preistorică
Pechernii au fost artiști timpurii. Pe pereții peșterilor din Franța și Spania au fost găsite creaturi mici colorate, datate cu 30.000 până la 10.000 de ani înaintea erei noastre. Bagato z tsikh malyunkіv complet bine conservat, astfel încât cuptoarele au fost sigilate până în secolul bagatioh. Oamenii timpurii au pictat creaturi sălbatice, astfel de duhoare au făcut furori dovkol. Chiar și pozițiile umane grosolane, rupte în pozițiile de viață, erau cunoscute în Africa și Skhodі Іspanії.
Artiștii cuptorului au umplut pereții cuptorului cu micuți în culori bogate, strălucitoare. Copiii din cele mai frumoase tablouri sunt răscumpărați la soba Altamira, Spania. Un detaliu arată un bivol rănit, care nu mai merită să stai în picioare - imovirno, un sacrificiu de gândire. Vіn zabarvleniy au o culoare maro-roșcat, iar botezurile sunt simple, ale grațioase, negre. Pigmentii, ca victorioși, au fost pictați de artiștii de panificație - ocru (oxidul soarelui, care are grijă de culoarea de la galben deschis la portocaliu închis) și mangan (metal închis). Duhoarea era colorată pe o pulbere fină, amestecată cu ulei (poate cu ulei gras) și aplicată pe suprafață ca o pensulă. Uneori, pigmenții erau umpluți în formă de bețișoare, asemănătoare cu cradele. Grăsimea, amestecată cu pigmenți sub formă de pulbere, a jefuit patria lacofarbului, iar particulele de pigment au fost lipite împreună. Locuitorii cuptorului făceau scuturi din creaturile de păr și roslin, iar uneltele gostrі din cremene (pentru pictarea acelui podryapin).
De mai bine de 30.000 de ani, oamenii au găsit principalele instrumente și materiale pentru pictură. Metodele și materialele au fost complet îmbunătățite în secolul următor. Aloea sacului de cuptor sunt principalele pentru vopsire.
Pictura egipteană și mesopotamiană (3400–332 î.Hr.)
Una dintre primele civilizații a apărut în Egipt. Din consemnările scrise ale acelui misticism, lipsit de egipteni, sunt multe despre viața lor. Puținii respectau că trupul poate fi salvat, pentru ca sufletul să poată trăi după moarte. Marile Piramide erau morminte pliabile ale conducătorilor egipteni bogați și puternici. O mulțime de artă egipteană a fost creată pentru piramide și morminte ale regilor și ale altor oameni importanți. Pentru a fi absolut inspirați, ca sufletul să fie menținut în viață, artiștii au creat imagini ale unui mort în piatră. Duhoarea a creat și scene din viața oamenilor pe picturile murale din apropierea camerelor funerare.
Tehnicile egiptene ale artei figurative au fost lipsite de inevitabilul lung al secolului. Într-un fel, farba în acuarelă a fost aplicată pe suprafețe de lut sau de vape. Într-un alt proces, contururile au fost vizibile pe pereții de piatră și au fost umplute cu acuarele. Material, titluri de gumă arabică, ymovirno, vikoristovvsya pentru lipirea farbi la suprafață. Din fericire, climatul uscat și mormintele sigilate au făcut loc unor astfel de picturi în acuarelă care s-au prăbușit în apă. O mulțime de scene myslivsky de pe zidurile mormintelor de lângă Teba, datate aproape de 1450 î.Hr., au fost bine conservate. Duhoarea va arăta cum înțelepții urmează păsările de pe abo riba. Aceste parcele pot fi identificate și astăzi, deoarece duhoarea a fost pregătită cu grijă și hotărâre.
Civilizația mesopotamiană, ca și Trival din 3200 până în 332 î.Hr., a fost plantată în valea dintre râurile Tigru și Eufrat, în Coborârea apropiată. Budinki din Mesopotamia erau în mare parte făcute din lut. Cioburile de lut ajută tabla, trezele lor au căzut într-o pastilă, fie ca niște picturi reale, ca, poate, ar fi mai degrabă ca cicavim. Ceea ce s-a salvat, s-au împodobit ceramica (granulat și opărit) și mozaic barvy. Deși mozaicurile nu pot fi văzute ca un tablou, duhoarea este adesea injectată în el.
Civilizația din Marea Egee (3000-1100 î.Hr.)
A treia mare cultură timpurie a fost civilizația Yegei. Egiptenii trăiau pe insulele de pe coasta Greciei și pe insulele Asiei Mici cam la aceeași oră cu vechii egipteni și mesopotamieni.
În 1900, arheologii au început să dezgroape palatul regelui Minos la Knossos, pe insula Creta. Săpăturile au scos la iveală lucrări de artă, scrise în jurul anului 1500 î.Hr. într-un stil exagerat de josnic și grațios al acelei ore. Evident, cretanii erau oameni non-turbulenți, cărora le place să iubească natura. În mijlocul subiectelor lor preferate, arta vieții marine, creaturi, vieți, jocuri sportive, procese de masă. La Knossos și alte palate egeiene, picturile au fost pictate pe pereții de gips umed cu farb din rechovine minerale și ocru de pământ. Farba s-a infiltrat prin tencuiala apoasă și a devenit o parte permanentă a zidului. Aceste picturi au fost numite mai târziu fresce (de la cuvântul italian „proaspăt” sau „nou”). Cretanii erau ca nuanțe de galben, roșu, albastru și verde.
Pictura clasică grecească Tarim (1100 î.Hr. - 400 d.Hr.)
Grecii antici au decorat pereții templelor și palatelor cu fresce. Din vechiul dzherel literar și din copii romane arta greaca se poate spune că grecii au pictat picturi mici și au făcut mozaicuri. Ne amintim numele maeștrilor greci și trei lucruri din viața și opera lor, deși puțin din pictura greacă a supraviețuit secolului și moștenirii războiului. Grecii nu scriau bine la morminte, așa că le-au fost furați roboții.
Pofarbovani vazi - tot ce s-a păstrat în pictura greacă de astăzi. Pregătirea ceramicii a avut un mare succes în Grecia, în special la Atena. Containerele erau o băutură grozavă, erau exportate, la fel ca uleiul și mierea, și în scopuri butovyh. Cea mai mare pictură în vază timpurie de viconi în figuri geometrice și ornamente (1100-700 î.Hr.). Vazele au fost decorate cu figuri umane în glazură maro pe lut deschis. Până în secolul al VI-lea, pictorii de vaze pictau adesea pozițiile umane negre pe lut roșu natural. Detaliile au fost făcute pe lut cu o unealtă gostry. Tse a permis chervonomu-ului să apară în glens ale reliefului.
Stilul cu figuri roșii a fost înlocuit cu negru. Adică navpaki: figurile sunt roșii, iar negrul a devenit cenuşă. Avantajul acestui stil constă în faptul că artistul putea câștiga instantaneu un penzel pentru crearea contururilor. Scutul oferă o linie liberă, un instrument metalic inferior care învinge vazele negre ondulate.
Picturile murale romane erau cunoscute ca rangul principal de vile (zamіsky budinkas) din Pompeii și Herculaneum. În 79 de regiuni ale țării noastre, două locuri au fost în mare parte inspirate de erupțiile vulcanului Vezuviu. Arheologii, care au săpat această zonă, au putut afla multe despre vechea viață romană din aceste locuri. Pe pereții cabinei de piele din vila Pompei erau picturi. Pictorii romani au pregătit cu grijă suprafața peretelui, aplicând sumish dintr-un ferăstrău marmur și tencuială. Duhoarea a lustruit suprafața până la un strat de marmur. O mulțime de picturi - copii ale picturilor grecești din secolul al IV-lea î.Hr. Pozele subțiate ale figurilor pictate pe pereții Voinței Misterelor de lângă Pompei i-au sufocat pe artiști în secolul al XVIII-lea, dacă locul a fost dezgropat.
Grecii și romanii au pictat și portrete. Un număr mic dintre ele, cel mai important portrete de mumii, brodate în stil grecesc de artiști egipteni, au fost salvate lângă Oleksandria, pivnich din Egipt. Fondată în secolul al IV-lea î.Hr. de Oleksandr cel Mare din Grecia, Oleksandriya a devenit un centru important al culturii grecești și romane. Portretele au fost pictate în tehnica encausticei pe lemn și au fost instalate la vederea unei mumii după moartea unei persoane. Picturile encaustice, realizate din farb, amestecate cu ceara de bjoline topita, se pastreaza mult timp. E adevărat, aceste portrete arată încă proaspete, deși duhoarea se decădea cu un alt secol înainte de vremea noastră.
Pictura creștină timpurie și bizantină (R. 300–1300)
Imperiul Roman a intrat în declin în secolul al IV-lea d.Hr. Chiar în acel moment, creștinismul câștiga putere. În 313, împăratul roman Kostyantyn a recunoscut oficial religia și a adoptat el însuși creștinismul.
Viniknennya creștinism puternic vpliniv mystetstvo. Artiștii au fost însărcinați să decoreze pereții bisericii cu fresce și mozaicuri. Putitorii au jefuit panouri la capelele bisericii, cărți bisericești ilustrate și împodobite. Sub afluxul Bisericii, artiștii s-au făcut vinovați că au putut vorbi mai clar despre dezvoltarea creștinismului.
Primii creștini și artiștii bizantini au continuat tehnica mozaicurilor, iar grecii știau despre duhoarea. Pe apă ciment și tencuială au fost instalate mici petice plate de piatră colorată. Au învins și alte materiale dure, precum bucăți de lut copt sau shkaralupi. În mozaicul italian, culorile sunt deosebit de profunde și spovneni. Artiștii italieni au jefuit fundalul cu bucăți de placare aurita. Duhoarea înfățișa pozițiile umane în culori bogate pe afidele de aur strălucitor. Efectul strălucitor este plat, decorativ și nerealist.
Mozaicile artiștilor bizantini au fost adesea mai puțin realiste și mai decorative, mai puține motive ale primilor creștini. „Vizantiiske” - numele dat stilului de artă, așa cum s-a dezvoltat înainte de orașul antic Bizanț (nouă Istanbul, Turechchina). Tehnica mozaicului se potrivea în mod ideal cu gustul bizantin pentru decorarea bisericilor. Celebrele mozaicuri ale lui Theodori și Justinian, pregătite aproape de 547 r. n.e., demonstrați plăcerea bogăției. Țesăturile de bijuterii strălucesc pe figuri, iar țesăturile colorate ale curtezanilor trec pe afidele aurului strălucitor. Artiștii bizantini au câștigat și aur pe fresce și panouri. Aurul și alte materiale scumpe au câștigat în Evul Mediu, pentru a revendica obiectele spirituale din lumea cotidiană.
Pictură de mijloc (500–1400 de ruble)
Prima parte a Evului Mediu, aproximativ din secolul al VI-lea până în secolul al XI-lea al erei noastre, se numește întuneric. În același timp, mistica a fost luată foarte important de mănăstiri. În secolul al V-lea d.Hr. Triburi Varran din Pivnichnoy și Europa Centrală au cutreierat continentul. Îmbunătățirea a sute de mirosuri de rock a dominat Europa de Vest. Tsі people zrobili mystetstvo, pentru un element de cap є vіzerunok. Duhoarea se îneca în special pe structurile dragonilor și păsărilor.
Cele mai bune din arta celtică și săsească pot fi găsite în manuscrisele din secolele VII și VIII. Ilustrații de carte, iluminare și pictură în miniatură, practicate încă din ora romană târzie, lărgite în Evul Mediu. Iluminare - înfrumusețarea textului, litere mari și udare. Culorile auriu, argintiu și jascar au fost victorioase. O miniatură este o imagine mică, adesea un portret. Acest termen a fost scris pe verso pentru descrierea blocului decorativ de pe spatele literelor de cob din manuscris.
Carol cel Mare, care a fost încoronat împărat al Sfântului Imperiu Roman la începutul secolului al IX-lea, a încercat să reînvie misticismul clasic al perioadelor romane târzii și creștine timpurii. Sub ceasul domniei al XIX-lea, artiștii de miniaturi au moștenit arta clasică, dar duhoarea transmitea și prin obiectele lor sentimente deosebite.
Chiar și o pictură mică a pereților a fost salvată de la mijloc. În bisericile care au fost trezite sub ceasul perioadei romanice (secolele 11-13), au fost câteva fresce mărețe, dar au apărut mai multe. Bisericile din perioada gotică (secolele XII-XVI) aveau suficient spațiu pentru picturile murale. Ilustrația cărții a fost lucrarea capului artistului gotic.
Printre cele mai bune manuscrise ilustrative s-au numărat cărțile de aniversări - colecții de calendare, rugăciuni și psalmi. Partea manuscrisului italian arată inițialele elaborate și scena marginală fin detaliată a Sf. Gheorghe ucigând dragonul. Culorile sunt strălucitoare și asemănătoare cu o piatră scumpă, ca un vitraliu, iar aurul pâlpâie în lateral. Foile mai subțiri și desenele cu flori se amestecă cu textul. Artiști, ymovіrno, vikoristovuvali zbіshuvalne sklo pentru vykonannya astfel de lucrări detaliate pliabile.
Italia: Cimabue ta Giotto
Artiștii italieni, ca și secolul al XIII-lea, încă practicau stilul bizantin. Posturile umane erau alcătuite din plate și decorative. Indivizii au avut rareori viraz. Corpurile nu erau vagomimi, păreau că plutesc, dar nu stăteau pe pământ. La Florența, artistul Cimabue (1240-1302) a încercat să modernizeze faptele din vechile metode bizantine. Îngerii din „Madona pe tron” sunt activi, sunet mai scăzut în imaginile din acea oră. Aceste gesturi și înfățișări arată mai mult decât sentimente umane. Cimabue a adăugat picturilor sale un nou sentiment de monumentalitate și scris. Cu toate acestea, el a continuat să urmeze tradițiile bogate bizantine, cum ar fi aurul este cenușă și decorarea vizerunkove a obiectelor și figurilor.
Tse bov marele artist florentin Giotto (1267–1337), care a rupt de fapt tradiția bizantină. Seria de fresce din Capela Areni din Padova umbrește arta bizantină cu mult în urmă. În aceste scene din viața Mariei și a lui Hristos, există emoții corecte, tensiune și naturalism. Sunt prezente mustăți de căldură și simpatie umană. Oamenii nu renunță la absolut nerealist sau ceresc. Giotto umbrind contururile figurilor și plasând umbre adânci la faldurile halatului, pentru a da o senzație de rotunjime și volum.
Pentru panourile sale mici, Giotto a creat o tempera de orz pur, un mijloc, care a fost perfecționat de florentini în secolul al XIV-lea. Claritatea și strălucirea culorilor yogo erau mici, puternic lipite de oameni, ca și cum s-au auzit în culorile întunecate ale panourilor bizantine. Tablouri cu tempera pentru a celebra înfrângerea, acea lumină moale cade pe scenă. Duhoarea poate avea un aspect plat, pe luciul vіdminu vіd pictura in ulei. Tempera de ou a fost suprapusă cu capul farboi, docurile de ulei mayzhe din nou nu l-au înlocuit în secolul al XVI-lea.
Pictura Piznіy srednyovіchny pe pіvnіch vіd Alpi
La începutul secolului al XV-lea, artiștii din Pivnichniy Europa practicau într-un stil similar stilului modern al picturii italiene. Artiștii Pivnіchnі au ajuns la realism, adăugând picturilor lor detalii indistincte. Tot părul a fost rărit, iar detaliul de piele al draperiei, sau straturile de bază, a fost introdus cu precizie. Vinahid de pictură în ulei de măsline a fost simplificată prin detalierea detaliilor.
Artistul flamand Jan van Eyck (1370-1414) și-a adus marea contribuție la dezvoltarea picturii în ulei. Dacă tempera este învingătoare, este necesar să se aplice culori pe culoare. Duhoarea nu poate umbri bine una câte una, astfel încât farba este uscată. Cu ulei, de parcă ar fi suficient de uscat, artistul poate ajunge la efecte de pliere. Portrete Yogo 1466-1530 boules vikonanі la tehnіtsі flamande de petrol. Toate detaliile și imaginile în oglindă sunt clare și precise. Culoarea este imitativă și poate fi o suprafață tare, asemănătoare smalțului. Panoul din lemn măcinat a fost pregătit în același mod, precum Giotto și-a pregătit panourile pentru tempera. Van Eyck a creat imaginea cu bile de culoare subțire numite glazură. Tempera, imovirno, a fost victorioasă în placa originală și pentru sunete.
Renașterea italiană
La acea oră, dacă van Eyck lucra la Pivnochi, italienii au trecut în aurul secolului de artă și literatură. Această perioadă se numește Renaștere, ceea ce înseamnă renaștere. Artiștii italieni s-au inspirat din sculptura grecilor și romanilor antici. Italienii au vrut să reînvie spiritul artei clasice, care gloriifică independența umană și nobilimea. Mitzvo-urile epocii Renașterii au continuat să picteze scene religioase. Dar mirosurile au susținut și viața pământului și întinderea oamenilor.
Florenţa
Realizarea lui Giotto pe cob din secolul al XIV-lea a început Renașterea. Artiștii italieni din secolul al XVII-lea au continuat yoga. Masaccio (1401-1428) a fost unul dintre liderii primei generații de artiști din Epoca Renașterii. Vin trăiește lângă Florența, un loc bogat de comerț, unde a început epoca Renașterii. Până la yogo-ul morții, de exemplu, douăzeci de sorti de vinuri, care au creat o revoluție în pictură. La celebra sa frescă „The Tribute Money” ar trebui să pună figuri sculpturale solide în peisaj, care, spune el, merge mult în depărtare. Masaccio, probabil, a învățat perspective de la arhitectul și sculptorul florentin Brunelleschi (1377-1414).
Tehnica frescei a devenit mai populară în epoca Renașterii. Vaughn a fost potrivit în special pentru picturi grozave, deoarece culorile de pe fresce sunt uscate și perfect plate. Imaginea poate fi privită sub capotă, fără nici o beatitudine, sau vodbitkiv. De asemenea, frescele pot fi accesibile. Sunați artiștii din Mali kіlka pomіchnіv. Roboții au fost bătuți în bucăți, la care a fost nevoie să-i finiseze, în timp ce tencuiala era încă udă.
Noul stil „trivi-world” al lui Masaccio a fost tipic noului secol al XV-lea. Stilul lui Fra Angelico (1400-1455) este o abordare tradițională, câștigată de artiștii Renașterii timpurii. Vіn buv mai puțin turbovaniya perspectiva că mai tsіkavivsya decorative puțin. Yogo „Încoronarea Maicii Domnului” - tempera pentru cel mai frumos vikonan. Culori vesele, bogate pe afidele aurii și accentuate cu auriu. Imaginea arată ca o miniatură mărită. Dovgі vuzkі figura mаut puțin somnoros de la Masaccio. Compoziția este organizată în linii largi de mișcare, care se rotesc în jurul figurilor centrale ale lui Hristos și ale Mariei.
Un alt florentin, care a practicat stilul tradițional, a fost Sandro Botticelli (1444-1515). Liniile ritmice în flux coboară pe rândurile din „Primăvara” de Botticelli. Figura Primăverii, care este purtată de vântul rece, este purtată de mâna dreaptă. Trei haruri dansează pe rug, faldurile pânzei lor, care cresc, iar subțierea mâinilor mâinilor lor transformă ritmul dansului.
Leonardo da Vinci (1452-1519) a început să picteze la Florența. Vіdomy cu realizările sale științifice și podgoriile, precum și cu picturile sale. Au fost salvate o mulțime de imagini, adesea pentru că au experimentat adesea diferite moduri de a face Farbi, și nu cu o varietate de metode răsucite și fiabile. „Cina cea de Taină” (scrisă între 1495 și 1498) a fost zdrobită în ulei, dar, din păcate, Leonardo, după ce a scris її pe peretele de apă, s-a despărțit prin yaku farba. Ale Navit într-o tabără murdară (înainte de restaurare) imaginea este mică clădire zbudzhuvat emoții în toți cei care aplaudă.
Unul dintre cele mai faimoase desene în stilul lui Leonardo yogo, metoda de reprezentare a focurilor și a întunericului. Italienii l-au numit „sfumato”, ceea ce înseamnă părți slabe sau ceață. Figurile din „Madona din Skel” sunt acoperite într-o atmosferă de sfumato. Їхні formează ta orez umbrit ușor. Leonardo a obținut aceste efecte, indirect și gradații subtile de tonuri deschise și întunecate.
Roma
Punctul culminant al picturii renascentiste a avut loc in secolul al XVI-lea. În același timp, centrul artei și culturii s-a mutat de la Florența la Roma. Sub Papa Sixtus al IV-lea și mijlocitorul său, Iulius al II-lea, locul Romei a fost glorios și bogat înfrumusețat de artiștii epocii Renașterii. Acte din cele mai importante proiecte ale acestei perioade au fost identificate în orele papalității lui Iulius al II-lea. Iulius i-a încredințat marelui sculptor și pictor Michelangelo (1475-1564) să picteze stela Capelei Sixtine și să realizeze o sculptură pentru mormântul lui Papi. Iulius ia cerut și pictorului Rafael (1483-1520) să ajute la decorarea Vaticanului. Asistenții lui Rafael au pictat chotiri din apartamentele lui Papi lângă Palatul Vatican.
Michelangelo, poporul florentin, a dezvoltat stilul monumental al picturii. Figurile din picturile lui Yogo sunt pe podeaua mitznei și volum, care duhoare arată ca o sculptură. Stela Sixtină, care a luat 4 pietre de la Michelangelo, este formată din sute de figuri umane din Vechiul Testament. Schob vykonat tsyu frescă grandioasă, Michelangelo a avut șansa să se întindă pe spate pe pictură. Înfățișarea gânditoare a lui Ieremia printre profeți, ca o stele, diaconii experților respectă autoportretul lui Michelangelo.
Raphael a venit la Florența din Urbino de tânăr. La Florența vinuri, după ce a luat ideile lui Leonardo și Michelangelo. La acea oră, dacă Rafael ar fi plecat la Roma să lucreze la Vatican, stilul său a devenit unul dintre cele mai mari pentru frumusețea Vikonann. Vin iubește în special portretele sale frumoase ale Madonei Tăcerii. Duhoarea a fost creată de mii, o poți bea peste tot. Yogo „Madonna del Granduca” are succes în simplitatea sa. Această puritate este atemporală în liniștea ei, este atât de familiară pentru noi, ca și pentru italienii din epoca lui Rafael.
Veneția
Veneția a fost principalul pub italian al epocii Renașterii. A fost văzut de artiști din Flandra și din alte regiuni, deoarece știau despre experimentele flamande cu farboa de măsline. Acest lucru a stimulat dezvoltarea timpurie a tehnologiei măslinelor în orașul italian. Venețienii au învățat să picteze tablouri pe o pânză groasă desenată, și nu pe panouri de lemn, ca sunetul vicoristului din Florența.
Giovanni Bellini (1430-1515) a fost cel mai mare artist venețian al secolului al XV-lea. Vin este, de asemenea, unul dintre primii artiști italieni care au câștigat pictura de pe pânză. Giorgione (1478-1151) și Titian (1488-1515), care era cel mai familiar dintre toți ceilalți artiști venețieni, a fost profesorul maestrului Bellini.
Maestrul tehnicii uleiului Tizian a pictat pânze maiestuoase în culori calde și bogate. În picturile sale mature, a sacrificat detalii pentru a crea efecte subtile, de exemplu, ca în Madonna Pesaro. Câștigă pensule grozave, pentru a lucra mișcări grozave. Yogo colori este deosebit de bogat, pentru cei care sunt mai toleranți atunci când creează glazuri de culori contrastante. Glazurile Zvichay au fost aplicate pe o suprafață maro închis, ceea ce a dat imaginii un singur ton.
Un alt mare artist venețian al secolului al XVI-lea a fost Tintoretto (1518–1594). Din punctul de vedere al lui Tițian, vinurile au fost lucrate fără mijloc pe pânză, fără schițe frontale sau contururi. Vіn de multe ori spotovoryuvav forma sa (întorsătură їх) de dragul compoziției și complotului dramatic. Această tehnică, care include linii mari și contraste dramatice de lumină și întuneric, este creată și astăzi.
Artistul Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) s-a născut ca El Greco („Greetskaya”). Națiune de pe insula Creta, ocupație a armatei venețiene, El Greco a fost antrenat de artiști italieni. Fiind un flăcău, virushiv vchitisya la Veneția. Infuzia unită a misticismului bizantin, ca și eu însumi licențiat de vin în Creta, acea mistică italiană din epoca Renașterii, a făcut binecuvântată opera lui El Greco.
În picturile sale, a evocat forme naturale și culori biruitoare, mai minunate, mai nepământene, Tintoretto inferior, ca un vin sufocat. Mai târziu, El Greco, după ce s-a mutat în Spania, întunericul artei spaniole s-a revărsat asupra operei sale. În acest oraș dramatic Toledo, o furtună năvăli asupra liniștii mortale a locului. Culorile reci albastre, verzi și albastru-alb răspândesc frigul peste peisajul rural.
Renașterea în Flandra și Nimechchina
Secolele de aur ale picturii de lângă Flandra (o parte din Belgia și Franța franceză) au fost secolul al XV-lea, ora lui van Eyck. În secolul al XVI-lea, o mulțime de artiști flamanzi au fost succedați de artiști italieni din epoca Renașterii. Protejații flamandilor au continuat tradiția flamandă a realismului. În acest fel, pictura de gen s-a extins - scene din viața de zi cu zi, de parcă unele erau fermecătoare, iar altele fantastice. ІєRONім Bosch (1450-1515), care a exagerat artiștii de gen, maw supranatural strălucitor treaz. Vіn vygadav sіlyakih minunat, grotesc іstot pentru Ispita Sf. Antonie”. Pieter Brueghel cel Bătrân (1525-1569) a practicat și tradiția flamandă, adăugând scenelor sale de gen perspectiva și alte caracteristici ale Renașterii.
Albrecht Dürer (1471-1528), Hans Holbein cel Tânăr (1497-1543) și Lucas Cranach cel Bătrân (1472-1553) au fost trei dintre cei mai importanți artiști germani ai secolului al XVI-lea. Duhoarea a fost explozită mult pentru a ajuta la înăbușirea realismului sumbru al picturii germane timpurii. Dürer va vizita din nou Italia, destinată să fie fermecată de picturile lui Giovanni Bellina și ale altor bereri italieni. Zavdyaki la această cunoaștere a vinurilor, care a atașat picturii germane cunoașterea perspectivei, a culorii acelei lumini și a noii compoziții sensibile. Holbein a achiziționat și mai multe produse italiene. Yogo, un bebeluș sensibil, acea clădire, alege doar cele mai importante detalii, l-a făcut pe Yogo un pictor-maestru-portret.
pictura baroc
Secolul al XVII-lea a văzut arta ca o perioadă a barocului. În Italia, artiștii Caravaggio (1571-1610) și Anibale Carracci (1560-1609) au reprezentat două puncte de vedere contrastante. Caravaggio (referindu-se la Michelangelo Merisi) se inspiră întotdeauna din realitățile vieții. Una dintre cele mai importante probleme a fost copierea mai precisă a naturii, fără a glorifica rangul. Carracci, de cealaltă parte, urmând idealul frumuseții epocii Renașterii. Vin vivchav sculptura antica acea lucrare a lui Michelangelo, Rafael și Titiana. Stilul lui Caravaggio a sufocat o mulțime de artiști, în special pe spaniol Riber și tânărul Velasquez. Carracci l-a inspirat pe Nicolas Poussin (1594-1665), celebrul artist francez al secolului al XVII-lea.
Spania
Diego Velasquez (1599-1660), pictor de curte al regelui spaniol Filip al IV-lea, a fost unul dintre cei mai mari artiști spanioli. Fiind un dansator al robitului lui Titian, el a fost stăpânul culorii bogate și armonice victoria. Artistul Joden a reușit să creeze mai frumos iluzia țesăturilor bogate și a oamenilor shkiri. Portretul micului prinț Pilip Prosper arată măiestria lui.
Flandra
Picturile artistului flamand Peter Paul Rubens (1577-1640) sunt inspirate din noul stil baroc de culoare. Duhoarea este plină de energie, de culoare și lumină. Rubens a rupt tradiția flamandă de a picta picturi mici. Pânzele Yogo sunt figuri umane maiestuoase, spovneni. Vіn otrimuvav mai multe zamovlen la imaginea grozavă, nizh mіg bi vikonati. Prin urmare, vinul este adesea pictat peste o schiță de culoare mică. Apoi, ajutoarele au transferat schița pe o pânză mare și au terminat tabloul sub ceramica lui Rubens.
Olanda
Realizările pictorului olandez Rembrandt (1606-1669) sunt printre cele mai importante din istorie. Vіn mav un cadou miraculos - doar spiymati și transmite emoții umane. Iac și Tițian, care au lucrat mult timp la compozițiile picturilor bogate. Culorile pământii - galben ocru, maro și maro-roșu - erau preferatele yogo. Imaginile Yogo sunt vikonanі, mai important, în culori închise. Semnificația importantă a părților întunecate, bogat sferice este de a sparge această tehnică extraordinară. Accentul se transferă la luminarea unor case luminoase.
Jan Vermeier (1632-1675) a fost unul dintre artiștii olandezi care au pictat scene modeste din viața de zi cu zi. Vіn buv maestru la pictura oricăror texturi - satin, kilimіv persan, scoring pâine, metal. Zagalne vrazhennya vіd іnter'єru Vermeєra este o cameră de zi adormită, plină de obiecte de gunoi emblematice.
Pictura din secolul al XVIII-lea
În secolul al XVIII-lea, Veneția a dat naștere la câțiva artiști faini. Naivedomishim Buv Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). După ce au înfrumusețat interioarele palatelor și ale altor budіvels cu fresce grandioase de barvy, pentru a crea scene de bogăție. Francesco Guardi (1712-1793) mai mult decât un penzle major, mai puțin decât câțiva fulgi de culoare, el a strigat imediat ideea unui post critic printre chovni. Imaginile vizuale ale lui Antonio Canaletto (1697-1768) au comemorat gloria trecută a Veneției.
Franța: stil rococo
Franța are o plăcere pentru florile pastelate și decorarea vicleană pe stiulețul secolului al XVIII-lea, solicitând dezvoltarea stilului rococo. Jean Antoine Watteau (1684-1721), pictor de curte al regelui Ludovic al XV-lea, iar mai târziu Francois Boucher (1703-1770) și Jean Honore Fragonard (1732-1806) au fost în conformitate cu tendințele rococo. Watteau a scris mriylivy bachennya, viață, pentru care totul este distractiv. Stilul se bazează pe picnicuri în parcuri, seri cu vulpi, distracția domnilor și sacoșe elegante în natură.
Alți artiști ai secolului al XVIII-lea au descris scene din viața extraordinară a clasei de mijloc. Yak și Dutch Vermeier, Jean-Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) citând scene domestice simple și naturi moarte. Culorile yoga sunt dure și calme în por_vnyann din Watteau.
Anglia
În secolul al XVIII-lea, englezii au dezvoltat pentru prima dată o școală de pictură. Nucleul a fost format, mai important, din portretiști, printre care s-au revărsat artiștii Renașterii venețiane. Sir Joshua Reynolds (1723-1792) și Thomas Gainsborough (1727-1788) sunt cei mai populari. Reynolds, care a ridicat prețul Italiei, urmând idealurile picturii renascentiste. Portrete Yogo, prioblivі și zvorushlivі, nu duzhe tsіkavі pentru culoare sau textură. Gainsborough, de cealaltă parte, talentul să strălucească. Suprafața picturilor strălucește cu o culoare strălucitoare.
Pictura din secolul al XIX-lea
Secolul al XIX-lea este uneori privit ca o perioadă în care misticismul modern a început să prindă contur. Unul dintre motivele importante ale așa-zisei revoluții în artă în același timp a fost vinul de cameră, deoarece i-a tentat pe artiști să privească meta pictura.
Cel mai important podієyu a fost alegerea largă de curți pentru prepararea farb. Până în secolul al XIX-lea, cei mai mulți artiști și asistenții lor au lucrat la calea vlasny farby pentru a rafina pigmentul. Farburile comerciale timpurii au fost sacrificate la farbs manuale. De exemplu, artiștii secolului al XIX-lea au arătat că tonurile de albastru închis și maro ale picturilor timpurii au devenit negre sau gri de-a lungul anilor. Duhoarea a început din nou să creeze culori pure pentru a-și salva munca și pentru cei care au încercat mai precis să facă lumina somnoroasă la scenele străzii.
Spania: Goya
Francisco Goya (1746-1828) a fost primul mare artist spaniol care a apărut din secolul al XVII-lea. Ca o dragoste, artistul curții spaniole de vinuri a creat portrete bogate ale familiei regale. Personaje regale echipate rochie elegantași frumos koshtovnosti, dar pe deaky їhnіh guse tot ceea ce apare, cemarnoslavlstvo și lăcomia. Portrete din Crimeea, Goya a pictat scene dramatice, precum al treilea mai din 1808. În această imagine, un grup de rebeli spanioli este capturat de soldații francezi. Contrastele zâmbitoare de culori deschise și întunecate și sumbre, străpunse de briza roșie, scot în evidență aspectul sumbru al speciei.
În timp ce Franța a fost un mare centru de artă în anii 1800, pictorii englezi peisagisti John Constable (1776-1837) și Joseph Melord William Turner (1775-1851) au adăugat valoare picturii secolului al XIX-lea. Ofensați de pictură, lumina și aerul, au trăit două aspecte ale naturii, precum artiștii secolului al XIX-lea. Constabilul a câștigat metoda, vodomiy podіl sau culoarea diabolică. Vіn vikoristovuvav culori contrastante peste culoarea principală a corpului. Vіn adesea vykoristovuvav nizh pentru paletă, schob schіlno aplica culoarea. Tabloul „Hay Wain” l-a făcut celebru după ce a fost expus la Paris în 1824. Este doar o scenă puternică a unui film. Hmari plutește peste arcuri, acoperit de razele luminii somnoroase. Picturile lui Turner sunt dramatice, mai joase de Constable, ca scrisul unor mari mementouri ale naturii - furtuni, peisaje maritime, soare arzător, munți înalți. Adesea, serpentina aurie atrage adesea obiecte în picturile de yoga, zmushyuyuchi їх zdavatis plutind în întinderea nesfârșită.
Franţa
Perioada de domnie a lui Napoleon și Revoluția Franceză au marcat apariția a două tendințe opuse în arta franceză - clasicismul și romantismul. Jacques Louis David (1748-1825) și Jean-Auguste Dominique Ingres (1780-1867) au fost inspirați din misticismul antic grecesc și roman și din epoca Renașterii. Au adăugat detalii și culori victorioase pentru crearea formelor solide. Ca artist al ordinului revoluționar, David a scris adesea lucrări istorice din acea perioadă. În portretele sale, precum cel al lui Madame Recam, acestea au depășit limita simplității clasice.
Theodor Geriko (1791-1824) și romanticul Eugène Delacroix (1798-1863) s-au ridicat împotriva stilului lui David. Pentru Delacroix, culoarea este cel mai important element în pictură și răbdarea pentru imitarea statuilor clasice. Vinuri natomiști înecate de Ruben și de venețieni. După ce a ales barvy, teme exotice pentru picturile sale, de parcă ar radia lumină și calm.
Artiștii din Barbizon au făcut, de asemenea, parte din mișcarea romantică sălbatică care a avut loc aproximativ între 1820 și 1850. Duhoarea a funcționat lângă satul Barbizon, la marginea pădurii Fontainebleau. Mirosurile s-au inspirat din natură și au terminat picturile la studiourile lor.
Alți artiști au experimentat cu obiecte de zi cu zi și extraordinare. Peisajele lui Jean Baptiste Camil Corot (1796-1875) inspiră dragoste pentru natură, iar aceste studii asupra corpului uman arată propriul lor echilibru de calm. Gustave Courbet (1819-1877) autointitulându-se un realist, celui care a înfățișat lumea ca atare, ca un licențiat în yoga - pentru a insufla yoga suvory, o bicicletă inacceptabilă. Vin și-a înconjurat paleta cu mai puțin de câteva kvіts sumbre. Edouard Manet (1832-1883) și-a luat baza intrigărilor sale din lumea științei. Oamenii erau ostili yoga cu contraste barvy și trucuri discrete. Pe suprafețele picturilor de yoga, există adesea o textură plată de mișcări de pensulă. Metodele lui Manet de aplicare a efectelor luminii asupra formei au fost revărsate asupra tinerilor artiști, în special asupra impresioniștilor.
Pratsyuyuchi în anii 1870 și 1880, un grup de artiști, precum impresioniștii, a vrut să înfățișeze natura însăși în așa fel încât să fie din senin. Duhoarea a dispărut departe, mai jos Constable, Turner și Manet la cele mai strălucitoare efecte de lumină la culoare. Deyakі їх a dezvoltat teoria științifică a culorii. Claude Monet (1840-1926) a scris adesea aceeași viziune la o oră diferită pentru a termina, pentru a arăta cum se schimbă vinul în diferite minți ale luminii. Yakim bi not buv ob'єkt, pozele yogo sunt alcătuite din sute de mișcări critice, mâini cusute manual una câte una, adesea în culori contrastante. Din vânt, loviturile se mișcă, pentru a crea distrugerea formelor solide. Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) a fost un campion al metodelor impresionismului, pentru a-și face o viață sfântă pariziană. La Yogo „Dansul la Moulin de la Galette”, oamenii îmbrăcați strălucitori erau jubilați și dansau veseli. Renoir a pictat întregul tablou cu lovituri ascuțite. Punctele și loviturile de farby creează o textură pe suprafața imaginii, care pare să o facă să pară specială. Oamenii Natovpi, zdaєtsya, diferă printr-o lumină somnoroasă și o culoare mortală.
Pictura secolului XX
O serie de artiști au devenit brusc nemulțumiți de impresionism. Artiști precum Paul Cezanne (1839-1906) și-au dat seama că impresionismul nu înseamnă imensitatea formelor din natură. Lui Cezanne îi plăcea să picteze naturi moarte, faptul că duhoarea îi permitea să se concentreze asupra formei fructelor sau a altor obiecte din acel fel de rozmarin. Obiectele naturii moarte yoga arată ciudat, prin faptul că sunt aduse la forme geometrice simple. Aceeași tehnică de plasare a flăcărilor farby și mișcări scurte de plea-o-plea bogate în culori arată ceea ce ați învățat de la impresioniști.
Vincent van Gogh (1853-90) și Paul Gauguin (1848-1903) au reacționat la realismul impresioniștilor. La vederea impresioniștilor, așa cum spuneau ei, că privesc în mod obiectiv natura, Van Gogh a spus puțin despre acuratețe. Vіn adesea spotovoryuvav ob'єkti, schob vyslovit gândurile lor în mod creativ. Vіn vikoristovuvav іmpresіonіstski principii pіnіshchennya contrastante kolorіv încredințate fiecăruia. Uneori, stoarcerea farba din tuburi direct pe pânză, ca la „Câmpul de porumb galben”.
Gauguin nu a adăugat despre culorile curajoase ale impresioniștilor. Vіn fără probleme zastosovuvav kolіr la marile zone plate, cum ar fi vіn vіdokremlyuvav una într-o singură linie sau marginile întunecate. Popoarele tropicale Barvy au oferit cea mai mare parte a acestei povești.
Metoda lui Cezanne de a crea spațiu pentru ajutorul formelor geometrice simple ale scrisorii de pocăință de Pablo Picasso (1881-1973), Georges Shlyub (1882-1963) și alții. Stilul Їхній devenind un iac vіdomy Kubіzm. Cuburile pictau obiectele în așa fel încât niciunul dintre ele nu putea fi legănat de la câteva tăieturi deodată, niciunul nu era cules și cules pe o pânză plată. Adesea, obiectele nu erau asemănătoare cu cele care există în natură. În unele cuburi, figurile au fost realizate din țesătură, carton, tapiserii sau alte materiale și lipite pe pânză pentru a crea un colaj. Texturile au fost, de asemenea, variate, adăugând la farby sunetul vorbirii chi inshі.
Cele mai noi tendințe au fost pentru a le acorda mai puțin respect. Compoziția și tehnica imaginii au început să pună un accent mai mare.
- Pictura acrilică: istorie, tehnică, avantaje ale acrilicului
