Які основні жанри ви знаєте? Приклади живопису, жанри, стилі, різні техніки та напрямки Жанри картин у мистецтві.
Хоча поняття «жанр» з'явилося в живописі порівняно недавно, певні жанрові відмінності існували ще з давніх-давен: зображення тварин у печерах епохи палеоліту, портретиСтародавнього Єгиптута Месопотамії з 3 тис. до н.е., пейзажі та натюрморти в елліністичних та римських мозаїках та фресках. Формування жанру як системи у станковому живописі розпочалося у Європі у 15–16 ст. і завершилося в основному в 17 ст, коли, крім поділу образотворчого мистецтва на жанри, з'являється поняття т.зв. «високих» та «низьких» жанрів залежно від предмета зображення, теми, сюжету. До «високого» жанру відносили історичний та міфологічний жанри, до «низьких» – портрет, пейзаж, натюрморт. Така градація жанрів проіснувала до 19 в. хоч і з винятками.
Так було в 17 в. у Голландії у живопису провідними стали саме «низькі» жанри (пейзаж, побутовий жанр, натюрморт), а парадний портрет, що формально належав до «низького» жанру портрета, до такого не належав. Ставши формою відображення життя, жанри живопису за всієї стабільності спільних рис є незмінними, вони розвиваються разом із життям, змінюючись у міру розвитку мистецтва. Деякі жанри відмирають або знаходять новий сенс (напр., Міфологічний жанр), виникають нові, зазвичай всередині раніше існували (напр., всередині пейзажного жанру з'явилися архітектурний краєвиді марина). З'являються твори, що поєднують у собі різні жанри (напр., поєднання побутового жанру з пейзажем, групового портрета з історичним жанром).
АВТОПОРТРЕТ(від фр. autoportrait) – портрет самого себе. Зазвичай мається на увазі живописне зображення; проте автопортрети бувають і скульптурні, літературні, кінематографічні, фотографічні тощо.
Рембрандт "Автопортрет"
АЛЕГОРІЯ(грецька allegoria - алегорія) - вираз абстрактних ідей за допомогою конкретних художніх образів. Приклад: "правосуддя" - жінка з вагами.
Моретто та Брешіа "Алегорія віри"
АНІМАЛІСТИЧНИЙ(від латів. animal – тварина) - жанр пов'язані з зображенням тварин у живопису, скульптурі та графіці.
Д. Стаббс. Кобили та лошата у пейзажі біля річки. 1763-1768 рр.
БАТАЛЬНИЙ(від франц. bataille - битва) - присвячений зображенню військових дій та військового життя.
Авер'янов Олександр Юрійович. href="http://www.realartist.ru/names/averyanov/30/">Ватерлоо.
ПОБУТОВИЙ- пов'язаний із зображенням повсякденному життілюдини.
Микола Дмитрович ДМИТРІЄВ-ОРЕНБУРСЬКИЙ (1837-1898).Пожежа у селі
ГАЛАНТНИЙ- «поштивий, ввічливий люб'язний, ввічливий, цікавий» устар. пов'язаний із зображенням вишуканих ліричних сцен із життя придворних дам та кавалерів у художній творчості переважно XVIII ст.
Герард Тер Борх Молодший. Галантні солдати.
ІСТОРИЧНИЙ- один з основних жанрів образотворчого мистецтва, присвячений історичним подіям минулого та сучасності, соціально значущим явищам в історії народів.
Павло Риженко. Перемога Пересвіту.
КАРИКАТУРА- Жанр образотворчого мистецтва, що використовує засоби сатири та гумору, гротеску, шаржа, зображення, в якому комічний ефект створюється шляхом перебільшення та загостренням характерних рис. Карикатура висміює, недолік або порочність персонажа, щоб залучити його та оточуючих людей, з метою змусити змінитися на краще.
МІФОЛОГІЧНИЙ- присвячений подіям та героям, про які розповідають міфи. Боги, деміурги, герої, демони, міфічні істоти, історичні та міфологічні персонажі. У 19 столітті міфологічний жанр служив нормою високого, бездоганного мистецтва.
Олександр Іванов. Беллерофонт вирушає у похід проти Хімери.
Натюрморт- жанр образотворчого мистецтва, зображення неживих предметів, розміщених у реальному побутовому середовищі та організованих у певну групу; картина із зображенням предметів побуту, квітів, плодів, дичини, виловленої риби тощо.
Аенванк Теодор (Aenvanck, Theodoor)
НЮ(оголений) - художній жанр у скульптурі, живописі, фотографії та кінематографі, що зображає красу оголеного людського тіла, переважно жіночого.
Венера Урбінська", Тіціан
Пастораль(фр. pastorale - пастуший, сільський) - жанр у літературі, живопису, музиці та в театрі, зображення ідилічного життя пастухів та пастушок на природі.
Пейзаж(франц. paysage, від pays - країна, місцевість), - жанр присвячений зображенню будь-якої місцевості: річок, гір, полів, лісів, сільського чи міського ландшафту.
Href="http://solsand.com/wiki/doku.php?id=ostade&DokuWiki=7593bff333e2d137d17806744c6dbf83" >Адріана ван Остаде
Портрет(фр. portrait, «відтворювати що-небудь чорта») - жанр образотворчого мистецтва, присвячений зображенню людини або групи людей; різновиди – автопортрет, груповий портрет, парадний, камерний, костюмований портрет, мініатюра портретна.
Боровиковський В. "Портрет М. І. Лопухіної"
СЮЖЕТНО-ТЕМАТИЧНА КАРТИНА- Визначення своєрідного схрещення традиційних жанрів живопису, що сприяло створенню великомасштабних творів на соціально значущі теми з чітко вираженою фабулою, сюжетною дією, багатофігурною композицією. - змішування традиційних жанрів живопису побутового, історичного, батального, композиційного портрета, пейзажу та ін.
Робер, Гюбер - Огляд старої церкви
ШАРЖ або ДРУЖІЙ ШАРЖ(фр. charge) - гумористичне або сатиричне зображення, в якому змінені та підкреслені характерні риси моделі в межах норми, з метою пожартувати, а не принизити та образити, як зазвичай робиться в карикатурах.
Скульптура і симфонія, картина та повість, фільм і палац, спектакль та танець – все це твори різних видів мистецтва.
Мистецтво класифікують за різними критеріями. Образотворчі мистецтвапоказують у художніх образах зовнішню дійсність, невигадливі види мистецтва виражають внутрішній світ. Незображувальні мистецтва: музика, танець та література, а також архітектура. Існують і змішані (синтетичні)види мистецтв: кіно, театр, балет, цирк та ін.
Усередині кожного виду мистецтва існують підрозділи, які називаються жанрамивідповідно до тем і об'єктів зображення. Ось про це ми поговоримо з вами сьогодні.
Види мистецтва
Образотворчі види мистецтва
Живопис
Мабуть, це один із найпоширеніших видів мистецтва. Найперші твори живопису відносяться до давнини, вони виявлені на стінах печер стародавніх людей.
Дуже давнім вважається і монументальний живопис, який розвивався у формі мозаїкиі фрески(живопис із сирої штукатурки).
Святий Миколай. Фреска Діонісія. Ферапонтов монастир
Станковий живопис– це картини різних жанрів, написані на полотні (картоні, папері) найчастіше олійними фарбами.
Жанри живопису
У сучасному живописі є такі жанри: портрет, історичний, міфологічний, батальний, побутовий, пейзаж, натюрморт, анімалістичний жанр.
Портретний жанрвідображає зовнішній та внутрішній вигляд людини або групи людей. Цей жанр поширений у живопису, а й у скульптурі, графіці тощо. Головне завдання портретного жанру – передача зовнішньої подібності та розкриття внутрішнього світу, сутності характеру людини.
І. Крамської «Портрет Софії Іванівни Крамської»
Історичний жанр(зображення історичних подій та персонажів). Звісно, жанри у живопису часто переплітаються, т.к. при зображенні, наприклад, якоїсь історичної події художнику доводиться звертатися до портретного жанру тощо.
Міфологічний жанр- Ілюстрація міфів і переказів різних народів.
С. Боттічеллі «Народження Венери»
Батальний жанр- Зображення битв, військових подвигів, бойових дій, що оспівує битви, торжество перемоги. Батальний жанр може включати елементи інших жанрів – побутового, портретного, пейзажного, анімалістичного, натюрморту.
В. Васнєцов «Після побоїща Ігоря Святославича з половцями»
Побутовий жанр- Зображення сцен повсякденного, особистого життя людини.
А. Венеціанов «На ріллі»
Краєвид– зображення природи, довкілля, видів сільської місцевості, міст, історичних пам'яток і т.д.
А Саврасов «Грачі прилетіли»
Марина- морський пейзаж.
Натюрморт(у перекладі з фр. – «мертва натура») – зображення предметів побуту, праці, творчості, квіти, плоди, бита дичина, виловлена риба, які у реальному побутовому середовищі.
Анімалістичний жанр- Зображення тварин.
Графіка
Назва цього виду образотворчого мистецтва походить від грецького слова grapho – пишу, малюю.
До графіки відносять насамперед малюнок і гравюру, у яких малюнок створюється переважно з допомогою лінії на аркуші паперу чи різцем на твердому матеріалі, із яких зображення відтискується на паперовий лист.
Види графіки
Гравюра- на плоску поверхню матеріалу наноситься малюнок, який потім покривається фарбою та відтискується на папері. Число відбитків варіюється в залежності від техніки гравіювання та матеріалу. Основні матеріали гравюри – метал (мідь, цинк, сталь), дерево (самшит, пальма, груша, вишня та ін.), лінолеум, картон, пластик, оргскло. Обробка гравюрної дошки проводиться механічними засобами, сталевими інструментами або травленням кислотою.
Естамп- Відбиток з гравірувальної дошки (гравюра, літографія, шовкографія, монотипія), що є станковим твором художньої графіки. Естамп друкується з дошки, яку гравірував сам художник, часто ж він робить відбитки. Такі роботи зазвичай є підписними, авторськими примірниками, вважаються першотворами. Естампи бувають чорно-білими та кольоровими.
Книжкова графіка- конструкція книжки, її декоративне оформлення, ілюстрації.
Промислова графіка – створення товарних ярликів, фірмових знаків, видавничих марок, упаковок, рекламних видань, бланків та конвертів. Вона стикається з рекламою, входить у систему дизайну.
Екслібріс- Знак, що вказує на власника книги. Екслібрис прикріплюється на внутрішній бік книжкової палітурки або обкладинки. Книжкові знаки гравіруються на дереві, міді, лінолеумі, цинкографічним або літографським методами.
Екслібріс Грети Гарбо
Плакат- Зображення, розраховане на загальну увагу, створене в агітаційних або навчальних цілях.
Ліногравюра– гравюра на лінолеумі.
Літографія- Вигляд гравюри: нанесення малюнка на камінь і відбиток з нього.
Ксилографія– гравюра на дереві.
Кацусіка Хокусай «Велика хвиля в Канагаві», ксилографія
Офорт– вид гравюри на металі, спосіб гравіювання та відбиток, отриманий цим способом.
Комп'ютерна графіка– зображення складаються на комп'ютері, відображаються в динаміці або статиці. При створенні цього виду графіки можна бачити, як формується зображення на всіх етапах, і необмежено здійснювати коригування.
Скульптура
Цей вид мистецтва також виник у давнину. Знайдено багато виліплених із глини або вирубаних із каменю зображень тварин, які досить точно передають їхній зовнішній вигляд. Збереглося багато жіночих статуеток, які втілюють могутнє жіноче начало. Можливо це примітивні зображення богинь. Стародавні скульптори перебільшували їхні родючі сили, зображуючи з потужними стегнами, а археологи називають їх «Венерами».
Венера Віллендорфська, близько 23 тис. років до н. е., Центральна Європа
Скульптура поділяється на круглу, що вільно розміщується в просторі, і рельєф, в якому об'ємні зображення розташовуються на площині.
Як і в живопису, у скульптурі існують станкові та монументальні форми. Монументальна скульптурапризначена для вулиць та площ, така пам'ятка створюється на довгий час, тому вона зазвичай виконана з бронзи, мармуру, граніту. Станкова скульптура– це портрети або невеликі жанрові групи, виготовлені з дерева, гіпсу та інших матеріалів.
Пам'ятник листоноші. Нижній Новгород
Декоративно-ужиткове мистецтво
Творці творів декоративно-ужиткового мистецтва ставили перед собою дві мети: створити річ, яка необхідна для повсякденного побуту, але ця річ одночасно повинна мати певні художні якості. Предмети повсякденного побуту повинні як служити людині практично, а й прикрашати життя, радувати око досконалістю форм і фарб.
Звичайно, зараз багато творів декоративно-ужиткового мистецтва мають в основному естетичне значення, але так було не завжди.
Основні види декоративно-ужиткового мистецтва
Батік– ручний розпис по тканині
Робота в техніці гарячий батик (з використанням воску)
Бісероплетіння
Вишивання
В'язання
Мереживоплетіння
Килимарство
Гобелен
Квілінг– мистецтво виготовлення плоских або об'ємних композицій зі скручених у спіральки довгих та вузьких смужок паперу.
Техніка квіллінг
Кераміка
Мозаїка
Ювелірне мистецтво
Лакова мініатюра
Палехська лакова мініатюра
Художній розпис по дереву
Художній розпис по металу
Жостовський піднос
Художнє різьблення
Художня обробка шкіри
Художній розпис з кераміки
Художня обробка металу
Пірографія(випалювання по дереву, шкірі, тканині тощо)
Робота зі склом
Верхня половина вікна Кентерберійського собору, Великобританія
Орігамі
Фотомистецтво
Мистецтво художньої фотографії. Жанри переважно ті ж, що й у живопису.
Графіті
Зображення на стінах чи інших поверхнях. До графіті відносять будь-який вид вуличного фарбування стін, на яких можна знайти все: від простих написаних слів до вишуканих малюнків.
Графіті
Комікс
Мальовані історії, розповіді у картинках. Комікс поєднує риси таких видів мистецтва, як література та образотворче мистецтво.
Художник Вінзор Маккей «Маленький Семмі чхає»
Незображувальні види мистецтва
Архітектура
Архітектура- Мистецтво проектування та будівництва будівель. Архітектурні споруди можуть існувати як окремих будівель чи вигляді ансамблів. Але іноді ансамблі складаються історично: з будинків, збудованих у час, утворюється єдине ціле. Прикладом є Червона площа Москви.
Архітектура дозволяє судити про технічні досягнення та художні стилі різних епох. До нашого часу збереглися єгипетські піраміди, споруджені близько 5 тисяч років тому, храми Стародавньої Греції та Риму. Будь-яке місто в будь-якій країні відоме своїми архітектурними спорудами.
Палацова площа у Санкт-Петербурзі
Література
У широкому значенні слова: сукупність будь-яких письмових текстів.
Види літератури: художня, документальна проза, мемуарна, наукова та науково-популярна, довідкова, навчальна, технічна.
Жанри літератури
Літературний твір може бути зарахований до того чи іншого жанру за різними критеріями: за формою (новела, ода, опус, нарис, повість, п'єса, оповідання, роман, скетч, епопея, епос, есе), за змістом (комедія, фарс, водевіль , інтермедія, скетч, пародія, комедія положень, комедія характерів, трагедія, драма), за пологами.
Епічний рід: байка, билина, балада, міф, новела, повість, оповідання, роман, роман-епопея, казка, епопея.
Ліричний рід: ода, лист, станси, елегія, епіграма.
Ліро-епічний рід: балада, поема.
Драматичний рід: драма, комедія, трагедія.
Музика
Музика- Це мистецтво, засобом втілення художніх образів для якого є звук і тиша, особливо організовані в часі. Але взагалі дати одне вичерпно точне визначення поняття «музика» неможливо. Це особливий вид творчої діяльності, у тому числі ремесло, професія.
Велико видове та стилістичне розмаїття музики.
Класична (або серйозна)– професійні музичні твори, народжені у культурі Європи переважно з Нового часу (кордон XVI-XVII ст.) та в середні віки;
Популярна– переважно пісенно-танцювальні музичні жанри.
Позаєвропейська (неєвропейська)- Музика тих народів (Сходу), чия культура відрізняється від культури західноєвропейської цивілізації.
Етнічна (народна)– фольклорні музичні твори різних народів, що наголошують на самобутності етносу, нації, племені.
Естрадна (легка)- Музика розважального характеру, призначена для відпочинку.
Джаз– переосмислені європейцями виконавські традиції американських негрів, засновані на синтезі африканських та європейських музичних елементів.
Рок– музика невеликих вокально-інструментальних груп молоді, що відрізняється обов'язковою наявністю ударних та електромузичних інструментів, насамперед гітар.
Авангардна (експериментальна)– напрямок у професійній композиторській творчості у XX ст.
Альтернативна– нові музичні твори чи виконання (звукові уявлення, «перформанси»), принципово несхожі всі відомі сьогодні види музики.
Види музики можуть визначатися і за тією функцією, яку вона виконує: військова, церковна, релігійна, театральна, танцювальна, кіномузика тощо.
Або за характером виконання: вокальна, інструментальна, камерна, вокально-інструментальна, хорова, сольна, електронна, фортепіанна та ін.
Кожен вид музики має свої жанри. Розглянемо для прикладу Жанри інструментальної музики.
Інструментальна музика– це музика, яка виконується на інструментах, без участі людського голосу. Інструментальна музика буває симфонічною та камерною.
Камерна музика- Твори, призначені для виконання в невеликих приміщеннях, для домашнього, «кімнатного» музикування. Камерна музика має великі можливості передачі ліричних емоцій і тонких душевних станів людини. До жанрів камерної музики відносяться: сонати, квартети, п'єси, квінтети та ін.
Соната– один із основних жанрів інструментальної камерної музики. Зазвичай складається із 3 (4) частин.
Етюд- Музична п'єса, призначена для вдосконалення технічних навичок гри на інструменті.
Ноктюрн(фр. «нічний») – жанр невеликої одночастинної наспівної ліричної п'єси для фортепіано.
Прелюдія(Лат. "Вступ") - невелика інструментальна п'єса. Імпровізаційний вступ до основної п'єси. Але може бути самостійним твором.
Квартет – музичний твірдля 4-х виконавців.
Усередині кожного з видів музики можуть виникати та розвиватися власні стилі та напрямки, що відрізняються стійкими та характерними структурними та естетичними ознаками: класицизм, романтизм, імпресіонізм, експресіонізм, неокласицизм, серійність, авангард та ін.
Хореографія
Хореографія – мистецтво танцю.
Видовищні (змішані, або синтетичні) види мистецтва
Театр
Видовищний вид мистецтва, що є синтезом різних мистецтв: літератури, музики, хореографії, вокалу, образотворчого мистецтва та інших.
Ляльковий театр
Види театрів: драматичний, оперний, балетний, ляльковий, театр пантоміми та ін. Мистецтво театру відомо давно: театр народився з найдавніших ритуальних свят, що в алегоричній формі відтворювали явища природи або трудові процеси.
Опера
Вид мистецтва, в якому злиті в єдине ціле поезія та драматичне мистецтво, вокальна та інструментальна музика, міміка, танці, живопис, декорації та костюми.
Театр Ла-Скала (Мілан)
Естрада
Вид мистецтва малих форм переважно популярно-розважального спрямування. Естрада включає напрями: співи, танці, цирк на сцені, ілюзіонізм, розмовний жанр, клоунада.
Цирк
Вид видовищного мистецтва, за законами якого будується розважальне уявлення. До виступів сучасного цирку є демонстрація фокусів, пантоміми, клоунади, репризу, демонстрація виняткових здібностей, часто пов'язаних з ризиком (фізична сила, акробатика, еквілібристика,), дресованих тварин.
Кіномистецтво
Вид видовищного мистецтва, який також є синтезом мистецтв: літератури, театру, танцю, образотворчого мистецтва (декорації) та ін.
Балет
Вид сценічного мистецтва; спектакль, зміст якого втілюється у музично-хореографічних образах. В основі класичного балетного спектаклю лежить певний сюжет, драматургічний задум. У XX ст. виник безсюжетний балет, драматургія якого заснована на розвитку, закладеному музикою.
Число стилів і напрямків величезне, а то й нескінченно. Ключовим ознакою, яким твори можна групувати за стилями, є єдині принципи художнього мислення. Зміна одних методів художнього мислення іншими (чергування типів композицій, прийомів просторових побудов, особливостей колориту) невипадкова. Історично мінливе й наше сприйняття мистецтва.
Вибудовуючи систему стилів в ієрархічному порядку, дотримуватимемося європоцентристської традиції. Найбільшим у історії мистецтва є поняття епохи. Для кожної епохи характерна певна «картина світу», що складається з філософських, релігійних, політичних ідей, наукових уявлень, психологічних особливостей світосприйняття, етичних та моральних норм, естетичних критеріїв життя, за якою й відрізняють одну епоху від іншої. Такі Первісна епоха, епоха Стародавнього світу, Античність, Середньовіччя, Відродження, Новий час.
Стилі в мистецтві не мають чітких меж, вони плавно переходять один до одного і перебувають у безперервному розвитку, змішуванні та протидії. В рамках одного історичного художнього стилю завжди зароджується новий, а той у свою чергу переходить у наступний. Багато стилів співіснують одночасно і тому «чистих стилів» взагалі немає.
В ту саму історичну епоху можуть співіснувати кілька стилів. Наприклад, Класицизм, Академізм і Бароко в XVII столітті, Рококо і Неокласицизм - у XVIII, Романтизм і Академізм - у XIX. Такі стилі, як, наприклад, класицизм і бароко називають великими стилями, оскільки вони поширюються на всі види мистецтва: архітектуру, живопис, декоративно-ужиткове мистецтво, літературу, музику.
Слід розрізняти: художні стилі, напрями, течії, школи та особливості індивідуальних стилів окремих майстрів. У межах одного стилю може бути кілька художніх напрямів. Художнє напрям складається як із типових для даної епохи ознак, і зі своєрідних способів художнього мислення. Стиль модерн, наприклад, включає низку напрямів рубежу століть: і постімпресіонізм, і символізм, і фовізм тощо. З іншого боку, поняття символізму, як художнього напряму, добре розроблено у літературі, тоді як у живопису воно дуже розмито і поєднує художників, настільки різних стилістично, що часто трактується лише як їхнє світогляд.
Нижче будуть наведені визначення епох, стилів та напрямків, які так чи інакше відобразились у сучасному образотворчому та декоративно-ужитковому мистецтві.
| - художній стиль, що сформувався у країнах Західної та Центральної Європи у XII-XV ст. Він став результатом багатовікової еволюції середньовічного мистецтва, його найвищою стадією і водночас першим історії загальноєвропейським, міжнародним художнім стилем. Він охопив усі види мистецтва – архітектуру, скульптуру, живопис, вітраж, книжкове оформлення, декоративно-ужиткове мистецтво. Основою готичного стилю була архітектура, яка характеризується спрямованими вгору стрілчастими арками, кольоровими вітражами, візуальною дематеріалізацією форми. Елементи готичного мистецтва часто можна зустріти у сучасному оформленні інтер'єрів, зокрема, у настінному розписі, рідше у станковому живописі. З кінця минулого століття існує готична субкультура, що яскраво виявилася у музиці, поезії, дизайні одягу. |
|
| (Ренесанс) - (франц. Renaissance, італ. Rinascimento) Епоха в культурному та ідейному розвитку низки країн Західної та Центральної Європи, а також деяких країн Східної Європи. Основні відмінні риси культури Відродження: світський характер, гуманістичний світогляд, звернення до античної культурної спадщини, свого роду відродження його (звідси і назва). Культура Відродження має специфічні особливості перехідної епохи від середньовіччя до нового часу, в якій старе і нове, переплітаючись, утворюють своєрідний, якісно новий сплав. Складним є питання про хронологічні межі Відродження (в Італії - 14-16 ст., в інших країнах - 15-16 ст.), його територіальне поширення та національні особливості. Елементи цього стилю в сучасному мистецтві часто використовуються в настінних розписах, рідше в станковому живописі. | |
 |
- (Від італійського maniera - прийом, манера) протягом у європейському мистецтві XVI століття. Представники маньєризму відійшли від ренесансного гармонійного сприйняття світу, гуманістичної концепції людини як досконалого творіння природи. Гостро сприйняття життя поєднувалося з програмним прагненням не слідувати природі, а висловлювати суб'єктивну " внутрішню ідею " художнього образу, що народжується у душі художника. Найяскравіше проявився в Італії. Для італійського маньєризму 1520-х років. (Понтормо, Парміджаніно, Джуліо Романо) характерні драматична гострота образів, трагізм світосприйняття, ускладненість та перебільшена експресія поз та мотивів руху, подовженість пропорцій фігур, колористичні та світлотіньові дисонанси. Останнім часом став використовуватись мистецтвознавцями для позначення явищ у сучасному мистецтві, пов'язаних із трансформацією історичних стилів. |
| - Історичний художній стиль, який набув поширення спочатку в Італії в сер. XVI-XVII століття, а потім у Франції, Іспанії, Фландрії та Німеччині XVII-XVIII ст. Ширше цей термін використовується для визначення тенденцій, що вічно оновлюються, неспокійного, романтичного світовідчуття, мислення в експресивних, динамічних формах. Нарешті, у кожному часі, майже в кожному історичному художньому стилі можна виявити свій «період бароко» як етап найвищого творчого піднесення, напруження емоцій, вибухонебезпечності форм. | |
| - художній стиль у західноєвропейському мистецтві XVII – поч. XIX століття і в російській XVIII – поч. XIX, що звертався до античної спадщини як до ідеалу для наслідування. Він виявився в архітектурі, скульптурі, живописі, декоративно-ужитковому мистецтві. Художники-класицисти вважали античність найвищим досягненням і зробили її своїм еталоном у мистецтві, якому прагнули наслідувати. Згодом переродився на академізм. | |
| - Напрямок в європейському і російському мистецтві 1820-1830-х рр.., Що змінило класицизм. Романтики висували першому плані індивідуальність, протиставляючи ідеальної красі класицистів «недосконалу» реальність. Художників приваблювали яскраві, рідкісні, надзвичайні явища, і навіть образи фантастичного характеру. У мистецтві романтизму велику роль грає гостре індивідуальне сприйняття та переживання. Романтизм звільнив мистецтво від абстрактних класицистичних догм і повернув його до національної історії та образів народного фольклору. | |
 |
- (Від латів. sentiment - почуття) - напрямок західного мистецтва другої половини XVIII., що виражає розчарування в "цивілізації", заснованої на ідеалах "розуму" (ідеології Просвітництва). С. проголошує почуття, усамітнений роздум, простоту сільського життя "маленької людини". Ідеологом С. вважається Ж. Ж. Руссо. |
| - Напрямок у мистецтві, що прагне з найбільшою правдою і достовірністю відобразити як зовнішню форму, так і сутність явищ і речей. Як творчий метод поєднує у собі індивідуальні та типові риси при створенні образу. Найдовше за часом існування напрямок, що розвивається від первісної доби до наших днів. | |
| - Напрямок у європейській художній культурі кінця XIX-початку XX ст. Виниклий як реакція на панування в гуманітарній сфері норм буржуазного "розсудливості" (у філософії, естетиці - позитивізму, у мистецтві - натуралізму), символізм насамперед оформився у французькій літературі кінця 1860-70-ті рр., Пізніше набув поширення в Бельгії, Німеччині , Австрії, Норвегії, Росії. Естетичні принципи символізму багато в чому сягали ідей романтизму, і навіть до деяким доктринам ідеалістичної філософії А. Шопенгауера, Еге. Гартмана, частково Ф. Ніцше, до творчості і теоретизації німецького композитора Р. Вагнера. Живий дійсності символізм протиставляв світ видінь і мрій. Універсальним інструментом розуміння таємниць буття та індивідуальної свідомості вважався символ, породжений поетичним прозрінням і виражає потойбічний, прихований від повсякденного свідомості сенс явищ. Художник-творець розглядався як посередник між реальним і надчуттєвим, що скрізь знаходить "знаки" світової гармонії, що пророчо вгадує ознаки майбутнього як у сучасних явищах, так і в подіях минулого. | |
| - (від фр. impression - враження) напрямок у мистецтві останньої третини XIX - початку XX в., що у Франції. Назва була введена художнім критиком Л. Леруа, що зневажливо відгукнувся про виставку художників 1874, де серед інших була представлена картина К. Моне «Схід сонця. Враження». Імпресіонізм утверджував красу реального світу, акцентуючи свіжість першого враження, мінливість оточуючого. Переважна увага до вирішення чисто мальовничих завдань зменшувало традиційне уявлення про малюнок як про головну складову частини твору мистецтва. Імпресіонізм справив сильний вплив на мистецтво європейських країн та США, пробудив інтерес до сюжетів із реального життя. (Е. Мане, Е. Дега, О. Ренуар, К. Моне, А. Сіслей та ін.) | |
| - Течія в живопису (синонім - дивізіонізм), що розвивалося в рамках неоімпресіонізму. Неоімпресіонізм виник у Франції в 1885 році і набув поширення також у Бельгії та Італії. Неоимпрессионисты намагалися застосувати у мистецтві новітні досягнення у галузі оптики, за якими виконана роздільними точками основних кольорів живопис у зоровому сприйнятті дає злиття кольорів і всю гаму живопису. (Ж. Сірка, П. Сіньяк, К. Пісарро). | |
 |
Постімпресіонізм- умовна збірна назва основних напрямів французького живопису к. XIX - 1-ий чверт. ХХ ст. Мистецтво постімпресіонізму виникло як реакція на імпресіонізм, який фіксував увагу на передачі миті, на відчутті живописності та втратив інтерес до форми предметів. Серед постімпресіоністів – П. Сезанн, П. Гоген, В. Гог та ін. |
| - Стиль в європейському і американському мистецтві на рубежі XIX-XX століть. Модерн пересмислював і стилізував риси мистецтва різних епіз, і виробив власні художні прийоми, встановлені на принципі інтеграції. Об'єктом стилізації модерну також стають і природні форми. Це об'яття не тільки інтеpець до пpоізведеньx модеpна, пpоізведеніяx модеpна, нp і cама ЇХ композиційна й плаcтічеська cтpыктиpа - обіліе кpиволінейниx очеpтани, оpливающіx, неpовниx пpоpовниx контиpуx, фopовнyx пoвoлeнiйx пoтyпypы. Тісно пов'язаний з модерном - символізм, що поклав естетико-філософською основою для модерну, спираючись на модерн як площу реалізацію своїх ідей. Модерн мав у різних країнах різні назви, які по суті є синонімами: Ар Нуво – у Франції, Сецесій – в Австрії, Югендстиль – у Німеччині, Ліберті – в Італії. |
|
 |
– (від фр. modern – сучасний) загальна назва низки напрямків мистецтва першої половини XX ст., для яких характерні заперечення традиційних форм та естетики минулого. Модернізм близький до авангардизму і протилежний академізму. |
| - назва, що поєднує коло художніх напрямів, поширених у 1905-1930-х рр. (фовізм, кубізм, футуризм, експресіонізм, дадаїзм, сюрреалізм). Всі ці напрями поєднує прагнення оновити мову мистецтва, переосмислити його завдання, набути свободи художнього вираження. | |
 |
- напрямок у мистецтві к. XIX - н. XX ст., засноване на творчих уроках французького художника Поля Сезанна, який зводив усі форми у зображенні до найпростіших геометричних фігур, а колорит – до контрастних побудов теплих та холодних тонів. Сезанізм послужив однією з відправних точок для кубізму. Великою мірою сезанізм вплинув також на вітчизняну реалістичну школу живопису. |
 |
- (від fauve - дикий) авангардистська течія у французькому мистецтві н. ХХ ст. Назва «дикі» було дано сучасними критиками групі художників, що виступили в 1905 р. у паризькому Салоні незалежних, і мало іронічний характер. До групи входили А. Матісс, А. Марке, Ж. Руо, М. де Вламінк, А. Дерен, Р. Дюфі, Ж. Брак, К. ван Донген та ін. , пошук імпульсів у примітивній творчості, мистецтві середньовіччя та Сходу. |
| - навмисне спрощення образотворчих засобів, наслідування примітивних стадій розвитку мистецтва. Цим терміном позначають т.зв. наївне мистецтво художників, які здобули спеціальної освіти, проте залучених до загального художнього процесу к. XIX - поч. ХХ століття. Творам цих художників - Н. Піросмані, А. Руссо, В. Селіванова та ін. властива своєрідна дитячість в інтерпретації натури, поєднання узагальненої форми та дрібної буквальності в деталях. Примітивізм форми зовсім на визначає примітивність змісту. Він часто служить джерелом для професіоналів, які запозичили з народного, по суті, примітивного мистецтва форми, образи, методи. З примітивізму черпали натхнення М. Гончарова, М. Ларіонов, П. Пікассо, А. Матісс. | |
 |
- Напрямок у мистецтві, що склалося на основі дотримання канонів античності та епохи Відродження. Існувала в багатьох європейських школах мистецтва з XVI по XIX століття. Академізм перетворював класичні традиції на систему «вічних» правил і розпоряджень, що сковували творчі пошуки, намагався протиставити недосконалій живій природі «високі» покращені, доведені до досконалості позанаціональні та позачасові форми краси. Для Академізму характерна перевага сюжетів з античної міфології, біблійних або історичних тем сюжетів із сучасного художника життя. |
| - (Франц. Cubisme, від Cube - куб) напрямок в мистецтві першої чверті XX століття. Пластична мова кубізма обгрунтовується на деформації і розкладання предметів на геометричні площі, пластиковому зрушенні форми. Народження кубізму посідає 1907-1908 року - напередодні першої Першої світової. Безперечним лідером цього напряму став поет та публіцист Г.Аполлінер. Ця течія одним із перших втілила провідні тенденції подальшого розвитку мистецтва ХХ століття. Однією із цих тенденцій стало домінування концепції над художньою самоцінністю картини. Батьками кубізму вважають Ж.Брака та П.Пікассо. До течії, що виникла, приєдналися Фернан Леже, Робер Делоне, Хуан Гріс та ін. | |
| - течія в літературі, живопису та кінематографі, що виникла у 1924 році у Франції. Воно значною мірою сприяло формуванню свідомості сучасної людини. Головні діячі руху – Андре Бретон, Луї Арагон, Сальвадор Далі, Луїс Бунюель, Хуан Міро та багато інших художників усього світу. Сюрреалізм висловлював ідею існування поза реального, особливо значної ролі тут набувають абсурд, несвідоме, сни, мрії. Одним з характерних методів художника-сюрреаліста є усунення від усвідомленої творчості, що робить його інструментом, що різними способами витягує химерні образи підсвідомості, споріднені з галюцинаціями. Сюрреалізм пережив кілька криз, пережив другу світову війнуі поступово, зливаючись з масовою культурою, перетинаючись з трансавангардом, увійшов як складова частина в постмодернізм. | |
 |
- (Від лат. futurum - майбутнє) літературно-xудожственне течії в мистецтві 1910-х років. Отводя чебе пол пpообpаза icкycтва бyдищого, фyтиpізм у качеcтве ocнoвної пpогpамeм видвігал ідею pазpишення кyлтиpниx cтеpеотипов і пpедлагал взяття апологiю тexники й йpбанiзму ЯК головнix пpоядищoгoвaщoв нa главнix пpоядищoгo. Дорожньою художньою ідеєю фітуризму став пошук пластичного виразу стрімкості руху як основного ознака темпу сучасного життя. Російська версія футуризму носила назву кубофітуризм і була заснована на поєднанні пластичних принципів французької кубачки і європейської фізичної |
Готика(від італ. gotico - незвичний, варварський) - період у розвитку середньовічного мистецтва, що охоплював майже всі галузі культури та розвивався біля Західної, Центральної і частково Східної Європи з XII по XV століття. Готика завершила розвиток європейського середньовічного мистецтва, виникнувши з урахуванням досягнень романської культури, а епоху Відродження мистецтво середньовіччя вважалося «варварським». Готичне мистецтво було культовим за призначенням та релігійним за тематикою. Воно зверталося до вищих божественних сил, вічності, християнського світогляду. Готика у розвитку поділяється на Ранню готику, Період розквіту, Пізню готику.
Шедеврами готичного стилю стали знамениті європейські собори, які так люблять фотографувати у найдрібніших деталях туристи. У оформленні інтер'єрів готичних соборів важлива роль відводилася колірним рішенням. У зовнішньому та внутрішньому оздобленні панувала велика кількість позолоти, світлоносність інтер'єру, ажурність стін, кристалічна розчленованість простору. Матерія була позбавлена великоваговості і непроникності, вона була ніби одухотворена.
Величезні поверхні вікон заповнювали вітражі з композиціями, що відтворювали історичні події, апокрифічні оповіді, літературні та релігійні сюжети, зображення побутових сцен з життя простих селян і ремісників, які являли собою унікальну енциклопедію життя в період середньовіччя. Кона зверху до низу заповнювалися фігурними композиціями, які були поміщені в медальйони. Поєднання світлового та колірного початку живопису в техніці вітража надавало підвищену емоційність художнім композиціям. Використовувалися різні скла: густо-червоні, вогняні, червоні, кольори граната, зелені, жовті, темно-сині, блакитні, ультрамаринові, вирізані по контуру малюнка… Вікна гріли подібно дорогоцінним самоцвітам, пронизані зовнішнім світлом, налаштовували його відвідувачів на високий лад.
Завдяки готичному кольоровому склу зародилися нові естетичні цінності, а фарби набули найвищої звучності сяючого кольору. Чистий колір породжував атмосферу повітряного середовища, фарбованого в різні тони завдяки грі світла на колонах, підлозі, вітражах. Колір перетворився на джерело світла, що поглиблювало перспективу. Товсте скло, часто неоднакове, було наповнене не зовсім прозорими бульбашками, що посилювали художній ефект від вітража. Світло, проходячи через нерівномірну товщу скла, дробилося і починало грати.
Найкращі зразки справжніх готичних вітражів відкриті огляду в соборах Шартра, Буржа та Парижа (наприклад, «Богоматір із немовлям»). Наповнена не меншою пишнотою, а також «Вогняні колеса» та «Молючі блискавки» в соборі Шартра.
З середини 1-го століття в барвисту гаму почали вводити складні кольори, які отримують за допомогою дублювання скла. Такі незвичайні вітражі в готичному стилі збереглися Сент-Шапель (1250г.). коричневою емалевою фарбою наносилися контури по склу, а форми при цьому мали площинний характер.
Готична епоха стала часом розквіту мистецтва мініатюрної книжки, і навіть художньої мініатюри. Посилення світських тенденцій у культурі лише посилило їх розвиток. Ілюстрації з багатофігурними композиціямина релігійну тематику включали різноманітні реалістичні деталі: зображення птахів, звірів, метеликів, орнаменти рослинних мотивів, побутових сценок. Особливою поетичною чарівністю сповнені роботи французького мініатюриста Жана Пюсселя.
У розвитку французької готичної мініатюри 13-14 століть чільне місце було зайнято паризькою школою. Псалтир святого Людовіка рясніє багатофігурними композиціями, обрамленими одним мотивом готичної архітектури, чому розповідь набуває надзвичайної стрункості (Лувр, Париж, 1270г.). фігури жінок і лицарів граціозні, їх форми відрізняються струмами лініями, що створює ілюзію руху. Соковитість та густота фарб, а також декоративна архітектура малюнка перетворюють дані мініатюри на унікальні витвори мистецтва та дорогоцінні прикраси сторінок.
Стиль готичної книги відрізняють загострені форми, незграбність, незграбність, філігранність ажурного візерунка і топкість звивистих ліній. Варто зазначити, що у 14-15 столітті світські рукописи також ілюструвалися. Часослови, наукові трактати, збірки любовних пісень та хроніки наповнені чудовими мініатюрами. У мініатюрі, що ілюструвала твори куртуазної літератури, втілився ідеал лицарського кохання, а також сцени зі звичайного життя. Подібний витвір – рукопис Манес (1320р.).
Згодом у готиці посилилася оповідальність. «Великі французькі хроніки» кона 14-го століття наочно демонструю прагнення художника проникнути в сенс події, що ним зображається. Поруч із цим книгам надавалося декоративна ошатність шляхом використання вишуканих віньеток і рамок химерних форм.
Готична мініатюра дуже вплинула на живопис і внесла живий струмінь у мистецтво Середньовіччя. Готика стала не просто стилем, а важливою ланкою у загальному культурному розвитку суспільства. Майстри стилю з неймовірною точністю змогли відтворити образ свого сучасника в предметному та природному середовищі. Великі та одухотворені готичні твори оточені аурою неповторної естетичної чарівності. Готика породила нове розуміння синтезу мистецтв, та її реалістичні завоювання підготували ґрунт переходу до мистецтва епохи Відродження.
Живопис – одне з стародавніх мистецтв, яке багато століть пройшло еволюцію від наскельних розписів палеоліту, до нових течій XX і навіть XXI століття. Це мистецтво народилося практично з появою людства. Стародавні люди, навіть не усвідомивши повністю себе людиною, відчули необхідність зображати світ на поверхні. Вони малювали все, що бачили: тварин, природу, мисливські сцени. Для малювання вони використовували щось схоже на фарби, виготовлені з натуральних матеріалів. Це були земляні фарби, деревне вугілля, чорна сажа. Пензлики робили з волосся тварин, або просто малювали пальцями.
Внаслідок змін виникали нові види та жанри живопису. За давнім періодом був період Античності. Виникло прагнення художників і художників до відтворення реального життя, такий, якою вона бачиться людині. Прагнення точності передачі викликало зародження основ перспективи, основ світлотіньових побудов різних зображень та дослідження цього художниками. І вони насамперед вивчали те, як можна зобразити об'ємний простір на площині стіни, у фресковому живописі. Деякі витвори мистецтва, такі як об'ємний простір, світлотіні стали використовувати для прикраси приміщень, центрів релігії і поховання.
Наступним важливим періодом у минулому живописі є Середньовіччя. У цей час живопис був більш релігійного характеру, і думка стала відбиватися на мистецтві. Творчість художників була спрямована на іконопис та інші мелодії релігії. Основними важливими моментами, які повинен був підкреслити художник, було не так точне відображення реальності, як передача духовності навіть у найрізноманітніших живописних творах. Полотна майстрів того часу вражали своєю виразністю контурів, яскравістю та барвистістю. Живопис середньовіччя здається нам площинним. Усі персонажі художників на той час перебувають у одній лінії. І тому багато творів здаються нам дещо стилізованими.
Період сірого Середньовіччя змінив яскравіший період Ренесансу. Епоха Відродження знову внесла перелом у історичний розвиток цього мистецтва. Нові настрої у суспільстві, новий світогляд стали диктувати художнику: які ж аспекти у живопису розкривати найповніше і ясно. Жанри живопису, такі як портрет та пейзаж, стануть незалежними стилями. Художники виражають емоції людини та її внутрішній світ через нові способи живопису. На XVII і XVIII століття припадає ще серйозніше зростання живопису. У цей період католицька церква втрачає свою значущість, і художники у своїх творах все частіше відображають справжні види людей, природи, побутового та повсякденного життя. У цей час також формуються такі жанри, як – бароко, рококо, класицизм, маньеризм. Виникає романтизм, який пізніше змінюється ефектнішим стилем - імпресіонізмом.
На початку ХХ століття живопис кардинально змінюється і з'являється новий напрям сучасного мистецтва – абстрактний живопис. Ідея цього напряму в тому, щоб передати згоду між людиною та мистецтвом, створити гармонійність у поєднаннях ліній та колірних відблисків. Це мистецтво не має предметності. Вона не переслідує точної передачі реального образу, а навпаки – передає те, що у душі художника, його емоції. Важливою роллю для цього виду мистецтва є форми та кольори. Суть її у тому, щоб по-новому передати раніше знайомі предмети. Тут митцям надається повна свобода своїх фантазій. Це і дало поштовх до зародження та розвитку сучасних напрямів, таких як авангардизм, андеграунд, абстракціонізм. З кінця ХХ століття і до теперішнього часу живопис постійно змінюється. Але, незважаючи на нові досягнення і сучасні технології, художники все-таки залишаються вірними класичному мистецтву - масляного і акварельного живопису, творять свої шедеври за допомогою фарб і полотен.
Наталія Мартиненко
Історія образотворчого мистецтва
Історія живопису - нескінченний ланцюжок, що почався з перших зроблених картин. Кожен стиль виростає із стилів, які були перед ним. Кожен великий художник додає щось до досягнень ранніх художників і впливає на пізніших художників.
Ми можемо насолоджуватися живописом за її красу. Його лінії, форми, кольори та склад (розташування частин) можуть подобатися нашим почуттям та затримуватися у наших спогадах. Але задоволення мистецтвом зростає, коли ми дізнаємося, коли і чому і як воно було створено.
На історію живопису вплинули багато факторів. Географія, релігія, національні особливості, історичні події, розробка нових матеріалів – це допомагає формувати бачення художника. Протягом усієї історії живопис відображав мінливий світ і наші уявлення про це. У свою чергу, художники надали одні з найкращих записів про розвиток цивілізації, іноді розкриваючи більше ніж письмове слово.
Доісторичний живопис
Печерні жителі були ранніми художниками. Кольорові малюнки тварин, датовані від 30 000 до 10 000 років до нашої ери, були знайдені на стінах печер на півдні Франції та Іспанії. Багато з цих малюнків напрочуд добре збереглися, тому що печери були запечатані протягом багатьох століть. Ранні люди малювали диких тварин, яких вони бачили довкола. Дуже грубі людські постаті, зроблені у життєвих позиціях, знайшли в Африці та Сході Іспанії.
Печерні художники заповнювали стіни печери малюнками у багатих яскравих тонах. Деякі з найкрасивіших картин перебувають у печері Альтаміра, Іспанії. Одна деталь показує пораненого бізона, що більше не здатного стояти - ймовірно, жертву мисливця. Він забарвлений у червонувато-коричневий колір і окреслений просто, але вміло, чорним. Пігменти, які використовували печерні художники – охра (оксиди заліза, що відрізняються за кольором від світло-жовтого до темно-оранжевого) та марганець (темний метал). Вони подрібнювалися на дрібний порошок, змішувалися з мастилом (можливо, з жирним маслом), і наносилися на поверхню якоюсь щіткою. Іноді пігменти набували форми паличок, схожих на крейду. Жир, змішаний із порошкоподібними пігментами, робив лакофарбову рідину, а частинки пігменту склеювалися. Жителі печери робили щітки з тварин волосків чи рослин, а гострі інструменти із кремнію (для малювання та подряпин).
Ще 30 000 років тому люди винайшли основні інструменти та матеріали для живопису. Методи та матеріали були вдосконалені та покращені у наступні століття. Але відкриття печерного мешканця залишаються основними для живопису.
Єгипетський та месопотамський живопис (3400–332 до н.е.)
Одна з перших цивілізацій з'явилася Єгипті. З письмових записів та мистецтва, залишеного єгиптянами, відомо багато про їхнє життя. Вони вважали, що тіло має бути збережене, щоб душа могла жити після смерті. Великі піраміди були складними гробницями багатих і могутніх єгипетських правителів. Багато єгипетського мистецтва було створено для пірамід і гробниць царів та інших важливих людей. Щоб бути абсолютно впевненим, що душа продовжуватиме існувати, художники створювали зображення мертвої людини в камені. Вони також відтворювали сцени з життя людини у настінних розписах у похоронних камерах.
Єгипетські техніки образотворчого мистецтва залишалися незмінними протягом століть. В одному способі акварельна фарба наносилася на глинисті або вапнякові поверхні. В іншому процесі контури вирізалися на кам'яних стінах та фарбувалися акварельними барвниками. Матеріал, званий гуміарабік, ймовірно, використовувався для приклеювання фарби до поверхні. На щастя, сухий клімат та запечатані гробниці заважали деяким із цих акварельних картин руйнуватися від вогкості. Багато мисливських сцен зі стін гробниць у Фівах, датованих близько 1450 до н.е., добре збереглися. Вони показують, як мисливці переслідують птахів або рибу. Ці сюжети ще можна ідентифікувати сьогодні, тому що вони були акуратно і ретельно пофарбовані.
Месопотамська цивілізація, яка тривала з 3200 до 332 року до нашої ери, була розташована в долині між річками Тигр і Євфрат на Близькому Сході. Будинки в Месопотамії будувалися переважно з глини. Оскільки глина пом'якшується дощем, їх будівлі валилися в пилюку, знищуючи будь-які настінні картини, які, можливо, були б дуже цікавими. Що збереглося, це прикрашена кераміка (забарвлена та обпалювана) та барвисті мозаїки. Хоча мозаїки не можна розглядати як живопис, вони часто на неї впливають.
Егейська цивілізація (3000-1100 до н.е.)
Третьою великою ранньою культурою була Егейська цивілізація. Егейці жили на островах біля берегів Греції та на півострові Малої Азії приблизно в той же час, що й давні єгиптяни та месопотамці.
У 1900 році археологи почали викопувати палац короля Міноса у Кноссі на острові Крит. Розкопки відкрили витвори мистецтва, написані близько 1500 до н.е. у надзвичайно вільному та граціозному стилі того часу. Очевидно, крітяни були безтурботними людьми, які люблять природу. Серед їхніх улюблених тем мистецтво були морське життя, тварини, квіти, спортивні ігри, масові процесії. У Кноссе та інших егейських палацах картини були виконані на мокрих гіпсових стінах фарбами з мінеральних речовин, піску та земляних охр. Фарба просочилася вологою штукатуркою та стала постійною частиною стіни. Ці картини пізніше назвали фресками (від італійського слова "свіжі" або "нові"). Критянам подобалися яскраві жовті, червоні, сині та зелені тони.
Грецький та римський класичний живопис (1100 р. до н.е. – 400 р. н.е.)
Стародавні греки прикрашали стіни храмів та палаців фресками. З давніх літературних джерел та з римських копій грецького мистецтваможна сказати, що греки малювали маленькі картини та робили мозаїки. Відомі імена грецьких майстрів і трохи з їхнього життя і робіт, хоча дуже мало грецького живопису пережило століття та наслідки воєн. Греки небагато писали у гробницях, тому їхні роботи були захищені.
Пофарбовані вази – це все, що збереглося від грецького живопису сьогодні. Виготовлення кераміки було великою галуззю у Греції, особливо у Афінах. Контейнери мали великий попит, поставлялися на експорт, так само як масло і мед, і для побутових цілей. Найбільш ранній вазковий живопис був виконаний у геометричних фігурах та орнаментах (1100-700 до н.е.). Вази були прикрашені і людськими фігурами у коричневій глазурі на світлій глині. До VI століття вазкові художники часто малювали чорні людські постаті на природній червоній глині. Деталі були вирізані на глині гострим інструментом. Це дозволило червоному проявитись у глибинах рельєфу.
Червоно-фігурний стиль зрештою замінив чорний. Т. е. навпаки: фігури червоні, а чорним стало тло. Перевага цього стилю полягала в тому, що художник міг використати пензель для створення контурів. Щітка дає вільнішу лінію, ніж металевий інструмент, що використовується у чорних фігурних вазах.
Римські настінні розписи знайшли головним чином віллах (заміських будинках) в Помпеях і Геркулануме. У 79 році нашої ери ці два міста були повністю поховані виверженням вулкана Везувій. Археологи, які розкопали цей район, змогли багато дізнатися про давньоримське життя з цих міст. Майже на кожному будинку та віллі у Помпеях на стінах були картини. Римські живописці ретельно готували поверхню стіни, наносячи суміш із мармурового пилу та штукатурки. Вони полірували поверхні до якості мармурового покриття. Багато картин є копіями грецьких картин IV століття до н.е. Витончені пози фігур, написаних на стінах Вілли Містерій у Помпеях, надихнули художників XVIII століття, коли місто було розкопане.
Греки та римляни також писали портрети. Невелика кількість їх, переважно портрети мумій, виконані у грецькому стилі єгипетськими художниками, збереглися навколо Олександрії, північ від Єгипту. Заснована в IV столітті до нашої ери Олександром Великим із Греції, Олександрія, стала провідним центром грецької та римської культури. Портрети писалися в техніці енкаустики по дереву і встановлювалися у вигляді мумії після смерті людини. Енкаустичні картини, зроблені у фарбі, змішаній із розплавленим бджолиним воском, зберігаються дуже довго. Справді, ці портрети все ще виглядають свіжими, хоч вони були зроблені ще в другому столітті до нашої ери.
Ранній християнський та візантійський живопис (300–1300 р.р.)
Римська імперія пішла на спад у 4 столітті н. У той самий час набирало силу християнство. У 313 римський імператор Костянтин офіційно визнав релігію і сам прийняв християнство.
Виникнення християнства сильно вплинув мистецтво. Художникам було доручено прикрасити стіни церков фресками та мозаїкою. Вони робили панно у церковних каплицях, ілюстрували та прикрашали церковні книги. Під впливом Церкви художники повинні були якомога ясніше повідомляти про вчення християнства.
Ранні християни та візантійські художники продовжили техніку мозаїки, про яку вони дізналися від греків. Маленькі плоскі шматочки кольорового скла чи каменю встановлювалися на вологий цемент чи штукатурку. Іноді використовувалися інші тверді матеріали, такі як шматочки випеченої глини або шкаралупи. В італійській мозаїці кольори особливо глибокі та сповнені. Італійські художники робили фон шматками позолоченого скла. Вони зображали людські постаті у багатих кольорах на тлі сяючого золота. Загальний ефект виходив плоским, декоративним і нереалістичним.
Мозаїки візантійських художників часто були ще менш реалістичними та ще більш декоративними, ніж мотиви ранніх християн. «Візантійське» - це назва, дана стилю мистецтва, яке розвивалося довкола стародавнього міста Візантії (нині Стамбул, Туреччина). Мозаїчна техніка ідеально відповідала візантійському смаку для прикрашених церков. Знамениті мозаїки Феодори та Юстиніана, виготовлені близько 547 р. н.е., демонструють смак багатства. Ювелірні вироби на фігурах блищать, а кольорові сукні придворні виблискують на тлі блискучого золота. Візантійські художники також використовували золото на фресках та панелях. Золото та інші дорогоцінні матеріали використовувалися у середні віки, щоб відокремити духовні предмети від повсякденного світу.
Середньовічний живопис (500–1400 р.р.)
Перша частина середньовіччя, приблизно з 6 по 11 століття нашої ери, зазвичай називають темними. Саме тоді заворушень мистецтво зберігалося переважно у монастирях. У V столітті н.е. варранські племена з Північної та Центральної Європи бродили континентом. Упродовж сотень років вони домінували у Західній Європі. Ці люди зробили мистецтво, у якому головним елементом є візерунок. Вони особливо захоплювалися структурами драконів і птахів.
Найкраще з кельтського та саксонського мистецтва можна знайти у рукописах 7 та 8 століть. Книжкові ілюстрації, освітлення і мініатюрний живопис, практикується з пізнього римського часу, набула поширення в середні віки. Освітлення - це прикраса тексту, великих літер та полів. Використовувалися золоті, срібні та яскраві кольори. Мініатюра – це маленька картинка, часто портрет. Спочатку цей термін використовувався для опису декоративного блоку навколо початкових літер у рукописі.
Карл Великий, який був коронований імператором Священної Римської імперії на початку IX століття, намагався відродити класичне мистецтво пізнього римського та ранньохристиянського періодів. Під час його правління художники мініатюр наслідували класичне мистецтво, але вони також передавали через свої предмети особисті почуття.
Дуже мало розпису стін збереглося із середньовіччя. У церквах, побудованих під час романського періоду (11-13 ст.), було кілька великих фресок, але більшість їх зникло. У церквах готичного періоду (XII-XVI ст.) був достатньо місця для настінних розписів. Книжкова ілюстрація була головною роботою готичного художника.
Серед найкращих ілюстрованих рукописів були книги годинників – збірники календарів, молитов та псалмів. Сторінка з італійського рукопису показує ретельно оформлені ініціали та дрібно деталізовану маргінальну сцену святого Георгія, який убиває дракона. Кольори блискучі і схожі на дорогоцінне каміння, як у вітражному склі, а золото мерехтить над сторінкою. Витончено тонкі листові та квіткові конструкції межують із текстом. Художники, ймовірно, використовували збільшувальне скло для виконання такої складної деталізованої роботи.
Італія: Чимабуе та Джотто
Італійські художники наприкінці XIII століття все ще працювали у візантійському стилі. Людські постаті були зроблені плоскими та декоративними. Особи рідко мали вираз. Тіла були невагомими і, здавалося, плавали, а не стояли на землі. У Флоренції художник Чимабуе (1240-1302) намагався модернізувати деякі зі старих візантійських методів. Ангели в «Мадонні на престолі» активніші, ніж зазвичай на картинах того часу. Їхні жести та обличчя показують трохи більше людських почуттів. Чимабуе додав до своїх картин нове почуття монументальності чи пишноти. Однак, він продовжував слідувати багатьом візантійським традиціям, таким як золоте тло і візерункове розташування предметів і фігур.
Це був великий флорентійський художник Джотто (1267–1337), який фактично порвав із візантійською традицією. Його фрескова серія в Каплиці Арени в Падуї залишає візантійське мистецтво далеко позаду. У цих сценах з життя Марії та Христа є справжні емоції, напруження та натуралізм. Усі якості людського тепла та симпатії присутні. Люди не здаються абсолютно нереальними чи небесними. Джотто заштрихував контури фігур, і він помістив глибокі тіні у складки одягу, щоб дати відчуття округлості та міцності.
Для своїх невеликих панелей Джотто використав чисту яєчну темперу, середовище, яке було вдосконалено флорентійцями у 14-му столітті. Ясність і яскравість його кольорів мали сильно вплинути на людей, які звикли до темних кольорів візантійських панелей. Картини темперою справляють враження, що на сцену падає м'яке денне світло. Вони мають майже плоский вигляд, на відміну від глянцю олійного живопису. Яєчна темпера залишалася головною фарбою, доки масло майже повністю не замінило її у 16 столітті.
Пізній середньовічний живопис на північ від Альп
На початку XV століття художники в Північній Європі працювали в стилі, зовсім відмінному від італійського живопису. Північні художники досягли реалізму, додавши до своїх картин незліченні подробиці. Все волосся було витончено окреслене, і кожна деталь драпірування або підлоги була точно встановлена. Винахід олійного живопису спростило деталізацію деталей.
Фламандський художник Ян ван Ейк (1370-1414) зробив свій великий внесок у розвиток олійного живопису. Коли використовується темпера, кольори потрібно наносити окремо. Вони не можуть добре затінювати один одного, тому що фарба швидко сохне. З маслом, яке повільно сохне, художник може досягти складніших ефектів. Його портрети 1466-1530 р. були виконані у фламандській масляній техніці. Всі деталі і навіть дзеркальне відображення – чіткі та точні. Колір міцний і має тверду, емалеподібну поверхню. Ґрунтова дерев'яна панель була приготовлена так само, як Джотто готував свої панелі для темпери. Ван Ейк створив картину шарами тонкого кольору, званого глазур'ю. Темпера, ймовірно, використовувалася в оригінальному підліску та для відблисків.
Італійський ренесанс
У той час, коли ван Ейк працював на Півночі, італійці переходили в золоте століття мистецтва та літератури. Цей період називається Ренесансом, що означає відродження. Італійські художники були натхненні скульптурою давніх греків та римлян. Італійці хотіли відродити дух класичного мистецтва, який прославляє людську незалежність та шляхетність. Митці епохи Відродження продовжували малювати релігійні сцени. Але вони також підкреслювали земне життя та досягнення людей.
Флоренція
Досягнення Джотто на початку 14 століття започаткували Ренесанс. Італійські художники XVII століття його продовжили. Мазаччо (1401-1428) був одним із лідерів першого покоління художників епохи Відродження. Він жив у Флоренції, багатому торговому місті, де починалося мистецтво епохи Відродження. До його смерті наприкінці двадцятих років він зробив революцію у живопису. У своїй знаменитій фресці "The Tribute Money" він ставить солідні скульптурні фігури у пейзаж, який, здається, йде далеко в далечінь. Мазаччо, можливо, навчався перспективі у флорентійського архітектора та скульптора Брунеллескі (1377-1414).
Техніка фрески була дуже популярною в епоху Відродження. Вона особливо підходила для великих розписів, тому що кольори на фресці сухі та ідеально плоскі. Зображення можна переглядати під будь-яким кутом без відблисків або відбитків. Також фрески мають доступність. Зазвичай художники мали кілька помічників. Роботи виконувались частинами, тому що їх потрібно було закінчити, поки штукатурка була ще вологою.
Повний «тривимірний» стиль Мазаччо був типовим нового прогресивного напрями 15-го століття. Стиль Фра Анджеліко (1400-1455) є традиційнішим підходом, використовуваним багатьма художниками раннього Ренесансу. Він був менш стурбований перспективою та більше цікавився декоративним малюнком. Його «Коронація Богородиці» - приклад темпери у найкрасивішому виконанні. Веселі, насичені кольори на тлі золота та акцентовані золотом. Картина виглядає як збільшена мініатюра. Довгі вузькі фігури мають мало спільного із Мазаччо. Композиція організована в широких лініях руху, що крутяться навколо центральних фігур Христа та Марії.
Ще одним флорентійцем, який працював у традиційному стилі, був Сандро Боттічеллі (1444-1515). Поточні ритмічні лінії поєднують ділянки «Весни» Боттічеллі. Фігура Весни, що переноситься західним вітром, проноситься праворуч. Три грації танцюють у колі, складки їхніх суконь, що розвіваються, і витончені рухи їхніх рук виражають ритми танцю.
Леонардо да Вінчі (1452-1519) навчався живопису у Флоренції. Він відомий своїми науковими дослідженнями та винаходами, а також своїми картинами. Дуже небагато його картин збереглися, частково тому, що він часто експериментував з різними способами створення та застосування фарби, а не з використанням перевірених та достовірних методів. "Таємна вечеря" (написана між 1495 і 1498 роками) була зроблена в маслі, але, на жаль, Леонардо написав її на вологій стіні, через яку фарба розкололася. Але навіть у поганому стані (до реставрації) картина мала здатність збуджувати емоції у всіх, хто це бачить.
Однією з відмінних рис стилю Леонардо був його метод зображення вогнів і темряви. Італійці називали його напівтемне освітлення "сфумато", що означає димчастий або туманний. Фігури в "Мадонні зі скель" завуальовані в атмосфері сфумато. Їхні форми та риси м'яко затінені. Леонардо досяг цих ефектів, використовуючи дуже тонкі градації світлих і темних тонів.
Рим
Кульмінація ренесансного живопису відбулася у 16 столітті. У той же час центр мистецтва та культури перемістився з Флоренції до Риму. Під папою Сікстом IV та його наступником, Юлієм II, місто Рим було славно і багато прикрашене художниками епохи Відродження. Деякі з найамбітніших проектів цього періоду було розпочато за часів папства Юлія II. Юлій доручив великому скульптору та живописцю Мікеланджело (1475-1564) розписати стелю Сікстинської капели та вирізати скульптуру для гробниці Папи. Юлій також запросив художника Рафаеля (1483-1520) допомогти прикрасити Ватикан. Із помічниками Рафаель розписував чотири кімнати квартир Папи у Ватиканському палаці.
Мікеланджело, флорентієць з народження, розробив монументальний стиль живопису. Фігури у його картині настільки міцні та об'ємні, що вони виглядають як скульптури. Сикстинський стеля, який зайняв у Мікеланджело 4 роки, складається із сотень людських фігур зі Старого Завіту. Щоб виконати цю грандіозну фреску, Мікеланджело довелося лягати на спину на риштування. Задумливе обличчя Єремії серед пророків, які оточують стелю, деякі експерти вважають за автопортрет Мікеланджело.
Рафаель приїхав до Флоренції з Урбіно ще дуже юнаком. У Флоренції він увібрав ідеї Леонардо і Мікеланджело. На той час, коли Рафаель відправився до Риму для роботи у Ватикані, його стиль став одним з найбільших за красою виконання. Він особливо любив свої прекрасні портрети Мадонни з немовлям. Вони були відтворені тисячами, їх можна побачити всюди. Його "Мадонна дель Грандука" успішна завдяки своїй простоті. Безчасна у своїй мирності та чистоті, вона так само приваблива для нас, як і для італійців епохи Рафаеля.
Венеція
Венеція була головним північним італійським містом епохи Відродження. Його відвідали художники з Фландрії та інших регіонів, які знали про фламандські експерименти з олійною фарбою. Це стимулювало раннє використання олійної техніки в італійському місті. Венеціанці навчилися писати картини на щільно витягнутому полотні, а не на дерев'яних панелях, які зазвичай використовуються у Флоренції.
Джованні Белліні (1430-1515) був найбільшим венеціанським художником 15 століття. Він також був одним з перших італійських художників, хто використовував олію на полотні. Джорджоне (1478-1151) та Тіціан (1488-1515), який є найвідомішим з усіх венеціанських художників, були учнями у майстерні Белліні.
Майстер масляної техніки Тіціан писав величезні полотна у теплих, насичених кольорах. У своїх зрілих картинах він пожертвував деталями для створення приголомшливих ефектів, наприклад, як у «Мадонні Песаро». Він використав великі кисті, щоб робити великі мазки. Його кольори особливо багаті, тому що він терпляче створював глазурі контрастних кольорів. Зазвичай глазурі наносили на темну коричневу поверхню, що надавало картині єдиний тон.
Ще одним великим венеціанським художником XVI століття був Тінторетто (1518–1594). На відміну від Тіціана, він працював безпосередньо на полотні без попередніх ескізів або контурів. Він часто спотворював свої форми (викручував їх) заради композиції та драми сюжету. Його техніка, яка включає широкі мазки і драматичні контрасти світла і темряви, здається дуже сучасною.
Художник Кіріакос Теотокопулос (1541-1614) був відомий як Ель Греко («Грецька»). Народжений на острові Кріт, окупований венеціанською армією, Ель Греко навчався італійськими художниками. Будучи хлопцем, він вирушив вчитися у Венецію. Об'єднаний вплив візантійського мистецтва, яке він бачив навколо себе на Криті, та італійського мистецтва епохи Відродження, зробили роботу Ель Греко визначною.
У своїх картинах він спотворював природні форми і використовував ще дивніші, більш неземні кольори, ніж Тінторетто, яким він захоплювався. Пізніше Ель Греко перебрався до Іспанії, де похмурість іспанського мистецтва вплинула на його роботу. У його драматичному баченні Толедо шторм вирує над смертельною тишею міста. Холодний блюз, зелень та синьо-білі відтінки розносять холод над краєвидом.
Ренесанс у Фландрії та Німеччині
Золотим століттям живопису у Фландрії (нині частиною Бельгії та північної Франції) було 15-те століття, час ван Ейка. У XVI столітті багато фламандських художників наслідували італійські художники епохи Відродження. Проте деякі фламандці продовжували фламандську традицію реалізму. Тоді поширився жанровий живопис – сцени з повсякденного життя, які іноді були чарівними, а іноді й фантастичними. Ієронім Босх (1450-1515), що передував жанровим художникам, мав надзвичайно яскраву уяву. Він вигадав всіляких дивних, гротескних істот для The Temptation of St. Anthony». Пітер Брейгель Старший (1525-1569) також працював у фламандській традиції, але додав до своїх жанрових сцен перспективу та інші характеристики Ренесансу.
Альбрехт Дюрер (1471-1528), Ганс Гольбейн Молодший (1497-1543) та Лукас Кранах Старший (1472-1553) були трьома найважливішими німецькими художниками XVI століття. Вони багато зробили для пом'якшення похмурого реалізму раннього німецького живопису. Дюрер щонайменше один раз мав візит до Італії, де він був вражений картинами Джованні Белліні та інших північних італійців. Завдяки цьому досвіду він прищепив німецькому живопису знання перспективи, почуття кольору та світла та нове розуміння композиції. Гольбейн засвоїв ще більше італійських здобутків. Його чутливий малюнок та здатність вибирати лише найважливіші деталі зробили його майстром-портретистом.
Барочний живопис
XVII століття відоме мистецтво як період Бароко. В Італії художники Караваджо (1571-1610) та Анібале Карраччі (1560-1609) представляли дві контрастні точки зору. Караваджо (справжнє ім'я Мікеланджело Мерісі) завжди черпав натхнення безпосередньо з реалій життя. Одна з його головних проблем полягала в тому, щоб скопіювати природу якнайточніше, не прославляючи її будь-яким чином. Карраччі, з іншого боку, слідував ідеалу краси епохи Відродження. Він вивчав стародавню скульптурута роботи Мікеланджело, Рафаеля та Тіціана. Стиль Караваджо захоплював багатьох художників, особливо іспанця Рібер і молодого Веласкеса. Карраччі надихнув Ніколу Пуссена (1594-1665), відомого французького художника XVII століття.
Іспанія
Дієго Веласкес (1599-1660), придворний живописець іспанського короля Філіпа IV, був одним із найбільших із усіх іспанських художників. Будучи шанувальником робіт Тіціана, він був майстром у використанні багатого, гармонійного кольору. Жоден художник було краще створити ілюзію багатих тканин чи шкіри людини. Портрет маленького принца Пилипа Проспера показує цю майстерність.
Фландрія
Картини фламандського художника Пітера Пауля Рубенса (1577-1640 рр.) є втіленням повнокольорового стилю бароко. Вони розриваються енергією, кольором та світлом. Рубенс порвав із фламандською традицією малювати маленькі картини. Його полотна величезні, сповнені людських фігур. Він отримував більше замовлень у великі картини, ніж міг би виконати. Тому він часто малював лише невеликий кольоровий ескіз. Потім його помічники переносили ескіз на велике полотно та закінчували картину під керівництвом Рубенса.
Голандія
Досягнення голландського живописця Рембрандта (1606-1669) є одними з найвидатніших в історії. Він мав чудовий дар - точно спіймати і передати людські емоції. Як і Тіціан, він довго працював над створенням багатошарових картин. Земні кольори – жовта охра, коричнева та коричнево-червона – були його фаворитами. Його картини виконані, переважно, у темних тонах. Важливе значення темних багатошарових частин роблять його техніку незвичайною. Акцент передається яскравим освітленням щодо світлих ділянок.
Ян Вермеєр (1632-1675) був в одній із груп голландських художників, які писали скромні сцени повсякденного життя. Він був майстром у малюванні будь-яких текстур - сатинових, перських килимів, хлібних скорин, металу. Загальне враження від інтер'єру Вермеєра – це сонячна, життєрадісна кімната, наповнена знаковими побутовими предметами.
Живопис 18 століття
У 18 столітті Венеція народила кілька прекрасних художників. Найвідомішим був Джованні Баттіста Тьєполо (1696-1770). Він прикрашав інтер'єри палаців та інших будівель грандіозними барвистими фресками, що становлять сцени багатства. Франческо Гварді (1712-1793) був дуже майстерний пензлем, лише кількома плямами кольору міг викликати уявою ідею крихітної постаті у човні. Видовищні образи Антоніо Каналетто (1697-1768 рр.) оспівували минулу славу Венеції.
Франція: стиль Рококо
У Франції смак до пастельних квітів і хитромудрого оздоблення на початку 18 століття призвів до розвитку стилю Рококо. Жан Антуан Ватто (1684-1721), придворний художник короля Людовіка XV, а пізніше Франсуа Буше (1703-1770) та Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) були пов'язані з трендами Рококо. Ватто писав мрійливі бачення, життя, у якому все - веселощі. В основі стилю - пікніки в парках, лісові вечірки, де веселі джентльмени та елегантні пані розважаються на природі.
Інші художники 18 століття зображували сцени звичайного життя середнього класу. Як і Голландський Вермеєр, Жан Батіст Сімеон Шарден (1699-1779) цінував прості домашні сюжети та натюрморти. Його кольори тверезі і спокійні в порівнянні з Ватто.
Англія
У вісімнадцятому сторіччі англійці вперше розробили окрему школу живопису. Ядро складалося, переважно, з художників-портретистів, у яких впливали художники венеціанського ренесансу. Сер Джошуа Рейнольдс (1723-1792) та Томас Гейнсборо (1727-1788) є найвідомішими. Рейнольдс, який подорожував Італією, слідував ідеалам живопису ренесансу. Його портрети, привабливі і зворушливі, не дуже цікаві за кольором або текстурою. Гейнсборо, з іншого боку, мав талант до блиску. Поверхні його картин світяться сяючим кольором.
Живопис 19 століття
XIX століття іноді розглядається як період, протягом якого почало складатися сучасне мистецтво. Однією з важливих причин так званої революції в мистецтві в цей час був винахід камери, яка змусила художників переглянути мету живопису.
Найважливішою подією стало широке використання заздалегідь виготовлених фарб. До 19-го століття більшість художників або їхні помічники робили власні фарби шляхом подрібнення пігменту. Ранні комерційні фарби поступалися ручним фарбам. Художники наприкінці 19-го століття виявили, що темні сині та коричневі тони ранніх картин протягом кількох років ставали чорними або сірими. Вони знову почали використовувати чисті кольори, щоб зберегти свою роботу, а іноді тому, що намагалися точніше відбивати сонячне світло у вуличних сценах.
Іспанія: Гойя
Франсіско Гойя (1746-1828) був першим великим іспанським художником, що з'явився з 17 століття. Як улюблений художник іспанського двору він зробив багато портретів королівської сім'ї. Королівські персонажі оснащені елегантним одягомі прекрасними коштовностями, але на деяких їхніх обличчях все, що відбивається, це марнославство та жадібність. Крім портретів, Гойя малював драматичні сцени, такі як Третє травня 1808 року. На цій картині зображено виконання групою іспанських повстанців французькими солдатами. Сміливі контрасти світлих і темних та похмурих кольорів, пронизані червоними бризками, викликають похмурий жах видовища.
Хоча Франція була великим центром мистецтва у 1800-х роках, англійські ландшафтні художники Джон Констебль (1776-1837) та Джозеф Мелорд Вільям Тернер (1775-1851) зробили цінний внесок у живопис 19-го століття. Обидва цікавилися живописом світла та повітря, двома аспектами природи, які художники XIX століття досліджували повністю. Констебль використовував метод, відомий як поділ, або зламаний колір. Він використовував контрастні кольори над основним кольором тла. Він часто використовував ніж для палітри, щоб щільно нанести колір. Картина "Hay Wain" зробила його знаменитим, після показу в Парижі 1824 року. Це проста сільська сцена сіножаті. Хмари дрейфують над луками, вкритими плямами сонячного світла. Картини Тернера драматичніші, ніж у Констебля, який писав величні пам'ятки природи - бурі, морські пейзажі, палаючі заходи сонця, високі гори. Часто золотий серпанок частково приховує об'єкти в його картинах, змушуючи їх здаватися плаваючими в безкінечному просторі.
Франція
Період правління Наполеона та Французька революція ознаменували появу двох протилежних тенденцій у французькому мистецтві – класицизму та романтизму. Жак Луї Давид (1748-1825) та Жан Огюст Домінік Енгр (1780-1867) були натхненні давньогрецьким та римським мистецтвом та епохою Відродження. Вони підкреслювали деталі та використовували колір для створення твердих форм. Як улюблений художник революційного уряду, Давид часто писав історичні події того періоду. У своїх портретах, таких як мадам Рекам'є, він прагнув досягнення класичної простоти.
Теодор Геріко (1791-1824) та романтик Ежен Делакруа (1798-1863) повстали проти стилю Давида. Для Делакруа колір був найважливішим елементом у живопису і він був терпіння для імітації класичних статуй. Натомість він захоплювався Рубеном і венеціанцями. Він вибрав барвисті, екзотичні теми для своїх картин, які сяють світлом і сповнені руху.
Художники Барбізона також були частиною загального романтичного руху, що тривало приблизно з 1820 до 1850 року. Вони працювали неподалік села Барбізон на краю лісу Фонтенбло. Вони черпали натхнення на природі та закінчували картини у своїх студіях.
Інші художники експериментували із повсякденними звичайними предметами. Ландшафти Жана Батіста Каміля Коро (1796-1875) відбивають його любов до природи, та її етюди людського тіла показують свого роду збалансований спокій. Гюстав Курбе (1819-1877) називав себе реалістом, тому що він зображував світ таким, як бачив його – навіть його суворий, неприємний бік. Він обмежив свою палітру лише кількома похмурими квітами. Едуар Мане (1832-1883) також брав основу своїх сюжетів з навколишнього світу. Люди були вражені його барвистими контрастами та незвичайними прийомами. На поверхнях його картин часто є плоска візерункова текстура мазків. Методи Мане щодо нанесення ефектів світла на форму вплинули на молодих художників, особливо імпресіоністів.
Працюючи у 1870-х та 1880-х роках, група художників, відомих як імпресіоністи, хотіла зображати природу саме так, якою вона була. Вони пішли набагато далі, ніж Констебль, Тернер та Мане у вивченні ефектів світла у кольорі. Деякі їх розробили наукові теорії кольору. Клод Моне (1840-1926) часто писав той самий вид у різний час доби, щоб показати, як він змінюється в різних умовах освітленості. Яким би не був об'єкт, його картини складаються із сотень крихітних мазків, розташованих поруч один з одним, часто у контрастних кольорах. З відривом штрихи змішуються, щоб створити враження твердих форм. П'єр Огюст Ренуар (1841-1919) використав методи імпресіонізму, щоб захопити свято паризького життя. У його «Танці у Мулен де ла Галетт» люди в яскраво пофарбованому одязі юрмилися і весело танцювали. Ренуар написав усю картину дрібними мазками. Крапки та штрихи фарби створюють текстуру на поверхні картини, яка надає їй особливого вигляду. Натовпи людей, здається, розчиняються в сонячному світлі і мерехтливому кольорі.
Живопис 20-го століття
Ряд художників незабаром стали незадоволені імпресіонізмом. Художники, такі як Пол Сезанн (1839-1906), відчували, що імпресіонізм не визначає міцність форм у природі. Сезанн любив малювати натюрморти, тому що вони дозволяли йому зосередитися на формі фруктів або інших предметів та їхньому розташуванні. Об'єкти його натюрмортів виглядають міцно, тому що він зводив їх до простих геометричних форм. Його техніка розміщення плям фарби і коротких мазків багатого кольору пліч-о-пліч показує, що він багато чому навчився у імпресіоністів.
Вінсент Ван Гог (1853-90) та Поль Гоген (1848-1903) відреагували на реалізм імпресіоністів. На відміну від імпресіоністів, які говорили, що вони об'єктивно розглядають природу, Ван Гог мало дбав про точність. Він часто спотворював об'єкти, щоб висловити свої думки творчіше. Він використовував імпресіоністські принципи приміщення контрастних кольорів поруч друг з одним. Іноді він стискав фарбу з трубок прямо на полотно, як у «Полі жовтої кукурудзи».
Гоген не дбав про плямистий колір імпресіоністів. Він плавно застосовував колір у великих плоских областях, які він відокремлював один від одного лініями або темними краями. Барвисті тропічні народи забезпечили більшу частину його сюжетів.
Метод Сезана створення простору за допомогою простих геометричних форм був розвинений Пабло Пікассо (1881-1973), Жоржем Шлюбом (1882-1963) та іншими. Їхній стиль став відомий як Кубізм. Кубісти малювали об'єкти так, ніби їх можна було побачити з кількох кутів одразу або, ніби їх розібрали і зібрали на плоскому полотні. Часто об'єкти виявлялися не схожими на щось, що існує в природі. Іноді кубісти вирізали фігури з тканини, картону, шпалер або інших матеріалів і наклеювали їх на полотно, щоб зробити колаж. Текстури також варіювалися, додаючи до фарби пісок чи інші речовини.
Пізніші тенденції полягали в тому, щоб приділяти менше уваги темі. Більший акцент стали набувати композиція та техніка зображення.
- Акриловий живопис: історія, техніка, переваги акрилу
